Vicente Amigo, la
magia de la guitarra
bajo el cielo de Sos.

El Festival Luna Lunera nació en el verano de 2002 como una apuesta
innovadora del Ayuntamiento de Sos del Rey
Católico–www.sosdelreycatolico.com– y el Territorio Museo del Prepirineo
–www.territoriomuseo.net–, que venía a complementar las acciones de
valorización del patrimonio cultural impulsadas en esta zona del Prepirineo
Aragonés.
Conformar un producto de turismo cultural, que conjuga la acción cultural
con la difusión de uno de los más bellos conjuntos históricos de España, y su
conexión con la oferta del Territorio Museo del Prepirineo aragonés, era el
objetivo último de esta iniciativa asumida por el Ayuntamiento sosiense.
Si el turismo cultural se caracteriza por ser un producto básicamente
emocional, a la emoción que sin duda van a provocar las actuaciones
programadas se sumará la que provocará a los asistentes el magnífico
espectáculo patrimonial en que se convierte la Lonja medieval de Sos en las
noches de agosto.
Tras su salto a las pantallas televisivas –los conciertos fueron emitidos por La 2
de TVE y Aragón Televisión–, ya en su séptima edición, Luna Lunera sigue
reforzando sus elementos diferenciadores, como la excepcionalidad de los
conciertos basados fundamentalmente en la figura del autor y abarcando
una diversidad de estilos que van del pop-rock, el blues o los ya clásicos
cantautores latinos, a los que siempre se añaden nuevos valores del panorama
nacional y de la oferta aragonesa. Las actuaciones en el marco de la Lonja
medieval de Sos, manteniendo la capacidad de la tribuna de público, limitada a
450 espectadores, logran mantener el clima de complicidad con los artistas que
tanto ha caracterizado las ediciones anteriores y, sobre todo, se ha reforzado, si
cabe, la calidad de una oferta que incluye primeras figuras del panorama
musical internacional con algunos de los autores más interesantes del momento
en Aragón.
Se trata de aportar, en definitiva, este esfuerzo a una nueva visión al panorama
cultural de Aragón jugando ya en esta séptima edición un importante papel en
la oferta de Festivales en Aragón. La edición 2008 en este sentido viene a a
consolidar un importante apoyo tanto de y estabilización del impulso de la
Diputación de Zaragoza y el Gobierno de Aragón, apoyos que suponen un
reconocimiento a la importancia alcanzada por el evento en estas ediciones no
sólo en el ámbito de la Comunidad Autónoma sino ya en el nacional y en el
marco de un panorama cada vez más plagado de ofertas de festivales en el que
no es pequeña hazaña remarcar, como hace el Festival Luna Lunera elementos
diferenciadores con capacidad de atraer un público de calidad sobre la base de
una programación altamente cualitativa y la magia de unos conciertos que tan
sólo puede encontrarse en el marco de la Lonja Medieval de Sos, lo que viene
haciendo que cientos de personas de toda España se conviertan en fieles
seguidores de este evento. Y no sólo ellos, sino los propios artistas que,
también desean repetir –coincidiendo en los elementos diferenciadores– nuevos
conciertos en este Festival. De forma que cada año, público y artistas se
convierten en adeptos de este Festival que va ganando una legión de fieles en
ambas partes del auditorio.
LUNA Lunera 2008
Lonja Medieval de Sos del Rey Católico
Del 1 al 17 de agosto
Lonja medieval
de Sos
LA LONJA MEDIEVAL
Esta Lonja, clásico soportal medieval muy similar a los de otros conjuntos
históricos de Aragón, cuenta con cuatro arcos apuntados, destacando un aljibe
en el conjunto. También hay una serie de hendiduras para colocar las vasijas
que contenían el aceite y el vino. Bajo el escenario se conservan dos pozos que
se utilizaban como neveros en los mercados medievales. Aunque no hay
constancia de la fecha de su construcción, hay que señalar que en las
principales ciudades de la Corona de Aragón, las lonjas se implantaron en la
Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, con lo que la lonja de Sos se
puede ubicar cronológicamente en el tránsito del Medievo a la Edad Moderna.
Los espectadores de Luna Lunera podrán sin duda oír todavía los gritos, los
ruidos de las gentes que mueven sus productos de un lado a otro, que
intercambian y tratan. Estas lonjas, a diferencia de los mercados medievales,
abastecían mercancías al por mayor. En el caso de la Lonja de Sos se cree que
esta función sería simultánea con la de mercado y que en este mismo espacio
físico se albergaba el Viejo Concejo Medieval, que abarcaría el espacio de la
Lonja hasta la Plaza de la Villa, donde se muestra en todo su esplendor las
arcadas con los elementos de medida –la vara aragonesa– y peso del mercado.
