Comentarios desactivados en Matías Bize presenta ‘Mensajes privados’, su experimento cinematográfico gestado en la pandemia que relata las historias reales de sus amigos
Bize le pidió a sus amigos que se grabaran incluso con el teléfono móvil y ha desembocado en una confluencia de historias íntimas sobre el amor, la vida, la muerte y de cómo el miedo nos hace reconvertirnos
El director chileno Matías Bize ha presentado Mensajes privados, su nuevo largometraje que ha calificado como un experimento cinematográfico, gestado en pleno confinamiento durante la pandemia provocada por la COVID-19 e inspirada en las propias historias que varios de sus amigos actores le contaban por teléfono. “Todas son historias reales, historias de monstruos reales y auténticas, aunque se trate de una ficción”, ha asegurado.
La producción chilena compite en Sección Oficial junto a otros 18 largometrajes. Bize ha explicado que se trata de una aventura muy íntima de monstruos que nos conectan con el interior del ser humano. “La muerte nos estaba asediando muy de cerca todos los días, había que focalizarse en lo esencial. Y esta situación impactaba en nuestras relaciones con familiares, pareja y con nosotros mismos”, ha explicado Bize para exteriorizar el sentimiento que le incitó a emprender este proyecto. Para abordarlo pidió a sus amigos que se grabaran en sus hogares con el mismo teléfono móvil.
Estos relatos íntimos son los que ha llevado a la gran pantalla. Ha intentado plasmar cómo somos como madres, como padres o como hijos. Son historias de dolor, de esperanza, de amor, o del miedo a enfrentarnos por primera vez a lo desconocido y lo terrible. Todos contados en un tono inquietante, pero plagados de humanidad, ha manifestado Bize.
Lo que Bize tenía claro era que no quería hablar de la pandemia como tal, sino que todos se mirasen hacia adentro y nos dijésemos lo que realmente queríamos hablar, sobre lo que nos estaba pasando en nuestro mundo interior.
Al director le parece interesante cómo una crisis nos puede hacer reflexionar y empujarnos a dejar constancia de quiénes somos, por si desgraciadamente dejásemos de existir. Estos propios apuntes conforman una película de la que no tenía claro cómo iba a terminar. Ha añadido que le supuso un juego que le llenó de vida.
Algunos de los relatos más impactantes es el de Verónica Intile, una actriz argentina que rodó su parto en una bañera y se lo remitió tal cual a Bize, que lo consideró como una metáfora de la vida haciéndose paso, de ese rayo de luz de eperanza. Por su parte, Vicenta Ndongo, otra de las actrices que integran el reparto, ha relatado en rueda de prensa que improvisó su propia historia personal, sentada en la cocina, donde reflexiona sobre el rol de la mujer en la familia.
Por otro lado, el actor Nicolás Poblete ha insistido en que fue él quien le pidió a Bize que quería contar su historia porque ya no podía contener eso más en su cuerpo. Necesitaba desahogarse y ha confesado que le ayudó contar esa historia. Al respecto ha definido al cine y a la cultura como herramientas de canalización muy necesarias para exteriorizar el dolor. Considera que esta obra le ha salvado la vida, ha culminado.
Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Blanca Lewin, Alex Brendemühl y Verónica Intile terminan de completar el reparto.
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La presentación, moderada por Luis Alegre, ha contado con la presencia de Enrique Urbizu y Carlos Gómez, sus dos escritores
El Festival de Málaga, en su 25ª edición, ha contado con una sesión didáctica a través de la presentación de ‘La caja de madera. Estudios sobre puesta en escena cinematográfica’, un libro que explora las bases del lenguaje audiovisual del cine, cuyos autores son el cineasta Enrique Urbizu y el docente Carlos Gómez. Una obra editada por la entidad de gestión especializada en contenidos audiovisuales DAMA, la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM), con la colaboración de la revista Caimán-Cuadernos de Cine.
El Rectorado de la Universidad de Málaga ha acogido esta tarde un coloquio de ambos escritores que ha sido presentado por el también cineasta y escritor Luis Alegre, quien ha puesto en alza la calidad de un libro que ha calificado como “valioso” y “un lujo”. Asimismo, antes de dar paso a los protagonistas de la obra, ha querido aprovechar para lanzar un dardo al sistema educativo por la poca formación existente en contenido de cine, precisamente lo que aborda el libro.
‘La caja de madera’, pues, invoca al primer instrumento que hizo posible juntar imágenes en movimiento, una alegoría al contenido que trata en sus páginas, las cuales ofrecen un recorrido por la historia del lenguaje cinematográfico tomando como referencia a grandes maestros como Fritz Lang, Jean Renoir, Stanley Kubrick o Paul Thomas Anderson, entre otros.
“Al igual que se hacen con las letras, tenemos que enseñar a leer los relatos audiovisuales”, ha iniciado su discurso Alberto Gómez respondiendo a la pregunta del porqué se gestó el libro. Ha destacado también las diferentes perspectivas y puntos de vista que hay a la hora de hacer y ver cine algo que provoca un “déficit” en la lectura del espectador, puesto que se trata de “uno de los medios que más sufre la división contenido y forma”.
Por tanto, tal y como ha explicado el docente de Lenguaje Cinematográfico en la ECAM, la obra se ha realizado con un “afán didáctico y para todos los públicos”, con el propósito de pensar en las “herramientas básicas del lenguaje cinematográfico”, por lo que la obra recorre sus elementos más básicos, desde el montaje, hasta las construcciones de espacio y tiempo.
Enrique Urbizu, por su parte, ha desgranado la segunda parte del libro, la cual se centra más en el oficio, y querido remarcar que la obra “no se trata de un manual, pero sí de un libro sugerente”. También, ha destacado la dificultad que supone el proceso de producción, el cual describe como “una amalgama de decisiones en la que debe haber un alma invisible que gobierne todo hacia una misma dirección”. Un proceso que, a expensas del resultado final, si termina con la “unidad, de trabajo en equipo, colectivo y compacto”, puede llegar a alcanzar el “estado ideal” que se persigue.
