Justin Lerner presenta Cadejo blanco para ofrecer una mirada diferente de la violencia en Centroamérica y ayudar a las víctimas a buscar una salida

Justin Lerner presenta Cadejo blanco para ofrecer una mirada diferente de la violencia en Centroamérica y ayudar a las víctimas a buscar una salida

Para Lerner es la primera vez que una película retrata de verdad la violencia en Centroamérica sin caer en estereotipos y teniendo en cuenta el punto de vista real de sus protagonistas

El director estadounidense Justin Lerner ha presentado su nuevo largometraje Cadejo Blanco, que compite en Sección Oficial con una historia basada en hechos reales para ofrecer al público una mirada diferente de la violencia en Centroamérica y ayudar a las víctimas a buscar una salida.

En rueda de prensa, Lerner ha explicado que esta coproducción estadounidense y guatemalteca es fruto de tres años de un amplio trabajo de investigación. Ha relatado que se trasladó a Puerto Barrios –ciudad de Guatemala- en busca de gente real, personas involucradas en el crimen para entrevistarles y documentarse minuciosamente de su cruda realidad. Tras más de tres años viviendo allí, comenzó a construir el guión, sustentado por estos testimonios. Una vez culminado, volvió a Puerto Barrios para presentarlo a todos sus entrevistados y colaboradores que le habían introducido en el mundo de la violencia.

Su productor Pedro H. Murcia ha revelado que el casting respondió a una estrategia de “Street casting”, es decir, buscaron a sus personajes directamente por las calles durante todo un año. Querían personas afrocaribeñas, naturales de Puerto Barrios, que transmitieran una sensibilidad especial con su mirada y las encontraron. Además, los propios entrevistados les pidieron formar parte del reparto porque querían interpretar a esos personajes inspirados en sí mismos. Por este motivo, la cinta mezcla a gente real con actores profesionales, como Karen Martínez.

El objetivo que ha perseguido su director ha sido mostrar la otra cara de la violencia, es decir, cómo afecta a las personas en sus relaciones familiares, cómo afrontan las pérdidas, cómo toman decisiones en su día a día, ya que considera que hasta el momento ninguna película ha sido capaz de retratar la violencia en Centroamérica sin caer en estereotipos y teniendo en cuenta a la gente real que convive con el crimen a diario.

Por este mismo motivo, Martínez ha insistido en la importancia de establecer vínculos sólidos con estos actores que no eran profesionales. Ha destacado que lo más interesante del proceso de interpretación ha sido establecer las relaciones humanas con el resto de actores. No significa solo que se convirtiesen en amigos, sino que se respetaba el punto de vista del resto del reparto, aunque no fuesen profesionales, para interiorizar su testimonio de vida y experiencia real a la hora de interpretar las escenas. Se esforzó en hacerlos sentir cómodos, ha recalcado.

En el reparto le acompañan Rudy Rodríguez, Brandon López, Pamela Martínez, Juan Pablo Olyslager, Rudy Wilfredo Urrutia y Yolanda Coronado. Lerner ha manifestado que los personajes eran tan reales que hasta algunos murieron durante el rodaje. De ahí que este largometraje también cumpla otro objetivo, como es el de ayudar a las víctimas a buscar otras formas de vida para escapar de un contexto tan desesperanzador.

Por último, el director ha explicado que el cadejo es una figura del folklore guatemalteco, un perro que es una guía espiritual. Y le pareció una metáfora maravillosa para el viaje que emprende Sarita en busca de su hermana y denominar así a su película.

La historia se sitúa en una noche después de una fiesta, cuando la hermana de Sarita desaparece. Convencida de que Andrés, el peligroso exnovio de su hermana, tiene algo que ver, Sarita se convierte en su amiga y se infiltra en su pandilla. Con una determinación inquebrantable por descubrir la verdad, Sarita se involucra cada vez más con Andrés y el mundo implacable de su pandilla.

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Adrián Silvestre lleva a la gran pantalla la vida de Raphaëlle Pérez para reflexionar sobre la identidad de género en Mi vacío y yo, su nuevo largometraje

Adrián Silvestre lleva a la gran pantalla la vida de Raphaëlle Pérez para reflexionar sobre la identidad de género en Mi vacío y yo, su nuevo largometraje

Para Raphaëlle Pérez ha supuesto una catarsis, una herramienta terapéutica para encontrarse a sí misma en esta película con la que cualquiera se puede sentir identificado

Adrián Silvestre lleva a la gran pantalla la vida de Raphaëlle Pérez para reflexionar sobre la identidad de género en Mi vacío y yo, su nuevo largometraje con el que compite en la Sección Oficial del Festival de Málaga. Habla de un vacío emocional y de la búsqueda de identidad que puede sentir cualquiera, más allá de su condición de género.

Silvestre ha definido su película como un fragmento de la vida de su actriz protagonista. Se ha propuesto relatar sus historias y experiencias más íntimas en forma de ficción, pero con mucho de verdad. Se trata de un proceso muy íntimo, muy vinculado a la amistad, “que habla de algo que nos apela a todos, de cómo construimos la verdad a partir de la mirada de los demás y a pesar de los demás”.

Todo empezó cuando el director conoció a su protagonista hace cinco años. Pérez ha relatado que se conocieron en un grupo de mujeres trans, dedicado a dar información a las mujeres que deciden dar el paso hacia la cirugía. Ella no solo quería informarse de este proceso, sino también conocer a más chicas como ella. Casualmente Adrián acudió a ellas para impartir unos talleres de cine en el centro cívico de la Barceloneta.

Pérez decidió tirarse a la piscina y presentarle algunos de los relatos íntimos que tenía escritos sin saber que podrían llegar algún día a la gran pantalla. La escritura ha sido una herramienta terapéutica para ella. Por eso le encanta escribir y ha informado de que se encuentra culminando una novela. Silvestre descubrió que tenía un talento increíble para relatar historias muy específicas que fueron forjando el camino hacia su identidad. Han trabajado sintiéndose como parte de una pequeña familia. Y aunque se centra en la identidad de género, trasciende mucho más allá.