En la Alta Edad Media las reuniones de los Concejos de las ciudades y de las
villas europeas se realizaban en los pórticos de las Iglesias, pero ya en la Baja
Edad Media los poderes municipales comenzaron a construir edificios propios.
Este edificio, que hace las veces de caja escénica del Festival Luna Lunera, es
uno de los más antiguos de la villa. Al fondo del escenario los espectadores
todavía podrán apreciar sus aspilleras defensivas o la excepcional
estructura interior con dos columnas de gran factura para aquella época.
Eran los primeros tiempos del sistema concejil en el gobierno de los pueblos y
villas. Los concejos buscaban la orientación sur para sus reuniones en estas
plazas porticadas, al sol del mediodía que aportaba energías para dirimir en las
cuestiones de la administración y la justicia de la Villa.
Varios siglos después este espacio fue uno de los objetivos principales de la
artillería del General Francisco Mina y sus guerrilleros, ubicando sus baterías
en un monte situado apenas a un dos centenares de metros del espacio que
ocupa la tribuna de los espectadores. Espoz y Mina tuvo sitiada la Villa hasta
que expulsó a los Franceses, unos hechos que describe de forma minuciosa en
su diario. Las excavaciones arqueológicas realizadas en este espacio durante los
años ochenta mostraron evidentes muestras de estos ataques.
Ya arriba, en la planta primera del edificio –lo que durante este festival se
convierte en el camerino principal– es una magnífica sala que conserva como
suelo el rescatado de la antigua cárcel de Sos durante la Guerra Civil Española,
con interesantes inscripciones de presos tanto de la guerra como del periodo de
postguerra. Hoy se ubica allí una magnífica biblioteca y punto público de
acceso gratuito a internet que durante las dos semanas de Luna Lunera
pasa a ser un espectacular camerino donde los artistas disponen de varias
estancias, catering y una zona de descanso o para recibir prensa y visitas.
Historia y patrimonio, cultura y vanguardia para unas noches milenarias.
Steve Earle actuó en
España –Sos, Luna Lunera,
2003– por primera vez.
EL PROGRAMA
El programa, con su clásico espíritu de heterodoxia, recoge una oferta equilibrada,
desde diversos puntos de vista para concitar diferentes públicos en los diecisiete
días de Festival, si bien cada vez más vemos una tipología de público amante del
eclecticismo y la música de calidad, que firma con su presencia todos y cada uno
de los conciertos, sabedores de que la magia que cada noche ofrece la luna en el
Auditorio de la Lonja es irrepetible y cada concierto único, con el denominador
común de la calidad . Continuando con su filosofía diferenciadora, el festival se
centra principalmente en la figura del autor, abarcando diversos estilos musicales.
Este festival 2008 supone la séptima edición, madurada tras el examen que supuso
el año anterior la emisión de los conciertos por La 2 de TVE así como en horario
prime time a través de del Canal América del canal internacional de TVE, que ha
permitido hacer llegar los conciertos a todo el continente americano desde Alaska a
la Patagonia, con una importante repercusión manifestada en cientos de correos
electrónicos tanto al festival como a los artistas por personas de todos los países de
América del norte y América Latina; y también Aragón Televisión y Aragón Radio
o Radio Vitoria. Así, en tan sólo seis ediciones, Luna Lunera ha conseguido
posicionarse en el panorama nacional como uno de los de mejor y más equilibrada
programación, cuyos ecos alcanzan ya el ámbito internacional.
Luna Lunera es básicamente un festival de canción, sin caer necesariamente en el
tópico de cantautores. Las seis ediciones anteriores apuntaban ya esta idea con
éxito, logrando un creciente prestigio, avalado por la excelente valoración por parte
del público de las actuaciones de Alberto Cortez, Elliot Murphy, Amancio Prada,
Gabriel Sopeña, Ismael Serrano, María Dolores Pradera, Vieja Trova Santiaguera,
Carmen París, María Creuza, Miguel Ángel Berna, Peter Hammill, Pablo Milanés,
Julieta Venegas, Michael Fracasso, Antonio Vega, Rosendo, Luz Casal, Bebo
Valdés, Marianne Faithfull, Georges Moustaki, Ariel Roth, Paul Carrack, Burning,
Jackson Brownw, David Lindley, Madredeus, Soul Tellers, Chucho Valdés, Pablo
Milanés, Kiko Veneno, Raimundo Amador, Vicente Amigo, Jimmy Cliff, Popa
Chubby, Walter Trout, Tomasito, Barricada, Mikel Erentxun, Serranito, etc.