El cineasta, además, siguiendo el discurso de su compañero ha sido también crítico, con la ironía que le caracteriza, con no solo la poca preparación y herramientas en el mundo audiovisual, sino la poca capacidad lectora en el campo de las letras. “Sin saber palabras te va a costar leer, interpretar y, por tanto, elaborar, ha sentenciado el también profesor en la ECAM.
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Unos sentimientos guardados, una ópera en contra de la guerra y el querer buscar una verdad protagonizan la jornada de documentales
En su nuevo documental, ‘McCurry: The Pursuit of Color’ (‘McCurry: La búsqueda del color’), el galardonado cineasta francés, Denis Delestrac, saca a relucir los nuevos aspectos de la biografía del afamado fotógrafo, Steve McCurry. Un relato entrelazando con imágenes de archivo, fotografías, secuencias de observación y algunos extractos de entrevistas con el propio McCurry y sus familiares, amigos y colegas que explican a las historias que hay detrás de sus fotografías más emblemáticas.
Observándolo mientras trabaja en lugares como la India o Papúa Nueva Guinea, en su estudio de Nueva York o en su casa con su mujer y su bebé en Arizona, el espectador ha podido descubrir al hombre que hay detrás de esas imágenes. Aunque Delestrac tuvo la oportunidad de filmar un breve documental con el legendario fotógrafo en 2001 y los dos se conocían desde entonces, ganarse la confianza de McCurry ha sido un proceso largo.
“Nos conocimos en la India, en el año 2000 cuando realicé mi primer corto documental, y desde entonces hemos mantenido esa amistad. Después de 15 y que nuestros caminos se cruzaban constantemente comentamos la idea de hacer un proyecto más grande, él estuvo de acuerdo, así que durante cinco años hemos viajado con él a diferentes países para retratar cómo trabajaba”, ha explicado el director.
En una trayectoria de cuatro décadas, el fotógrafo McCurry se ha enfrentado a dificultades y se ha puesto en riesgo para crear algunas de las imágenes más perdurables de la historia. Por primera vez, un largometraje va a hacer un retrato íntimo sobre el artista en el que se revela su recorrido vital y el anhelo de conexión humana que permanece en el núcleo de su arte.
“Las fotos de McCurry están cargadas de emoción, no tiene un guion a la hora de prepararlas, él echa a andar y cuando siente una energía especial a su alrededor se para y empieza a crear la magia. A través de sus fotos cuenta diversas historias, son fotos únicas que marcan la diferencia respecto a cualquiera”, añadió Delestrac.
En cuanto a la sección oficial, en la jornada de este martes se ha presentado en el Teatro Echegaray los cortometrajes ‘Y sin embargo ellas estaban ahí’ (‘Et pourtant elles étaient là), ‘Caballo de espuma’ y lo largometrajes ‘Delia’ y ‘Memória Sufocada’.
‘Y sin embargo ellas estaban ahí’ es un trabajo de una dirección conjunta de Carolina Astudillo, José Nicolás, Lucien Petitjean y Marta Álvarez, que aborda una exploración de tres generaciones de mujeres, una abuela, una madre y una hija.
Astudillo confiesa que el proyecto nació aquí en Málaga cuando fue a ver una exposición sobre los grupos Medvedkine (grupo integrado por los cineastas Godard, Chris Marker o Mario Marret con el fin de rodar las huelgas de la revolución de 1968 en Francia): “Se lo comenté a Marta (Álvarez, productora), que podíamos hacer algo para sacar a la luz la memoria de las mujeres de esa época, y así es como, tras tiempo largo de investigación, se formó este corto”, aclaraba.
Seguido, se ha presentado el debut cinematográfico de la cineasta uruguaya Victoria Pena, ‘Delia’, un proyecto construido principalmente por un equipo de mujeres, que relata la historia de Delia una mujer que escribe poemas desde que su esposo, Jorge, cayó preso en la dictadura.
Pena, explica que estos textos fueron el refugio de Delia durante mucho tiempo, un lugar donde ella podía expresar lo que no compartió nunca, lo que tuvo que dejar de lado para sostener a su familia. Al acabar la dictadura, y llegar la libertad Delia continuó escribiendo. La cinta nace después de que esta mujer le entregara dichos poemas a la directora, quien decidió hacer un documental para compartir los textos con su familia.
A las 22.00h de la noche y cerrando el ciclo de documentales de la jornada, el malagueño Juanjo Rueda ha presentado su tercer proyecto, el cortometraje ‘Caballo de espuma’, un relato autobiográfico que “pretende ser una reflexión sobre la memoria”.
La proyección que ha cerrado la sección oficial ha sido el segundo largometraje del director brasileño Gabriele Di Giacomo, ‘Memoria soufocada’, en el que intenta averiguar por qué el coronel Carlos Ustra, que fue el único militar condenado como torturador durante la dictadura brasileña (1964-1985), es hoy ensalzado como un héroe por el presidente del país Jair Bolsonaro.
“Nuestro país está viviendo momentos tristes desde que tenemos un presidente fascista que ensalza la memoria de torturadores, por lo que está película es una denuncia a todo lo que está sucediendo. Todavía tenemos un largo camino para que Brasil llegue a ser una democracia, y esperamos que esta cinta sea un rayito de luz para conducir a ese camino”, ha dicho el director.
Previo a estos encuentros, en el Auditorio del Museo Picasso, se han llevado a cabo dos proyecciones de la Sección Especial de Documental, ‘D´Ombres’ (‘De sombras’) donde el realizador Joan Tisminetzky, hace un retrato del admirado director de fotografía Tomás Pladevall.