A la hora de interpretar nunca le dio a los actores esquemas cerrados de trabajo porque apuesta por la libertad y la improvisación con el objetivo de que todo sea más orgánico y natural. Para Pérez la escena sexual ha sido la más difícil de rodar, “una de las más duras”. Sobre ella ha confesado que escenifica una crisis de ansiedad que también experimenta en la vida real, cuando comienza a actuar e incluso cuando expone un cuerpo que no le representa. Sin embargo ha reivindicado que ha sido una experiencia necesaria y de la que no se arrepiente en absoluto. El equipo ha concluido en rueda de prensa que la cinta habla de la carne, del cuerpo, del sexo y de reconciliarnos con lo que tenemos. No querían dulcificar las escenas ni caer en el morbo y se sienten muy orgullosos del resultado.

Sus productoras Marta Figueras y Alba Sotorra se sienten seguras de que las inseguridades retratadas en la película son las mismas que experimentan el 90 por ciento de las mujeres, al margen de su identidad de género. Silvestre ha culminado su intervención aseverando que comunidad trans forma parte de la humanidad y no puede dejar de ser representada. Lo que más le gustó de Raphaëlle fue su valentía e inteligencia emocional.

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Pau Durà presenta Toscana, su segundo largometraje que invita a un viaje emocional por el paso del tiempo y los sueños frustrados en forma de comedia

Pau Durà presenta Toscana, su segundo largometraje que invita a un viaje emocional por el paso del tiempo y los sueños frustrados en forma de comedia

Tras su debut con Formentera Lady, ha vuelto al Festival de Málaga con Toscana en la Sección Oficial No competitiva

El director Pau Durà ha vuelto al Festival de Málaga para presentar en la Sección Oficial no competitiva su segundo largometraje Toscana, una comedia protagonizada por él mismo junto a los actores Edu Soto, Malena Alterio y Francesc Orella.

Durà ha explicado que su comedia nace de momentos serios, como la paternidad y la crisis económica. Por esta razón a pesar de su género, también se vislumbra un viaje emocional donde se habla del miedo y de las dudas ligadas al paso del tiempo y a los sueños frustrados.

Ha confesado que lo considera el género más difícil de trabajar, pero se ha compensado al despertar las carcajadas del público, como ha podido comprobar durante la proyección previa a la rueda de prensa.

Como guionista, Durà no concibe el drama sin que haya ironía y humor. De ahí que en determinadas escenas se mezclen elementos de ambos géneros en este trabajo que ha calificado como un largometraje de actores.

La trama se centra en el desastroso secuestro de un crítico culinario en un restaurante italiano llamado Toscana. Con un bote lleno de esperma en el bolsillo y camino de la clínica donde le espera su mujer para someterse a una fecundación in vitro, Santi, crítico culinario en plena crisis de los 40, choca su Vespa con un vehículo cuya conductora se da a la fuga. Buscando ayuda, queda atrapado en el restaurante donde, a punta de escopeta, un ex cocinero reclama el finiquito a su propietario.

Por último, Durà ha insistido en que, a pesar de ser el creador, considera que el cine es fruto del trabajo en equipo, por lo que ha contado con la participación de los actores para perfilar algunos puntos. Una de sus principales virtudes es contagiar el amor que siente por su película al resto de integrantes del rodaje, por lo que todos le han puesto el mismo interés y cuidado, ha añadido.

Su estreno tendrá lugar el 27 de mayo.

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La gala Málaga Cinema premia a la industria cinematográfica malagueña en memoria de la cineasta Regina Álvarez

La gala Málaga Cinema premia a la industria cinematográfica malagueña en memoria de la cineasta Regina Álvarez

En la gala también se han anunciado las Ayudas a la Producción malagueña otorgadas por el Festival de Málaga

Este miércoles se ha celebrado, como cada año en el marco del Festival de Málaga, la gala Málaga Cinema en la cual se reconocen diversas figuras del panorama cinematográfico malagueño. El acto ha tenido lugar en el Teatro Cervantes y ha sido conducido por el actor y periodista Domi del Postigo, quien ha querido recordar a la realizadora y directora Regina Álvarez, fallecida recientemente. Asimismo, ha reclamado, de forma emotiva, un aplauso en memoria de “todos los malagueños que hacen películas en el cielo”.

Esta 25 edición del certamen ha vuelto a poner el foco en el talento existente en Málaga. Para ello, ha entregado diversos galardones a figuras de diferentes sectores dentro de la industria cinematográfica. Para amenizarlo, el acto ha estado de música producida por el cuarteto instrumental Anachronic Cinema, compuesto por Stefano Tomaselli, al saxofón; Rafael Martínez, a la guitarra; Juan Baca, con el contrabajo; y Nicolas Huguenin, con la batería.

PREMIOS MÁLAGA CINEMA

BIZNAGA MÁLAGA CINEMA A LA PRODUCCIÓN
Ezekiel Montes

BIZNAGA MÁLAGA CINEMA OFICIOS DEL CINE
Paloma Peñarrubia

BIZNAGA MÁLAGA CINEMA DE PLATA MEJOR ACTRIZ
Olalla Hernández

BIZNAGA MÁLAGA CINEMA DE PLATA MEJOR ACTOR
Ignacio Nacho

Además, en la misma gala Málaga Cinema, el Festival ha dado a conocer las Ayudas a la Producción con las que el certamen apoya al sector audiovisual malagueño. Lo hará repartiendo 50.000 euros entre 11 proyectos que han sido seleccionados por los tutores de este año: el cineasta Santi Amodeo (Premio Málaga Talent) y la productora Belén Sánchez (presente en esta edición con ‘Dúo’, en Zonazine, y ‘Nosotros no nos mataremos con pistolas’, en Sección Oficial).