En esta séptima edición habrá también presencia aragonesa, favoreciendo su
relación con artistas internacionales, como así sucedió con María José Hernández,
que acompañó a Pablo Milanés en su gira española, tras la actuación en Sos; Elena
Rubio, Los Peces, Distintas Razones y El Factor Humano y Amaral representarán a
la música de la tierra.
El plano nacional e internacional está cubierto con artistas como Iván Ferreiro,
Quique González, Burning, Reincidentes, Loquillo, Aurora Beltrán, Barricada o
Pablo Milanés, que repiten actuación –una constante de Luna Lunera, los artistas
quieren repetir su visita, sorprendidos por la atención que reciben–. o Jaime
Urrutia, Tequila, Los Secretos, Spin Doctors, Hugh Cornwell, Dr. Feelgood,
Shemekia Copeland o Mafalda Arnauth.
La programación de esta edición persigue agrupar los conciertos de una cierta
forma temática, para facilitar la estancia del público seguidor de un determinado
estilo musical. Ello persigue que los asistentes, que desde hace meses solicitan la
programación del festival, acudiendo en muchos casos desde los puntos más
lejanos de España para ver a un sólo artista, puedan planificar una estancia en Sos
más amplia, de tres o cuatro días, para poder asistir a varios conciertos de su
interés. De hecho, en esta edición, las actuaciones serán desde los miércoles hasta
los domingos, a lo largo de tres semanas.
Ello contribuirá a potenciar el trabajo ya iniciado en 2003 de productos turísticos
completos que incluyen visitas guiadas, actividades como rafting y otras de
aventura durante el día, y en definitiva engarzar la oferta del festival con una oferta
completa en la que se les organiza desde el alojamiento hasta las visitas, entradas,
etc.
PATRIMONIO LÚDICO Y CULTURAL
Como muestra de la acogida por parte de la villa, tras los conciertos se
celebrarán distintas fiestas en los establecimientos hosteleros de Sos del Rey
Católico, propiciando que los visitantes se queden a pernoctar.
No en vano el festival se dirige a un público claramente vinculado al turismo
cultural, un público con plena vocación de autonomía y ganas de descubrir
nuevos lugares, o redescubrir otros como Sos que hoy se llenan de color, de la
mejor música, conformando una simbiosis, patrimonio y música en el que las
palabras magia y cultura alcanza su más alta dimensión, un público diferente
del existente en ofertas de festivales de amplio espectro, en el luna lunera el
festival se extiende antes y después de los conciertos, visitando el patrimonio o
compartiendo la vida habitual de este bello pueblo medieval, su gastronomía ,
ferias simultaneas en las fechas a la realización del festival, realizando
actividades y por supuesto disfrutando, compartiendo momentos dulces en las
noches de Sos donde como en ningún otro lugar público y artistas suelen tener
puntos de encuentro al calor de una copa en alguno de los lugares del casco
histórico.
Y, si así lo hace, el visitante puede disfrutar durante el día de la visita a los
tesoros del Territorio Museo con una de las ofertas más sugerentes de Aragón,
que combina tanto conjuntos históricos como Sos o Uncastillo, como la
posibilidad de descubrir o redescubrir nuevos espacios que sin duda
sorprenderán al visitante: Ruesta, Undués de Lerda, la Valdonsella, Bagüés, Los
Pintanos o la siempre sorprendente y desconocida sierra de Santo Domingo,
con lugares tan impresionantes como Pigalo o Sibirana.
Por último, se aconsejará a los visitantes que no dejar de visitar los Centros del
Territorio Museo, que en este momento ya ofrece al público cuatro espacios
abiertos, como el Centro de Ramón y Cajal en Ayerbe, los de Arte Religioso de
Uncastillo y Luesia o el recientemente inaugurado en la Villa de Sos, el Centro
de Fernando el Católico. Como curiosidad se aconseja visitar la magnífica
ermita de santa Lucía, con unas impresionantes pinturas del siglo XIII,
visitables desde hace apenas dos meses.
Se continuará con la implicación de los hosteleros locales que ya durante la
edición de 2003 ofrecieron varias cenas y alojamientos gratuitos cada
establecimiento para sorteos diarios de un día completo que se celebraran en la
página web de internet comprendiendo entradas para dos personas, visitas
turísticas comida o cena y alojamiento. Asimismo, han ofertado gratuitamente
un mayor número de plazas hoteleras y de restauración para la organización y
los artistas.
La Fuga, ritmo
en la Lonja Medieval
Chucho Valdés actuó
el año pasado, su
padre, Bebo, en 2005
CALENDARIO
La programación de LUNA Lunera se plantea con el siguiente calendario, en
actuaciones que siempre comenzarán a las 11 horas.