El director catalán hace un recorrido tanto de la parte profesional del artista, sumergido en su propio juego de sombras, reflejos e intermitencias infinitas como de la persona paciente, juguetona y generosa que afronta momentos de salud complicados. “Al principio se resistió a ver el documental, pero tras insistir no solo nos dio su aprobación, sino que también manifestó su entusiasmo”, ha confesado el director.
El germen de este documental se basa en unos audios que Tisminetzky tenía guardados sobre las clases del artista, así que, “un buen día” decidieron plantarse en su casa para llevar a cabo su objetivo, hacer una película sobre él. “Empezamos a grabar en 2019, pero con el Covid tuvimos que parar, cosa que nos vino bien para repensar por dónde queríamos tirar la historia. Nos costó mucho, porque había mucho material grabado, y no queríamos mostrar únicamente su pasado, sino también su presente”, aclaraba.
Asimismo, se ha proyectado posteriormente el documental ‘El Káiser de la Atlántida’ del director Sebastián Alfie, un filme que denuncia la figura de los tiranos que juegan a la guerra.
“A pesar de que la producción de la película la empezamos hace siete años, el tema de la misma es muy contemporáneo desgraciadamente, y tristemente seguirá acompañándonos mucho tiempo –apuntaba el protagonista de la cinta Kerry Woodward-. La película acaba con una nota te esperanza, en tiempos de guerra tenemos que mantenerla, porque esto acabará pasando”, agregaba.
El por qué no se conoce la historia del compositor Viktor Ullmann, el cómo hizo para crear una canción de este calibre en un campo de concentración nazi o qué dice la ópera sobre lo que ocurre hoy en Europa, son solo algunas de las cuestiones que le llevaron a Alfie a desarrollar este documental. De esta manera, se puso en contacto con Woodward, poseedor del manuscrito original de la ópera y responsable del estreno mundial de la misma en un pequeño teatro de Ámsterdam en 1975 para llevar a cabo este proyecto.
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La película está protagonizada por los actores Pere Ponce y Vito Sanz
La quinta jornada del Festival de Málaga llega a la sección Zonazine con ‘Una película póstuma’, del director Sigfrid Monleón y protagonizada por Pere Ponce, Vito Sanz, Francesco Carril, Ana Risueño, Camilo Rodríguez, Alexandra Restrepo y Paula Usero.
‘Una película póstuma’ cuenta la historia de un hombre de ciudad que recibe la llamada de una mujer a la que amó. Tras este primer contacto, decide emprender un viaje clandestino para reencontrarse con ella en una comunidad proscrita asentada en la cumbre de una montaña.
Tras la proyección de la película en la sala 3 del cine Albéniz, ha tenido lugar la rueda de prensa, a la que han acudido el director Sigfrid Monleón, los actores Pere Ponce y Vito Sanz, y el productor Antonio Hens.
Es una obra cargada de metáforas, onírica y poética, y así nos lo cuenta su director en la rueda de prensa: “Son sólo catorce planos secuencia, me gusta decir que es como un poema con pocos versos. Eso sí, versos muy largos, casi versículos”. Además, Monleón destaca que era una historia que tenía dentro y llevaba mucho tiempo queriendo sacarla. “Ha sido terapéutico”, afirma.
El rodaje tuvo lugar en medio del bosque en plena pandemia y, aunque esto dificultó la realización de la película, el hecho de que fuera una producción pequeña y “entre amigos”, consiguió que llegara a buen término. “Esta película es un acto de amor. Es pequeña, pero con una gran semilla en su interior. Un viaje mágico y poético, en el que el personaje se dirige a una parte muy oscura de su vida”, nos cuenta Pere Ponce, protagonista de la película.
A la hora de construir los personajes, Vito Sanz, otro de los actores de la película, asegura que hubo muchos ensayos y que su experiencia se acerca más a lo que experimenta un actor en el teatro: “La historia funciona como un gran río que va fluyendo, y por el que van apareciendo los personajes. Ha sido un salto al vacío”.
En cuanto a las referencias, la película se basa en el ‘Libro de la pobreza y de la muerte’, de Rainer Maria Rike, en el que el autor reflexiona sobre la “muerte propia” que todo el mundo lleva en su interior como una semilla que ha de madurar. Sin embargo, Sigfrid Monleón, suma otras referencias: ‘La Odisea’, de Homero e incluso los tercetos de Dante en ‘La divina comedia’. Pero, sobre todo, ‘Condición póstuma’, de la filósofa Marina Garcés. “Antonio (productor) incluso propuso cambiar el título de la película”, confiesa el director.
Sigfrid Monleón es diplomado en Dirección de Cine y Televisión por el Centro Sperimentale de Cinematografía de Roma. Ha dirigido los largometrajes ‘La isla del holandés’ (2001), ‘La bicicleta’ (2006) y ‘El cónsul de Sodoma’ (2010), además de la película para televisión ‘Síndrome laboral’ (2004) y el largometraje colectivo ‘Hay motivo’ (2004). En el terreno documental ha dirigido ‘Karlitos’ (2004), ‘El último truco’ (2009), ‘Ciudadano Negrín’ (2011), ‘Cántico’ (2016) y ‘El pintor de calaveras’ (2018). También ha dirigido diversas obras de teatro y es profesor de cine en la ECAM y en EFTI.
‘Una película póstuma’ no es la única obra que Sigfrid Monleón ha presentado en el 25 Festival de Málaga. También se ha proyectado el documental ‘Mario Camus según el cine’ (2022), un largometraje sobre el mítico cineasta cántabro, que ha dirigido obras esenciales del cine español como ‘La colmena’ o ‘Los santos inocentes’.