AYUDAS A LA PRODUCCIÓN – PROYECTOS SELECCIONADOS:

‘Dominus videt’, de José Vega – 4.000 euros

‘El espacio inequívoco de las cosas’, de Álex Esteve – 5.000 euros

‘La hija de mi madre’, de Carles Gómez Alemany – 4.000 euros

‘La pichona’, de David Montosa – 6.000 euros

‘Orph’, de Marta M. Mata – 5.000 euros

‘Otro’, de Antonio Palomino – 4.000 euros

‘Piel de cuarzo’, de Patricia Conor López – 6.000 euros

‘Saboteadora’, de María José Ríos Salcedo – 1.000 euros

‘Sacrilegio’, de Pedro Casablanc – 6.000 euros

‘Todo va bien’, de Adrián Ordóñez Santiago – 3.000 euros

‘Transuniversal’, de Rafael Robles Rafatal – 6.000 euros

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Paloma Bloyd y Nacho Yanes, Premios al Mejor Look Alfombra Roja del 25 Festival de Málaga

Paloma Bloyd y Nacho Yanes, Premios al Mejor Look Alfombra Roja del 25 Festival de Málaga

El instituto de belleza y medicina estética Maribel Yébenes reconoce la imagen y el estilo de los actores durante la gala de inauguración del certamen

Los actores Paloma Bloyd y Nacho Yanes han recibido hoy, durante un evento celebrado en el Gran Hotel Miramar, el Premio Maribel Yébenes al Mejor Look de la Alfombra Roja del 25 Festival de Málaga. Un galardón que otorga el certamen cinematográfico de la mano de la firma de belleza y medicina estética Maribel Yébenes y que reconoce la personalidad y el estilo sobre la alfombra del Festival en la gala de inauguración del mismo, el pasado viernes 18 de marzo. El acto, presidido por el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, y la directora del centro boutique MY Málaga, Ana Gutiérrez, ha contado con la asistencia de los miembros del jurado del galardón: Olivia de Borbón, Martín Moniche, Natalia Cebrián y Ana Vera.

El premio que, en su primera edición de 2019, obtuvieron Amaia Salamanca y Jose Lamuño, ha vuelto al Festival tras dos años de suspensión por la pandemia. “Os hemos echado de menos”, ha destacado Vigar, quien ha afirmado que “la cultura tiene que tener siempre un fondo ético, pero no está de más atender a esta parte estética del mundo del cine”. Lorena Codes ha disculpado la presencia de la directora de Maribel Yébenes, Myriam Yébenes, por problemas de salud, y ha recordado que “la belleza es mucho más que un buen físico o una genética privilegiada, tiene que ver con mantener la personalidad y el estilo propio”. Estos valores, junto a la elección de un outfit acorde con la edad y la ocasión, son algunos de los aspectos que ha valorado el jurado a la hora de escoger a Paloma Bloyd y Nacho Yanes como ganadores de esta edición.

Desde que el centro MY Málaga abrió sus puertas en octubre de 2018 en el Paseo de Reding, la firma ha tenido presente la necesidad de formar parte de los eventos más importantes para los malagueños. Así lo destacó su directora, Ana Gutiérrez, quien recalcó que “en la filosofía de la firma está formar parte de los principales acontecimientos culturales de la ciudad, como este Festival”.

Por su parte, Martín Moniche en representación del jurado, felicitó al Festival por sus 25 años de trayectoria y a la firma MY por la celebración de este evento, y aseguró que la elección de los premiados ha sido complicada por la elegancia y el buen gusto que desfiló por la alfombra roja de la gala inaugural.

«Este premio no es una competencia, sino una manera de estimular el talento, que también se expresa a través del look y, al mismo tiempo, impulsar el trabajo de estilistas, diseñadores, maquilladores, orfebres y peluqueros españoles que forman un equipo para conseguir una imagen diez», trasladó Myriam Yébenes.

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El cine latinoamericano a través de la guerra y la memoria centran la jornada meridional de los documentales

El cine latinoamericano a través de la guerra y la memoria centran la jornada meridional de los documentales

La cineasta Eva Vila regresa a Málaga con su nuevo proyecto ‘Memòria del cos’

Las producciones y co-producciones latinas han brillado en la jornada de sección oficial llevada a cabo en el meridiano de la 25 edición de Festival de Cine de Málaga, en la que el Teatro Echegaray ha vuelto a ser la casa de acogida de estos distintos proyectos.

De esta manera, la producción guatemalteca ‘El silencio del topo’ de la directora Anaïs Taracena –quien recibió el pasado 13 de marzo uno de los premios principales del Festival de Cine y Foro de Derechos Humanos de Ginebra- ha sido la encargada de abrir la sesión de este miércoles.

El largometraje documental repasa mediante entrevistas e imágenes de archivo la historia del periodista Elías Barahona, apodado el “topo”, ya que entre 1976 y 1980 estuvo infiltrado como secretario de prensa del Ministerio de la Gobernación de Guatemala. Asimismo, fue el hombre de confianza del ministro Donaldo Álvarez Ruiz, un puesto desde el que pasó información a guerrilleros con la que pudo salvar numerosas vidas de personas perseguidas por sus ideas políticas.

“He estado trabajando durante seis años en el documental. Ha sido un proceso un poco largo y lento, ya que tuvo mucho tiempo de investigación. ‘El Silencio del Topo’ en realizado en forma de entrevista y acompañado de una narración en voz en off. El filme tiene muchos momentos metafóricos”, explicó la directora.

Taracena ha señalado que fue en el 2011 cuando conoció a Barahona y se hicieron buenos amigos. A través de diferentes charlas le contó su historia como periodista infiltrado en el régimen militar del general Romeo Lucas García, y confiesa que la cautivó “desde el primer momento”. Pero, no fue hasta la muerte de éste, en 2014, cuando decidió que “sí o sí” tenía que hacer el documental.

El documental, que compagina tan solo una semana de rodaje con el propio Barahona –sobre todo, cuando dio declaraciones en el juicio por la quema de la Embajada de España ocurrida en 1980 en donde murieron estudiantes, líderes indígenas y funcionarios públicos de Guatemala y España- con imágenes de archivo, no solo quiere mostrar lo que pasó con este hombre, sino también una reflexión a la memoria, qué es lo que preservamos o qué recuerdos guardamos.