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El director aragonés presenta el cortometraje ‘Goya 3 de mayo’, un proyecto donde reescribe el cuadro de Francisco de Goya ‘Los fusilamientos del 3 de mayo’
Durante la gala de esta tarde en el Teatro Cervantes, Carlos Saura ha recogido la Biznaga de Honor que le otorga el Festival de Cine de Málaga en esta vigésimo quinta edición. La ha recibido de mano de Carla Simón, directora de Verano1993 y Alcarràs, quién se ha dirigido al homenajeado expresando: “hemos querido darte este premio para demostrarte que tu legado es y será infinito”. Ha completado su introducción con una colección de testimonios de diversos cineastas españoles, como Carlos Vermut, Carlos Marqués-Marcet, Clara Roquet o Pilar Palomero. “Querido Saura, el cine español no sería el mismo sin tus películas. Y como demuestran las reflexiones de mis compañeros, nuestras películas tampoco serían las mismas sin tu cine”, ha concluido.
Entre aplausos, Saura ha recogido su Biznaga, no sin antes tomar una fotografía del público con su cámara. Durante su discurso, el prolífico director ha mostrado su agradecimiento al festival y a los asistentes “por soportarme a mí, y a Carla, que es una exagerada. Yo no me veo tanto”, añadiendo una reflexión sobre el valor de la imaginación en el cine. El oscense es conocido por clásicos del cine español como La Caza (1966), Peppermint Frappé (1967), Cría cuervos (1976) o ¡Ay, Carmela! (1990), que recibió trece premios Goya. Saura ha obtenido abundante prestigio internacional y distinciones, desde el Oso de Oro en la Berlinale hasta sus tres nominaciones al Oscar por Mejor Película Internacional por Mamá cumple 100 años (1980), Carmen (1983) y Tango (1998).
Tras la gala se ha proyectado uno de sus proyectos más recientes: el cortometraje Goya 3 de mayo. Rodada en Teruel con el apoyo del Gobierno de Aragón y Aragón TV, esta innovadora obra audiovisual se inspira en el emblemático cuadro ‘Los fusilamientos del 3 de mayo’. Los fusilamientos’ de Francisco de Goya, rindiendo homenaje al pintor aragonés en la conmemoración del 275 aniversario de su nacimiento. Tomando como punto de partida los grabados de la serie ‘Los desastres de la guerra’, Saura reconstruye en este alegato en contra de la guerra los instantes previos al fusilamiento de los españoles que se levantaron contra la invasión napoleónica.
El corto ha precedido a Cinco lobitos, película de la Sección Oficial y ópera prima de la directora vasca Alauda Ruiz de Azúa. Protagonizada por Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea y Mikel Bustamante, la cinta narra la experiencia de Amaia, una madre primeriza que se da cuenta de que no sabe muy bien cómo serlo. La cinta tiene su origen en La Incubadora de la ECAM y formó parte de la sección Panorama de la pasada edición de la Berlinale.
Comentarios desactivados en Camera Café llega a la gran pantalla diez años después de su serie para satisfacer el deseo de sus fans por conocer más la vida de sus personajes
Ernesto Sevilla dirige este largometraje que supone su debut en el cine
Camera Café llega a la gran pantalla diez años después de su serie para satisfacer el deseo de sus fans por conocer algo más de la vida de sus personajes. Se trata de la ópera prima de Ernesto Sevilla que recupera a los mismos actores con nuevas incorporaciones para contar historias que se sobreentendían o se daban por hecho, pero que no podían desarrollar en un formato televisivo de micro capítulos.
Para Sevilla lo más complejo ha sido definir qué tipo de película querían hacer. Tenían claro que debían conservar el humor, la acidez y el costumbrismo. También tenía que ser surrealista para ser fieles a la serie original, pero a la vez debían introducir algo nuevo. Por esta razón se ha impregnado de la misma esencia, pero mezclando drama, comedia y hasta terror, según ha comentado en la rueda de prensa de presentación de la Sección Oficial No Competitiva.
Los actores Arturo Valls, Ana Milán, Álex O´Doherty, Joaquín Reyes, Ingrid García–Jonsson, Carlos Chamarro, Carolina Cerezuela, Marta Belenguer, Ibai Llanos y Esperanza Pedreño forman parte del reparto. Miguel Esteban junto a Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes firman el guión que centra la acción en la vida de Quesada, un empleado fracasado que admira a Albert Rivera y es padre de dos niños que en un abrir y cerrar de ojos ya son adultos. Su forma de relacionarse
En este largometraje también vuelve la mítica oficina y su máquina de café como escenario donde se desenvuelven sus diálogos e historias, pero va a experimentar cambios con los que esperan sorprender a los espectadores. Sus empleados tendrán que enfrentarse a una crisis considerable que tendrá consecuencias inesperadas y hasta surrealistas.
Por su parte, Ana Milán que se ha definido como la malvada de España ha revelado que cuando estrenen el largometraje en las plataformas digitales va a irse directa a reproducir una escena en la que se enfrenta contra una compañera en la empresa.
Todo el equipo se ha mostrado enormemente satisfecho por la reacción del público durante su proyección en el Teatro Cervantes, entre carcajadas y aplausos. “Y esto no ha hecho más que empezar”, han concluido.
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Cormenzana ha confesado que se ha inspirado en una experiencia personal, cuando sufrió un episodio traumático y descubrió el mundo de la montaña para reconectar consigo mismo
El director Ibón Cormenzana ha presentado su nuevo largometraje La cima, protagonizado por Javier Rey y Patricia López Arnaiz, una historia sobre la superación personal y sobre los valores que tiene el mundo del alpinismo, muy aplicables al día a día de la vida cotidiana de las personas, ha concretado en su rueda de prensa de presentación.
El guión lo escribe Nerea Castro, pero la idea nace de él, de sus propias vivencias personales, ha aclarado Cormenzana, quien tras sufrir un episodio traumático en su vida personal, conoció el mundo de la montaña gracias a alguien cercano. Fue entonces cuando descubrió un universo de valores que quería aplicar en su día a día, pero también llevarlo a la gran pantalla. Ha reconocido que él ha sentido en ocasiones ese desasosiego que viven sus propios protagonistas. Y por eso ha ensalzado el poder de la montaña para reconectarle consigo mismo.