Previo a esta proyección, se ha llevado a cabo la presentación del corto ‘Memòria del cos’ (‘Memoria del cuerpo’), el primer cortometraje documental de la directora española Eva Vila, quien hace un recorrido por la vida de la cineasta Carmen Castillo, sobreviviente de la dictadura de Pinochet.
Sucedió en 1974, cuando los militares irrumpieron en la casa donde vivía clandestinamente y matan a su compañero Miguel Enríquez. Castillo, embarazada, sobrevive, pero pierde a su hijo, que fallece al mes de haber nacido, entonces es ahí cuando ella inicia su exilio.

Vila, que no ha podido estar en la presentación, que en su lugar ha venido el montador del corto, Nicolás Tabilo, ha señala que, en el último encuentro de la directora con ella, sintieron la necesidad de buscar un lugar fílmico para hacer un homenaje a la memoria del cuerpo del hijo perdido.

Asimismo, confiesa que este corto es un puente hacia un largometraje en el que Vila se encuentra rodando ahora mismo.

Las dos últimas propuestas de la noche han sido la co-producción franco panameña, en forma de corto ‘A love song in Spanish’ de la directora Ana Elena Tejera, quien a través de una performance biográfica entre ella misma y su abuela cuenta una historia para afrontar la dictadura doméstica.

La jornada de este miércoles se ha cerrado con la cinta panameña ‘Para su tranquilidad, haga su propio museo’ de las directoras Pilar Moreno y Ana Endara. Moreno, quien es también artista, ha reconocido que el origen de este documental nace de su interés en el arte que se produce fuera del mundo artístico.

“El trabajo que hemos hecho nació en un pueblo pequeño en mitad de la nada de Panamá. Empezamos un viaje hermoso cuyo culmen es esta noche aquí en Málaga, por lo que estamos muy contentas de que se nos haya dado la oportunidad de presentar nuestro trabajo aquí en España”, ha puntualizado Endara.

En un pueblo minúsculo en mitad de la nada, habita el fantasma de una anciana, Senobia Cerrud, quien hace tiempo convirtió su casa en el Museo de Antigüedades de Todas las Especies. Con ellas creó un mundo lleno de seres fantásticos -muchos hechos con cosas descartadas en la basura- que la acompañan ahora en la vida que eligió vivir para siempre.

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14 años cumple ‘Afirmando los derechos de las mujeres’, ciclo pionero en el sector

14 años cumple ‘Afirmando los derechos de las mujeres’, ciclo pionero en el sector

El cortometraje ‘Sorda’ ha contado con la interpretación de la cinta en lengua de signos

La sección ‘Afirmando los derechos de las mujeres’ ha arrancado su decimocuarta edición en el Festival De Málaga con seis propuestas cinematográficas que giran en torno a historias protagonizadas por mujeres. Una cuidadora de chimpancés en el Congo, una campeona de windsurf, el grupo activista Femen, la vida de la primera fotógrafa vasca, los problemas de comunicación de una persona sorda y una huelga de mujeres en Argentina son los temas que se han tratado en los documentales proyectados durante esta primera jornada.

La tarde ha comenzado con la película Desobedientes: la historia de FEMEN en España, dirigida por Lara Alcázar y Reichel Navarrete, también protagonistas de la cinta junto a sus compañeras de Femen. Este es el primer documental del movimiento feminista en España y ha sido grabado y producido por las propias activistas.

“Es una forma de contar una historia más allá de los titulares. Contar nuestra experiencia nos corresponde a quienes pertenecemos al grupo”, ha puntualizado Alcázar. Con esta pieza Femen pretende profundizar y dar a conocer la verdadera cara del activismo, según han resaltado.

El punto diferenciador de la tarde ha llegado con ‘Sordas’, un proyecto dirigido por Nuria Muñoz-Ortín y Eva Libertad, que han acercado al auditorio del Centro Cultural MVA la realidad de las personas sordas con un público mayoritariamente sordo. “No estamos acostumbradas a que los festivales lleguen a las personas y poder verlas entre el público nos llena de alegría”, ha destacado la directora, quien ha aplaudido la presencia de un intérprete de signos durante la proyección de la película.

A la directora le une un vínculo especial con la sordera a través de su hermana, que fue el punto de partida para la creación del guión de la película. “Este cortometraje nació cuando Nuria, mi hermana, se planteó ser madre y me transmitió sus miedos. Esos miedos son el núcleo dramático de este corto”, ha comentado Muñoz-Ortín.

También se ha presentado en la tarde del miércoles la primera obra como director de Pablo Ramírez, ‘Daida back to the ocean’, que nos sumerge en la historia de la campeona de windsurf, Daida Ruano Moreno, en su lucha contra el cáncer. “Este documental es un film que nace con un fin benéfico ya que todos los fondos recaudados se destinarán a la AECC”, ha explicado su director.

Otro de los proyectos exhibidos ha sido ‘Mama’, de Pablo de la Chica, ganador del Goya al mejor corto documental 2022. En el cortometraje se narra la relación entre Mama Zawadi y sus bebés chimpancés en el Santuario de Rehabilitación de Primates de Lwiro, en el Congo, considerado el lugar más violento para las mujeres en el mundo. De la Chica ha apuntado que esta cinta habla del amor incondicional como terapia para las heridas de la guerra.

Completa la sesión inaugural ‘Norberaren gela (Una habitación propia)’, en la que Ainhoa Urgoitia Santamaria y Enrique Rey Monzón establecen un diálogo con la obra y vida de Eulalia de Abaitua, considerada la primera fotógrafa vasca. El final de la jornada lo ha puesto ‘Las picapedreras’, una pieza que viaja a la rebelión de la Huelga Grande de Tandil, en la Argentina de principios del siglo XX.