De otro lado, Cormenzana ha resumido la esencia de sus personajes en una sola frase. Se acercan a la muerte, pero para vivir más la vida. En esta línea, el guión también refleja el compañerismo de los alpinistas, basado en dar más por el otro que por uno mismo. Algo así como matar al ego que todos llevamos dentro, ha concretado. Esa ilusión por cumplir nuevos retos es para él lo que incita a las personas a estar más vivas y sentirse como niños. El esfuerzo del día a día que nos dispara la autoestima y la sencillez de vivir de una forma simple, ha aseverado.
Su coprotagonista, la actriz Patricia López Arnaiz se ha inspirado en la autobiografía de su personaje –Edurne Pasaban- y en cómo ella ha afrontado su depresión. Le ha parecido muy interesante dar a conocer la otra cara del éxito, que tan pocas veces es relatada. Su labor de documentación ha sido clave para interpretar lo que le ocurría a su personaje cuando bajaba de la montaña, que no encontraba su sitio. Tenía que regresar a la montaña para encontrar su identidad, para encontrarse a sí misma. La cotidianeidad le reportaba un enorme vacío.
Por su parte, Javier Rey ha explicado que su personaje está abordado desde un punto de vista más positivo, caracterizado por la búsqueda incesante de seguir adelante y de nuevas soluciones continuamente. Esa montaña física es una metáfora que simboliza la dificultad por intentar superar toda esa locura que le atormenta. Pero su personaje insiste en ver la luz, aunque dentro de mí haya algo que le preocupe y le devaste.
Rey ha añadido que cuando te sumerges en ese mundo comprendes que implica una inmensidad tan inabarcable que está seguro de que nunca podrán hacerse una idea de la sensación al alcanzar una cima en la vida real. Se trata de una adrenalina indescriptible, ha asegurado.
La película se rodó en los Pirineos franceses para recrear el Annapurna, en El Himalaya, donde tenían previsto rodar, pero tuvieron que descartar la idea original tras cancelar el viaje por la pandemia.
Javier Rey, que interpreta a Mateo, se enfrenta a la montaña más peligrosa del planeta, el Annapurna, con el objetivo de llegar hasta la cima y cumplir así una antigua promesa. En su ascenso sufre un accidente que le deja inconsciente y gravemente herido. Horas más tarde es rescatado por Ione, interpretada por Patricia López Arnaiz, una alpinista experimentada que está pasando el invierno en un refugio, sola y alejada del mundo. A pesar de no entender las razones que han llevado a Mateo hasta allí, Ione una alpinista experimentada que está pasando el invierno en un refugio, sola y alejada del mundo. A pesar de no entender las razones que han llevado a Mateo hasta allí, Ione intentará ayudarle a alcanzar su meta.
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Comentarios desactivados en Beatriz Sanchís presenta The Gigantes, una road movie que recrea una travesía fronteriza con una historia de mujeres reales conectadas por el dolor
Sanchís vuelve al Festival tras ganar cinco Biznagas de plata con su ópera prima Todos están muertos
La directora Beatriz Sanchís ha vuelto al Festival de Málaga para presentar su segundo largometraje, The Gigantes. Tras ganar cinco biznagas con su ópera prima Todos están muertos en 2014, se ha mostrado especialmente orgullosa de competir una vez más en Sección Oficial con esta producción mexicana.
Se trata de una road movie –con aires de western femenino – que recrea una travesía por el desierto de dos mujeres muy diferentes, pero conectadas a través de sus heridas, ha descrito la directora. La historia se desarrolla entre la frontera de México con Baja California y aquí radica parte del sello personal de Sanchís, quien ha reconocido que le encantan las fronteras porque son lugares que tienen una esencia mágica y muy particular, por su mezcla de culturas, ambientes y realidades. También le gusta la mezcla de géneros, por lo que ha expresado que le encanta combinar el drama con la comedia.
Sanchís ha explicado que eligió a sus actrices protagonistas porque tenían una conexión real con sus personajes a nivel personal. Su elección fue Andrea Sutton y Ana Layevska, dos actrices no profesionales. Ambas eran mujeres heridas, diferentes pero unidas por el dolor. Y se ha apoyado en ellas y en el resto del reparto para reflejar a mujeres de verdad. Al respecto ha destacado como inspiradora la frase de la actriz y productora Jesica Chastain en el Festival de Cannes, quien aseguraba que no veía a las mujeres que ella conocía en la gran pantalla. Para Sanchís, esta afirmación le ha supuesto un reto porque es exactamente lo que ella se propone con su trabajo. Quiere contar historias de mujeres reales, en las que cualquier mujer pueda verse a través de ellas.
Bajo esta misma premisa también ha intentado mostrar un amplio abanico de muchos tipos de feminidad, como ocurre en la vida misma, sin caer en estereotipos. Además, ha insistido en que no ha querido forzar giros en la personalidad de sus personajes, sino que se ha volcado en que cada uno sea quién es desde el inicio hasta el final del guión.
Por otra parte, Sanchís ha destacado la fuerza de sus localizaciones entre EE.UU. y México, en el que considera uno de los paisajes más bellos del mundo. Por esta razón se ha decantado por rodar en exteriores, en localizaciones reales e impregnadas de mucha luz natural. Ha querido recrear un lugar que fuese una metáfora mágica, donde todo es posible, donde los sueños de sus protagonistas se puedan cumplir mientras huyen de sus realidades en busca de algo mejor.
Asfixiada por las deudas, JJ, una joven White trash estadounidense escapa de Los Ángeles a Baja California, en busca de que un viejo amante la salve de su existencia. La acompaña Esmeralda, una adolescente mexicana de 14 años que se escapa de casa y le ofrece una tentadora suma de dinero si acepta llevarla a ver a su padre. En el camino, surgirá una relación especial entre las dos.
Por último, Sanchís ha resaltado el papel de la banda sonora, ya que ha aclarado que tiene un peso muy importante en el desarrollo de la trama, con temas cantados y compuestos originalmente para su trabajo.
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Comentarios desactivados en Alauda Ruíz de Azua presenta su ópera prima Cinco Lobitos, un retrato a la maternidad desde su propia perspectiva personal que huye de clichés
Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea y Mikel Bustamante protagonizan este drama familiar que aborda temas cotidianos e invita a reflexionar
La tercera jornada del Festival ha acogido la presentación de Cinco Lobitos, la ópera prima de Alauda Ruiz de Azúa. Se trata de un drama familiar que retrata la maternidad desde su propia perspectiva personal, huyendo de clichés para que los espectadores empaticen con sus personajes sin juzgarlos.
Ruiz de Azúa ha argumentado que para construir este retrato se ha nutrido de un universo muy íntimo y familiar. Concretamente la historia arranca con su primer año de maternidad, justo cuando empieza a ser consciente de que emprendía una etapa completamente diferente hasta el momento. La cinta cuenta con cuatro protagonistas, los actores Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea y Mikel Bustamante.
La directora ha confesado que para ella la maternidad es una experiencia muy compleja, con muchas capas que provocan cambios en las relaciones familiares y en los roles de cada uno. Ruiz también ha reconocido su obsesión por evitar los clichés. Tenía claro que no quería una película de buenos y de malos, sino de personajes que fuesen comprendidos por los espectadores, teniendo en cuenta la situación personal y el contexto de cada uno. “A todos nos ocurre que queremos hacer las cosas bien, aunque en ocasiones tomemos decisiones erróneas”. Y eso justamente es lo que ha querido plasmar para buscar la conexión con el público, ha manifestado.
Ruíz de Azúa también se ha centrado en otro tema cotidiano como la muerte. Y ha querido tratarlo del modo más realista posible, sin querer caer en retratos épicos, sino más bien en mostrarla normalizada, como una parte más de la realidad, “aunque nos cueste hablar de ella porque nos provoque miedo”, ha puntualizado.
Por su parte, la actriz Susi Sánchez ha explicado que se ha apoyado en la improvisación para desarrollar su personaje, para el que se ha inspirado en su propia madre, a quien ve totalmente reflejada en cada escena. Tanto ella como Ramón Barea han coincidido en destacar la reflexión profunda sobre las relaciones personales a la que invita este largometraje.
Sobre sus referencias, Ruiz de Azúa ha aclarado que podría estar influenciada por el cine japonés, especialmente a la hora de representar el afecto entre los familiares y sus relaciones.
Por otro lado, Laia Costa considera que a los personajes se les puede amar y odiar a partes iguales y que huyen de la perfección porque se trata de seres imperfectos. De ahí que se haya mostrado segura del poder empático de esta historia.
Laia Costa interpreta a Amaia, quien acaba de ser madre. A partir de este momento descubre que desconoce cómo afrontar la maternidad. Por esta razón decide volver a casa de sus padres en un pueblo del País Vasco, mientras su pareja viaja por trabajo durante unos días. y se da cuenta de que no sabe muy bien cómo serlo. Sin embargo, más allá de su intención de compartir responsabilidad en los padres, tendrá que lidiar con su complejo rol de hija.
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El cine español, representado por la Academia de Cine, es homenajeado en esta edición del certamen
El Festival de Málaga, en colaboración con Diario Sur, entrega en esta vigésimo quinta edición el Premio Málaga -Sur al Cine Español en su conjunto, como reconocimiento a su labor, especialmente, durante estos dos últimos años de pandemia en los que la cultura audivisual ha sido en muchas ocasiones el sustento anímico de la sociedad. El premio será recibido por Mariano Barroso, en representación de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, casa de todos los profesionales del audiovisual.
El monolito Premio Málaga – Sur ha sido descubierto a todos los malagueños en el paseo marítimo Antonio Banderas. El evento ha contado con la presencia de Francisco de la Torre, alcalde; Noelia Losada, concejala de Cultura; Manuel Castillo, director de SUR; Mariano Barroso, presidente de la Academia del Cine, y Juan Antonio Vigar, director del Festival.
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‘Los chivos no comen corozo’ investiga la descendencia de la gastronomía afro en Colombia y ‘El club de los cantineros’ pone en valor la figura de los cantineros.
La segunda jornada de Cinema Cocina ha contado con la presentación de dos proyectos documentales que establecen un vínculo con la recuperación de saberes a través de una mirada hacia el pasado. El cortometraje ‘Los chivos no comen corozo’ investiga los ingredientes y las recetas de la cocina de descendencia afro en la Sierra de Santa Marta, al norte de Colombia. Por su parte, el largometraje ‘El club de los cantineros’ realiza un viaje de ida y vuelta entre América y España que descubre la historia de la coctelería a través de la figura de reconocidos cantineros.
La cinta colombiana ‘Los chivos no comen corozo’, dirigida por Nicolás Cuervo, ha sido la encargada de abrir la sesión del domingo en una sala del Teatro Echegaray con el patio de butacas lleno. “Esta película es un trabajo de antropología gastronómica que promueve la cocina afro entre los niños para que consuman y aprendan a cocinar el recetario tradicional”, ha apuntado Cuervo.
“Es un cortometraje donde todos nos hemos alineado para sacar adelante el proyecto. Las comunidades nos dieron la mano desde el primer momento”, ha señalado el realizador. Igualmente, se ha mostrado agradecido por la posibilidad que le ha ofrecido el proyecto de convivir y sumergirse en la región de La Guajira y descubrir a “personajes maravillosos” que les han brindado sus historias.