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El drama indie ‘Libélulas’ llega a la sección Zonazine del Festival

El drama indie ‘Libélulas’ llega a la sección Zonazine del Festival

La ópera prima de Luc Knowles está protagonizada por las actrices Milena Smit y Olivia Baglivi

La sexta jornada del Festival de Málaga se ha estrenado en la sección Zonazine con la proyección de ‘Libélulas’, drama de corte independiente dirigido por Luc Knowles y protagonizado por Milena Smit, Olivia Baglivi, Pol Hermoso y Gonzalo Herrero.

La película cuenta la historia de Álex y Cata, dos íntimas amigas sin trabajo ni futuro que han soñado toda la vida con irse del barrio juntas. Las dos saben que se tienen la una a la otra, lo que les ayuda a sobrellevar su realidad. Mientras planean su huida, cada noche la disfrutan como si fuese la última. Son frágiles, como el vuelo de las libélulas, suspendidas en equilibrio.

Tras la proyección de la película en la sala 3 del cine Albéniz, ha tenido lugar la rueda de prensa a la que han acudido su director y sus cuatro protagonistas principales.

En palabras de su director, Luc Knowles, “la película surgió de la necesidad de contar cosas con las que me siento identificado y que creo que son universales: la amistad, la familia, el sitio de dónde vienes. Es un drama social muy marcado, pero, por encima de todo, es una historia de amistad”. Ante los periodistas, ha querido destacar el estilo indie americano que impregna toda la película, gracias sobre todo al trabajo de fotografía, muy fría y con un halo triste.

La actriz Milena Smit, que viene de tocar el éxito con películas tan celebradas como ‘No matarás’ o ‘Madres paralelas’, es una de las protagonistas. “Para mí, este proyecto es muy especial y personal. Me siento muy identificada con el personaje de Cata. Creo que por encima de todo es una historia de dos personas que no quieren crecer y se aferran a los últimos trazos de juventud que les quedan”.

Olivia Baglivi, que interpreta al personaje de Álex, cuenta en la rueda de prensa cómo surgió la magia de forma instantánea entre ella y Milena: “Hubo un trabajo previo arduo de ensayos, pero la magia entre nosotras era real. Ambas entendemos el trabajo de la misma manera. De hecho, estuvimos todo el rodaje metidas en el personaje para crear esa relación tan especial que se ve en la pantalla”.

Por su parte, los actores Pol Hermoso y Guillermo Herrero, destacan la libertad que han sentido en el proyecto. “Ha sido mi primer largometraje, pero me he sentido muy cómodo”, ha asegurado Gonzalo Herrero.

Luc Knowles comienza su carrera audiovisual cimentada en la industria de los videoclips para artistas como John Vermont, Reyko, Fernando Costa, Oddliquor o Follone. Posteriormente lleva su estética y narrativa hasta la publicidad, con proyectos para agencias como Mccan, Ogilvy, Lola, &Rosas, Double You, Casanova, DDB, Equipo Singular o BBDO. ‘Libélulas’, cuyo guion ha escrito él mismo, es su primer largometraje.

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Elías León Siminiani presenta ‘800 metros’ una docuserie sobre los atentados en Barcelona y Cambrils

Elías León Siminiani presenta ‘800 metros’ una docuserie sobre los atentados en Barcelona y Cambrils

La serie, que profundiza sobre los hechos del 17-A, llega a Netflix el próximo 25 de marzo

Tras llevar a la pantalla ‘El caso Alcasser’, Elías León Siminiani -junto con Ramón Campos- presenta ahora ‘800 metros’ una serie documental de tres capítulos que reflexiona sobre por qué unos jóvenes, supuestamente integrados, deciden morir matando en los atentados del 17 de agosto de 2017 ocurridos en las ciudades de Barcelona y Cambrils (Tarragona). Su primer capítulo se ha podido ver en primicia en la en la 25 edición del Festival de Cine de Málaga dentro de la sección Pantalla TV.

La serie, que llega a la pantalla el próximo 25 de marzo a la plataforma audiovisual Netflix, ofrece una reconstrucción pormenorizada de los hechos, con material audiovisual inédito, testimonios exclusivos de los principales investigadores y expertos, así como de numerosos supervivientes y personas del entorno cercano de los terroristas para esclarecer los hechos.

“Lo que se va a ver en la serie tiene que ver con una herida interior y conflicto de identidad de esos jóvenes que, en un momento determinado, no sabían exactamente quiénes eran, a parte, de que fueron sucumbidos por la publicidad del yihadista”, ha dicho su director quien se ha mostrado “muy contento” de estar aquí hoy presentando este proyecto que para todo el equipo ha sido “un camino duro y largo”.

El 17 de agosto de 2017, en Barcelona, una furgoneta recorrió a toda velocidad los 800 metros que separan la plaza Cataluña del mosaico de Joan Miró, atropellando a una multitud de personas. Unas horas después, tuvo lugar otro atentado en Cambrils (Tarragona). Ambos atentados acabaron con la vida de 16 personas y dejaron a 140 heridos.

“Sentíamos que había un relato pormenorizado por hacer con una cierta distancia, abordando los hechos en profundidad y como un fenómeno humano que afecta a una sociedad”, ha incidido Siminiani.

‘800 metros’ es fruto de una profunda investigación periodística de la mano de Anna Teixidor, Nacho Carretero y Jesús García, expertos en el suceso que llevan años analizando los hechos. Más de un año de trabajo conjunto, cerca de 200 horas de grabación, más de 80 entrevistas y numerosas fuentes bibliográficas, entre las cuales resulta clave el libro Teixidor ‘Los silencios del 17-A’, dan forma a una docuserie basada en pruebas y testimonios contrastados.
La periodista y escritora ha señalado que para poder llevar a cabo las investigaciones y averiguar realmente lo que les pasó a esos chicos han tenido que hacer no solo un riguroso trabajo de investigación, sino también de confianza, ya que el testimonio que más veracidad y fuerza tenía era el de las familias, amigos, profesores y gente conocida del entorno de estos jóvenes.