La segunda proyección de la jornada ha llegado de manos del realizador malagueño Jorge Peña quien se ha mostrado muy orgulloso y agradecido de poder ver ‘El club de los cantineros’ en la gran pantalla. “Empezamos el proyecto en 2017 y hasta este año no hemos podido concluirlo. Sufrimos el parón de la pandemia que nos ha retrasado el proceso”, ha apuntado Peña durante la presentación.
La cinta traza un vínculo entre el pasado y el presente de la coctelería con un viaje que reúne entrevistas de los principales cantineros de EEUU, Cuba, Panamá, Venezuela, Argentina y España. “Este documental establece una conexión con el pasado de la coctelería. En este momento en el que vivimos una nueva era de oro de la coctelería es muy necesario mirar atrás para recuperar algunas tradiciones”, ha resaltado el director de la película.
Antonio Banderas entrega a Mariano Barroso el galardón en representación de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España
El Festival de Málaga ha entregado hoy el Premio Málaga – Sur al conjunto del cine español, en una gala que ha tenido lugar en el Teatro Cervantes a las 22:30h. Este galardón, que el Festival entrega en colaboración con Diario Sur, premia a profesionales de larga y reconocida trayectoria cinematográfica, y en esta edición tan especial ha querido homenajear al cine español como entidad.
La gala ha comenzado con un emotivo vídeo en el que se ha hecho un breve repaso por algunas de las películas que han marcado la historia del cine español: ‘Mar adentro’, ‘El laberinto del fauno’ o ‘Todo sobre mi madre’ son sólo algunas de las películas que se han recordado antes de proceder a la entrega del galardón.
La malagueña Noemí Ruiz ha sido la encargada de dar la bienvenida al escenario al actor Antonio Banderas, que ha querido destacar el compromiso de la ciudad de Málaga con el cine español: “Hay muchos parámetros para determinar la solidez, el arraigo y la autenticidad de las cosas, y uno de ellos es el tiempo. 25 años de Festival acreditan el compromiso de Málaga con la cinematografía española, y la propia ciudad quiere agradecer al conjunto del cine español con el Premio Málaga – Sur”.
Tras el discurso de Banderas, Mariano Barroso, presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, ha subido a recoger el premio, y ha querido dar las gracias a Juan Antonio Vigar, director del Festival, Francisco de la Torre, alcalde de Málaga, y Fernando Méndez Leite, crítico de cine e institución del cine español.
“25 años caminando juntos, porque el Festival de Málaga es cine español, y el cine español es Festival de Málaga. Hay tres razones por las que el Festival es una referencia para todos los que trabajamos en el cine: por su concepto de unidad, por su apuesta por la diversidad y por tener siempre clara su misión, ayudarnos a conocernos mejor a nosotros mismos y a organizar el relato de nuestras vidas”, ha destacado Barroso en su discurso de agradecimiento.
En anteriores ediciones, el Festival ha premiado con este galardón a nombres tan reconocidos del cine español como Alejandro Amenábar, Javier Gutiérrez, Maribel Verdú, Paz Vega o José Coronado.
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El largometraje está dirigido por Glorimar Marrero Sánchez y producido por José Esteban Alenda y Amaya Izquierdo
La sección 5 minutos de cine ha presentado un avance de la ópera prima puertorriqueña ‘La pecera’. Se trata de un proyecto dirigido por Glorimar Marrero Sánchez y producido por José Esteban y Amaya Izquierdo, que logró el Premio MAFIZ EAVE del Festival de Málaga en 2018. La película empezó a rodarse a finales de 2021 y se encuentra ya en fase de posproducción.
La conexión entre la directora y Amaya Izquierdo surgió en 2018, cuando se conocieron en el Área de Industria del Festival de Málaga. De ahí surgió una idea que fue potenciada gracias al apoyo en producción de José Esteban y un gran respaldo del Gobierno de Puerto Rico a través de su Departamento de Desarrollo Económico, del ICAA y del Ayuntamiento de Madrid.
‘La pecera’ se adentra en la vida de Noelia, enferma de cáncer, que no quiere tratarse y para ello regresa a su ciudad natal, la isla paradisíaca puertorriqueña de Vieques, una zona ideal de descanso, pero contaminada por toneladas de residuos del ejército norteamericano. Pero su familia no respeta esta decisión. Entre su trama personal y la situación medioambiental de la isla, Noelia se verá obligada a tomar una serie de decisiones.
Esta sesión de avance del proyecto, que se ha celebrado en el Rectorado de la Universidad de Málaga, ha estado acompañada de un coloquio que ha dirigido el escritor y presentador Luis Alegre, quien ha calificado este filme como un “drama íntimo y de denuncia medioambiental”. Para dicha descripción se ha basado en las palabras de la directora, quien ha confesado que la historia la generó a raíz de la enfermedad de su madre. “Quería hablar del proceso de la enfermedad y como un personaje se prepara para la muerte desde la autodeterminación explorando su camino a morir”, ha comentado la directora, quien ha declarado tomarse el rodaje como una reconciliación.
En la misma línea, José Esteban Alenda ha destacado el “intimismo” de la trama, así como el carácter de “protesta política-económica” que esconde. Asimismo, respecto a su relación con Amaya Izquierdo, con quien ha compartido producción en ‘El despertar de las hormigas’ y comparten una misma mirada.
Actualmente, el proyecto se encuentra en su recta final y se espera que en los próximos meses esté listo. Tal y como han indicado los miembros del equipo, su preocupación tras terminar la producción será cerrar las ventas internacionales y, en palabras de la directora, “ojalá volver a estar en Málaga en la próxima edición” con su presentación.