“No fue sencillo conseguir esto. Muchos, como es lógico rehúyen de los medios, sobre todo cuando ocurrió el hecho, que al ser Ripoll una localidad pequeña todo el mundo los conocía y les paraban para hacerles preguntas sobre ellos. Tuvimos que trabajar los canales de confianza, aunque no fuera con las cámaras para mostrar y entender también el drama que supuso y supone para estas familias, sobre todo con los que eran menores de edad”, confesaba Teixidor.

Para realizar el proyecto, el equipo ha entrevistado a un total de 80 personas, entre ellas víctimas, miembros de las fuerzas de seguridad, políticos o personas cercanas a los ocho terroristas, que fueron abatidos por la policía. Asimismo, se han mostrado potentes imágenes y vídeos que los propios jóvenes hicieron preparándose para matar como los de la creación de los explosivos o el canto mártir que interpretan antes de morir.

La elección de si entraban o no estas imágenes, “no fue sencilla, más bien, supuso un dilema”, dice la periodista. “Decidimos meter finalmente estas imágenes, a pesar de que sabemos que son duras, porque ayudaban a entender qué les lleva a asumir con ese grado de conciencia y alegría el hecho de asesinar a gente y a la par que ellos morían”, ha contado Carretero.

También reconocen que el montaje “no fue fácil”, ya que ordenar todo cronológicamente de una manera que fuera “seguible para el público” era “complicado”. “De hecho fueron más de nueve meses los que estuvimos trabajando en el montaje”, aclaraba el director.

Asimismo, el equipo del documental ha señalado que la serie no solo pone el foco en los terroristas, sino también en las víctimas, en los supervivientes, en qué pasa con esas personas que han sido víctimas de un ataque terrorista.

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El colectivo LGTBIQ+ de Torremolinos representado en la gran pantalla por el director Fran Campos

El colectivo LGTBIQ+ de Torremolinos representado en la gran pantalla por el director Fran Campos

El realizador malagueño presenta un avance de su nuevo proyecto en la sección 5 minutos de cine

Torremolinos se ha convertido en un referente como destino gayfriendly en el mundo. Y esto es gracias al movimiento que impulsa el propio municipio y la comunidad LGTBIQ+. Arcoíris en blanco y negro hará un recorrido por la historia de este colectivo en Torremolinos. El director malagueño Fran Campos será el encargo de dirigir este proyecto, con el apoyo del productor Kike Mesa. Esta tarde se ha podido ver un avance en la sección 5 minutos de cine del Festival de Málaga de este proyecto.

“Somos un colectivo fuerte, que necesita luchar día a día. Hay que alzar la voz” manifestaba el director en el coloquio dirigido por Luis Alegre. Además, ha ahondado en Torremolinos como destino, “es un lugar famoso y a la vez desconocido. Toda esa historia de los 60 hasta a la actualidad, todo eso es lo vamos a contar”.

A su vez, el productor Kike Mesa, daba más pistas del documental. “Habla de nosotros. De todes. Como dice la frase: si quieres ser universal, habla de tu aldea. Y eso vamos a hacer”. A esto, ha querido añadir, además, “será un viaje a una historia. La del colectivo LGTBIQ+, porque es importante contar de dónde venimos. Y Torremolinos se ha convertido en un referente internacional del colectivo”.

Como han incidido los responsables del proyecto, a través de este documental se pondrá voz a muchas historias de resiliencia y lucha, además se hará un viaje único por los viajes del colectivo. Y para este recorrido, la artista y actriz Desireé Vogue será conductora de todo este documental. “Mi implicación en el proyecto fue de inmediato. Tenemos que contar la historia del colectivo LGTBIQ+”, concluyo la actriz.

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‘Te deseamos tod@s’ propone una mirada singular de la generación Z en 5 minutos de cine

‘Te deseamos tod@s’ propone una mirada singular de la generación Z en 5 minutos de cine

El largometraje que dirigirá Enrique García y lo guioniza su hija Rebeca García, ha presentado un vídeo de cómo se gestó la idea del film

El Rectorado de la Universidad de Málaga ha vuelto a acoger una nueva sesión de 5 minutos de cine, la sección de este 25 Festival de Málaga en la que se presentan proyectos en fases de producción. En esta ocasión, ‘Te deseamos tod@s’ ha sido el nuevo proyecto que dirige Enrique García.

El acto ha sido moderado por Luis Alegre, quien ha alabado la propuesta por su “gran singularidad” antes de dar paso a los protagonistas de la sesión. “Quería huir de La mancha negra (su último largometraje) y lo realizado hasta ahora”, ha declarado el director, quien creía que “tenía un gran potencial una generación de 20 años que vive con sus padres y está en ese proceso a la independencia”. Una historia que, en cuanto se la enseñó a Dylan Moreno, productor del filme, “no dudó en sumarse”.

La trama gira en torno a los jóvenes actores Juan Acedo, Loren Mairena, Gaia Doblas, Ana Pro y Lucía De Suárez, quienes encarnan un grupo de amigos que comparten sus últimos días de verano, en los que a raíz de la organización de un cumpleaños sorpresa (de ahí el origen del título del filme), mostrarán más en profundidad su mundo, relaciones, familia, entre otros aspectos.

“Soy una persona que recurre a muchísimas cosas que, una vez que las juntas, explotan”, ha indicado la joven guionista, quien hace un año, cuando ella tenía 15, escribió el guion junto a su padre. Asimismo, también ha asegurado que le gusta añadir este toque de emoción a los relatos, los cuales a través de “esa curiosidad, la historia se cuenta sola”. Finalmente, la joven guionista, que gracias a la labor de su padre conoce bien la industria, ha resaltado que se trata de “una historia con la que uno se puede sentir identificado”.

“Empatizar” ha sido el propósito o mensaje que tienen los personajes, tal y como han asegurado los jóvenes artistas, quienes han manifestado que cada “personaje tiene una esencia única”.

Se trata, pues, del quinto largometraje de Enrique García tras ‘La mancha negra’ (2021), ‘Resort Paraíso’ (2017), ‘Maniac Tales’ (2017), ‘321 Días en Míchigan’ (2014). Esta vez, el perfil “no tiene nada que ver con otros modelos” de metrajes sobre adolescentes, ha incidido el director, que empezará a rodar en junio este proyecto.

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El aceite de oliva virgen extra protagonista absoluto de la cuarta jornada de Cinema Cocina

El aceite de oliva virgen extra protagonista absoluto de la cuarta jornada de Cinema Cocina

María José San Román. La esencia sostenible y El chef del AOVE se han proyectado junto a un coloquio posterior en el Teatro Echegaray

La sección Cinema Cocina llega al ecuador de su programación y centran su cuarta jornada en el aceite de oliva virgen extra español, con la proyección de María José San Román. La esencia sostenible y El chef del AOVE, respectivamente.

El primer documental está dirigido por Manuel Sánchez y Vicente Vera, y sigue durante 26 minutos la trayectoria en cocina de la chef y empresaria alicantina María José San Román. Galardonada con una estrella Michelin y dos soles Repsol, entre otros, en el cortometraje se observa su estilo de cocina, caracterizada por fusionar la innovación con la tradición mediterránea en sus platos. Así, apuesta por un tipo de gastronomía sostenible, comprometida con el medioambiente y una alimentación más equilibrada. En la que utiliza además y abandera el aceite de oliva virgen extra español. En palabras de la propia María José San Román, “hablar de aceite de oliva virgen extra y estar en Andalucía, es lo que más motiva”. Por su parte, los directores de la película, han señalado el origen del proyecto. “Este documental ha ido creciendo a medida que hemos ido descubriendo más a María José” apuntaba Vicente Vera. Mientras que, Manuel Sánchez añadía “hemos descubierto muchas cosas de ella que hemos querido mostrar en el documental, como la utilización de hierbas aromáticos como el azafrán”.

Con respecto al documental El chef del AOVE, sigue la cocina del malagueño Daniel García Peinado, y cómo a través de su trabajo ha convertido el aceite de oliva virgen extra en el oro de la gastronomía española. Sus platos se caracterizan por introducir este alimento en todas sus elaboraciones, para así crear platos de vanguardia culinaria. Para Daniel García Peinado, uno de los objetivos de la película era que “pudiéramos compartir las virtudes del AOEVE en la cocina” y eso se ha “conseguido”, contaba con ilusión en el coloquio posterior al documental, conducido por Álvaro Muñoz, director de Lumen Proyectos Gastronómicos. Para el director ucraniano Maksym Mykhaylov, ha sido “todo un honor estar en el Festival de Málaga”, y en este sentido, ha querido agradecer a España “como están ayudando su país”, en referencia al conflicto bélico entre Rusia y Ucrania.

Para finalizar, García Peinado ha querido alzar la figura de los pasteleros por la dificultad de elaborar ciertas recetas, “yo creo que para los cocineros la pastelería es una asignatura pendiente”.

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La directora de producción Sol Carnicero recoge el Premio Ricardo Franco-Academia de Cine en el Teatro Cervantes

La directora de producción Sol Carnicero recoge el Premio Ricardo Franco-Academia de Cine en el Teatro Cervantes

Este galardón, otorgado en colaboración con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, reconoce la labor tras las cámaras de diferentes profesionales del cine

El Festival de Málaga ha entregado hoy el Premio Ricardo Franco a la directora de producción Sol Carnicero, en una emotiva gala que ha tenido lugar en el Teatro Cervantes a las 21:45h. Este galardón, que el Festival entrega por decimocuarto año consecutivo, reconoce a los diferentes profesionales del cine y técnicos de prestigio que, con su trabajo detrás de las cámaras, dan forma a las películas más interesantes del cine español.

Tras un conmovedor vídeo en el que se han alternado palabras de agradecimiento de Sol por este premio, e imágenes de algunas de las películas en las que ha trabajado, la presentadora malagueña Noemí Ruiz ha salido al escenario del Cervantes. Ha querido destacar su Goya por la película ‘Cara de acelga’, dirigida por José Sacristán en 1987, además de afirmar que Sol fue la primera mujer en España en ejercer el oficio de directora de producción.

Para la entrega del premio, han subido al escenario cuatro amigos y compañeros de profesión de Sol: Luis Ferrón, Pedro Palacios, Pedro Moreno y María del Puy Alvarado. Todos ellos han coincidido en la gran profesional que es, pero, sobre todo, han querido destacar el valor humano que posee: “Sol es ese tipo de personas que pasan por tu vida y no te dejan indiferentes. Tiene una verdad absoluta en su manera de relacionarse con la vida y con el mundo, pero por encima de todo está el amor que respira por lo que hace y por las personas que nos cruzamos con ella”, ha asegurado su alumna y amiga María del Puy al hacerle entrega del premio.

“Quiero dar las gracias al Festival, a su director, a la ciudad de Málaga, a las autoridades, a la Academia y, sobre todo, a todos los que me acompañáis esta noche”, ha querido agradecer Sol al recibir el premio. Tras los agradecimientos ha recordado a Ricardo Franco, amigo y compañero de profesión: “Cuando me enteré que me iban a entregar el Premio Ricardo Franco, gran amigo y admirable persona, lo primero que sentí fue miedo porque no sabía si lo iba a poder llevar con dignidad. Sin embargo, al reflexionar sobre ello, ganar este premio como directora de producción es todo un orgullo, que consigue que se reconozcan este tipo de trabajos”.

“Viva el cine, viva el cine español y muchísimas gracias a todos por este momento tan maravilloso”, ha concluido la homenajeada.

Sol Carnicero inicia su carrera en Televisión Española de la mano de Óscar Banegas, Manuel Martín Ferrand, Alfredo Amestoy y Narciso Ibáñez Serrador. Tras ello, se dedica fundamentalmente al cine, convirtiéndose en la primera mujer directora de producción en España, con la película ‘Vámonos, Bárbara’, dirigida por Cecilia Bartolomé en el año 1978.