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La película está protagonizada por el propio director y por los actores Salva Reina y Mara Guil
La sala 3 del cine Albéniz ha sido testigo hoy del estreno de la película ‘Isóceles’, enmarcada en la sección Zonazine del Festival de Málaga. Se trata de una comedia del director malagueño Ignacio Nacho, protagonizada por él mismo y por los actores Salva Reina y Mara Guil. Cuenta la historia de Enrique y Víctor, íntimos amigos durante su etapa universitaria pero que, por un absurdo contratiempo, sufrieron un distanciamiento que se ha prolongado durante años. Enrique ha decidido romper el hielo y ha contactado con su viejo amigo, citándolo en su casa. Víctor accede entusiasta a la cita, pero desconoce el motivo real del encuentro.
A la rueda de prensa posterior a la película han acudido su director, Ignacio Nacho, sus protagonistas, Salva Reina y Mara Guil, y dos de sus productores, José Luis Rancaño y Juan José Amor.
El proyecto surgió de una idea de su director: una fotografía que encuentras en una casa ajena en la que reconoces a alguien (no diremos más para no estropear las sorpresas de la película). A partir de ahí, comenzó a desarrollar el guion y se materializó en ‘Isósceles’. “Me gustan los planos cerrados, el cine claustrofóbico, por lo que es una garantía trabajar con actores tan solventes como Salva y Mara. Si no tienes actores potentes en una película como ésta, es imposible que el resultado final sea satisfactorio”.
Salva Reina, que interpreta al personaje de Víctor, ha desvelado el proceso de construcción de los personajes: “Ha sido una suerte haber tenido tanto tiempo para ensayar. Una vez llegamos al inicio del rodaje teníamos a los personajes totalmente interiorizados. Además, en el proceso creativo hemos tenido total libertad”.
Por su parte, Mara Guil, que acaba de protagonizar la película ganadora de seis premios Goya ‘El buen patrón’, interpreta al personaje de Paloma: “Desde que leí el guion conecté inmediatamente con ella. Es una suerte haber interpretado a Paloma, desde que empecé a estudiar arte dramático soñaba con que me llegara un personaje así”.
Ignacio Nacho es un realizador malagueño cuya andadura profesional arranca a los dieciséis años. Desde entonces ha participado en numerosos montajes teatrales como ‘La cena de los idiotas’, ‘La extraña pareja’ o ‘El intercambio’. Ha compartido escenario con actores y actrices de la talla de Gabino Diego, Salva Reina, Teté Delgado, Josema Yuste, Pablo Puyol o Mara Guil. Recientemente ha ganado el premio ASECAN 2021 al mejor actor revelación, y el Carmen 2022 en la misma categoría, por su actuación en ‘La mancha negra’. Entre sus largometrajes como director destacan ‘Poliedro’ y ‘El intercambio’.
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Los franceses Bernard Campan y Alexandre Jollien han mantenido un coloquio con el público asistente
Ante un efusivo público los actores y co-directores de ‘Mentes maravillosas’, Bernard Campan y Alexandre Jollien han presentado una emotiva, tierna y cómica ‘road movie’ inspirada en la relación de amistad de los propios directores, guionistas y protagonistas.
“Ha sido muy muy emocionante ver el gran éxito de la película en esta sala, y para ser sincero ver al público en pie cuando hemos entrado me ha emocionado. Sólo espero que este éxito continúe, como lo ha hecho en Francia y veo que aquí también”, afirmó un emocionado Bernard Campan.
“Alexandre y yo nos conocemos desde hace muchísimo tiempo, desde hace unos dieciocho años. Nuestra amistad surgió en seguida porque congeniamos a la perfección y pronto empezamos a construir una verdadera y bonita relación. Un productor nos animó a hacer una película, pero hemos tardado diez años en llevar a cabo el proyecto”, ha comentado Bernard Campan.
Alexandre Jollien es uno de los filósofos de mayor éxito y trascendencia europea. Tuvo un nacimiento complicado que le produjo parálisis cerebral, y creció en una institución en la que estuvo 17 años, pero ha acabado convirtiéndose en uno de los escritores más leídos en buena parte del mundo, con libros superventas como ‘Elogio de la debilidad’, ‘La sabiduría pícara’ y ‘Abecedario de la sabiduría’, entre otros. ‘Mentes Maravillosas´ es su primera incursión en la gran pantalla.
“No sé quién es realmente el cómico y el famoso”, ha dicho con ironía Jollin. “Pero lo cierto es que lo más difícil ha sido transformar una amistad verdadera en una ficción, así es que hubo que alejarse un poco de lo que era nuestra vida. Yo no soy realmente actor y cuando se aproximaba la fecha del rodaje me daba miedo, mí mujer me ha ayudado muchísimo, aunque después de esta bonita experiencia realmente prefiero escribir”, ha dicho Jollien.
La película nos cuenta como Louis dirige una funeraria. Soltero empedernido, vive dedicado a su trabajo. Por una casualidad de la vida, se cruzará con Igor, un espíritu agudo en un cuerpo minusválido a causa de una parálisis cerebral. Igor reparte verduras ecológicas mientras pasa su tiempo libre leyendo a Sócrates, Nietzsche y Spinoza.
Juntos emprenderán una ‘road movie’ en el coche fúnebre de Louis para transportar el cuerpo de la difunta Madeleine al lugar donde debe ser enterrada. En este recorrido salpicado de encuentros, Louis e Igor irán conquistando la libertad sobre la mirada de los demás y aprendiendo a amar la vida tal y como llega, liberándose de uno mismo. “La pandemia nos partió el rodaje en dos, algo que fue muy positivo porque Alexandre se cansa muchísimo rodando, así es que pudimos descansar y reflexionar sobre lo que estábamos haciendo y esto fue muy positivo para la película, a pesar de que la escena de la despedida de soltera sólo pudo hacerse con una veintena de chicas, y hubiéramos preferido hacerla con una centena”, ha bromeado Campan.
Caramel Films y Youplanet Pictures distribuirán en España “Mentes maravillosas”, película de Bernard Campan y Alexandre Jollien. Tras haber sido estrenada en el Festival de Málaga llegará al resto de salas el 6 de mayo de 2022.
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