‘La escopeta nacional’, ‘Gary Cooper que estás en los cielos’ o ‘El crimen de Cuenca’ son sólo algunos de los míticos títulos del cine español en los que Sol Carnicero ha trabajado como directora de producción.

En los últimos años, junto a su actividad en la Academia como vocal de la especialidad de Dirección de Producción, está volcada en conseguir que se reconozca la necesidad de implantar en los planes de estudios de enseñanza primaria la alfabetización audiovisual.

En anteriores ediciones, el Festival ha premiado con el Premio Ricardo Franco a nombres tan reconocidos del cine español como la montadora Julia Juániz, la diseñadora de vestuario Tatiana Hernández o el guionista Rafael Cobos.

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Utama, la ópera prima de Alejandro Loayza premiada en el Festival de Sundance irrumpe en Sección Oficial con una reflexión sobre el cambio climático

Utama, la ópera prima de Alejandro Loayza premiada en el Festival de Sundance irrumpe en Sección Oficial con una reflexión sobre el cambio climático

Loayza ha destacado que el guión es fruto de la conversación con sus actores no profesionales porque considera el cine como un arte colaborativo

El director Alejandro Loayza ha presentado su ópera prima Utama, una coproducción boliviana, uruguaya y francesa que llega a Sección Oficial tras recibir el premio del jurado de la sección internacional en el Festival de Sundance para hacer reflexionar sobre el cambio climático y su impacto en la humanidad.

Loayza ha explicado que el punto de partida para escribir el guión han sido sus viajes a lo largo de Bolivia, una fuente de inspiración para construir la historia. De hecho, han sido claves para conocer las realidades en las que están inmersas todas las personas de un país tan diverso, quienes tienen que huir y abandonar su vida a causa del cambio climático.

El largometraje relata la historia de amor de una pareja de ancianos quechuas, que no necesitan más que tenerse uno al otro para sobrevivir pastoreando llamas en el altiplano boliviano. Sin embargo, cuando uno de ellos tiene que partir se enfrentan al mayor reto de sus vidas. Y es que la seguía provocada por el cambio climático desencadena en un problema de salud que les obliga a separarse. El guión integra muchos temas para hacer reflexionar, como el sentido de la vida, la globalización y sus consecuencias en el medio ambiente.

En rueda de prensa, Loayza se ha mostrado emocionado de poder estar en el Festival de Málaga para dar a conocer su trabajo al público español. Asegura que le supone una alegría inmensa. Ha resaltado que, a pesar de que los protagonistas no son actores profesionales, sí que son pareja en la vida real. Desde su punto de vista, este detalle contribuye a garantizar la naturalidad y dimensión emocional de la cinta.

También ha aclarado que el guión es fruto de muchas conversaciones porque considera al cine como un arte colaborativo. Por eso apuesta por compartir ideas y debatir con los actores cualquier cosa, para que aporten muchas capas de profundidad a la película. También ha puntualizado que su trabajo documental previo junto a su hermano y su padre, Santiago Loayza y Marcos Loayza -quienes también son productores de la película- ha sido determinante para la esencia del largometraje.

“Rodar en medio de la nada supuso un desafío para todo el equipo, pero contaron con la ayuda de la comunidad alpina incluso para construir la casa donde se recrea toda la película.
Su estreno tendrá lugar el 11 de mayo en Francia y esperan que próximamente también llegue a todos los cines españoles.

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Leonardo Sbaraglia y Eva Llorach vuelven a Málaga para presentar Almost in love, el nuevo largometraje de Leonardo Brzezicki

Leonardo Sbaraglia y Eva Llorach vuelven a Málaga para presentar Almost in love, el nuevo largometraje de Leonardo Brzezicki

Sbaraglia y Llorach han destacado que cuando leyeron el guión les pareció extraordinario y fascinante por la complejidad y profundidad de sus personajes

Los actores Leonardo Sbaraglia y Eva Llorach han vuelto al Festival de Málaga para presentar Almost in Love –Ámame- el nuevo largometraje de Leonardo Brzezicki,vuna coproducción argentina, brasileña, chilena y holandesa.

En rueda de prensa, Sbaraglia ha aclarado que “no es una historia autobiográfica de su director, pero le da la oportunidad de enfrentarse con su herida, transitarla y sanarla a través del arte, que en definitiva es lo que muchas veces nos salva”. Cuando leyó el guión
le pareció extraordinario, aunque ha reconocido que no tenía nada que ver con su vida. Lo que le pareció más interesante es el poder empático que despierta la película, haciéndonos sentir que todos somos Santiago, el personaje principal a quien interpreta.

Sbaraglia está acompañado en la cinta por los actores Miranda de la Serna, Eva Llorach, Iván González, Alberto Ajaka, Tuca Andrada, Rodrigo dos Santos y Beatriz Rajland. Llorach, que ha estado presente en la rueda de prensa de presentación junto a Sbaraglia, ha confesado que el guión le fascinó cuando descubrió a los personajes tan complejos, tan perdidos y vacíos. Es difícil y doloroso, pero realmente es uno de los retos que más nos puede apasionar a los actores, ha argumentado. Para ella también supuso un plus tener que cantar e incluso aprender a tocar el piano. Por esta razón ha concebido su papel interpretando a Eloisa como un regalo.

Santiago es un hombre roto emocionalmente, que se encuentra completamente a la deriva en su vida personal. Junto a Laila, su hija adolescente, vivirá un verano caótico entre Argentina y en Brasil, pero termina siendo un punto de inflexión en la relación y vidas de ambos. Es la historia de la emancipación de una hija de su padre, y al mismo tiempo la de un hombre que, desesperadamente, solo busca amar y ser amado.

Sbaraglia ganó el Goya al mejor actor por Intacto, además de ganar la Biznaga al mejor actor por El otro hermano y el premio Málaga Sur. Por esta razón, se ha mostrado orgulloso y contento porque el Festival siempre ha significado mucho para él.

Se estrena la primera semana de abril en los cines españoles.

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