Elena Rubio (Aragón) e Iván Ferreiro (España)
Viernes,1 de agosto 32 euros
Los Peces (Aragón) y Amaral (Aragón)
Sábado, 2 de agosto 42 euros
Spin Doctor’s (EE. UU.)
Domingo, 3 de agosto 32 euros
Richard Thompson (Gran Bretaña) y Quique González (España)
Miércoles, 6 de agosto 32 euros
Hugh Cornwell (Gran Bretaña) y Loquillo (España)
Jueves, 7 de agosto 32 euros
Ilegales (España) y Siniestro Total (España)
Viernes, 8 de agosto 32 euros
Jaime Urrutia (España) y Burning (España)
Sábado, 9 de agosto 32 euros
Aurora Beltrán (España) y Dr. Feelgood (Gran Bretaña)
Domingo, 10 de agosto 32 euros
Cómplices (España y Los Secretos (España)
Miércoles, 13 de agosto 32 euros
Distintas Razones (Aragón) y Tequila (España)
Jueves, 14 de agosto 32 euros
El Factor Humano (Aragón) y Shemekia Copeland (EE. UU.)
Viernes, 15 de agosto 32 euros
Mafalda Arnauth (Portugal y Pablo Milanés (Cuba)
Sábado, 16 de agosto 32 euros
Reincidentes (España) y Barricada (España)
Domingo, 17 de agosto 32 euros
El precio incluye los gastos de reserva.
Habrá una edición limitada de abonos para todos el festival, por 350 euros.
El aforo de la Lonja es
de 450 personas,
cómodamente
sentadas
INFRAESTRUCTURA
Se ha instalado una tribuna con capacidad para 450 espectadores sentados en
butacas numeradas. Con una plataforma escénica nivelando las dos alturas de la
plaza porticada de la Lonja del siglo XIV, convirtiéndola en una espacio natural
impresionante.
Tras los arcos y en otro plano aparece la espadaña de la iglesia de san Esteban
(siglo XII) y la torre del Homenaje del castillo, Bienes de Interés Cultural,
ambos con iluminación monumental.
El espacio del festival cuenta con lavabos móviles para los espectadores,
ubicados bajo la tribuna, y en la zona lateral del escenario para el personal
técnico. Se han adaptado las salas interiores de la Lonja para camerinos; el
camerino principal se ubicará en la parte superior de la Lonja donde se
encuentra la magnífica biblioteca pública abierta el pasado año.
Se ha realizado un acuerdo con establecimientos hosteleros, de Sos y de toda la
zona circundante, para coordinar el alojamiento de las personas que deseen
desplazarse a la villa. El Parador Nacional se convierte, como no podía ser de
otra forma, el establecimiento estrella y ha ofrecido algunas de sus habitaciones
(de forma gratuita) para los artistas principales y managers, de la misma forma
que algunos bares harán fiestas especiales tras las actuaciones. Nuevos
establecimientos hosteleros, recientemente inaugurados, completarán la oferta
en la villa.
Pero Luna Lunera es un evento que no sólo llena al completo la Villa de Sos
sino toda la infraestructura de su comarca y la vecina Navarra, los
establecimientos de Uncastillo, Sádaba, Sangüesa o la Val d’Onsella se llenarán
estos días con espectadores de los conciertos. Para facilitar el alojamiento y las
reservas se ha dotado una oficina exclusiva
de información y reservas que podrá, no sólo resolver dudas o facilitar
informaciones sino buscar y reservas directamente plazas hoteleras o incluso
productos completos, incluyendo entradas, visitas a museos, comidas, etc.
Se ha rediseñado la página web –www.lunalunerafestival.com– de este
festival que aparece en varios idiomas y contiene información precisa, tanto de
esta edición como de otras anteriores, así como links hacia los principales
festivales en Aragón.
Marianne Faithfull acabó
su concierto, a pesar de
lesionarse un tobillo.
EQUIPO HUMANO
La organización del Festival corre a cargo del Ayuntamiento de Sos del Rey
Católico, integrándose en los eventos y actividades del Territorio Museo del
Prepirineo; en su desarrollo participan los equipos técnicos, de montaje y
producción del Cider Prepirineo y la Mancomunidad Altas Cinco Villas,
además de los propios medios personales aportados por el Ayuntamiento.
Un grupo de jóvenes de la Campaña de voluntariado cultural, que el Cider
impulsa entre los estudiantes de la Villa de Sos, para colaborar en las
actividades culturales y turísticas de la localidad durante el verano se integra en
el equipo de gestión del Festival Luna Lunera, donde realizan funciones de
todo tipo: traducción e interpretes, asistentes en catering, atención a
espectadores, colaboración en regiduría de escenario, fotografía, etc.
Estos equipos tienen gran experiencia en gestión de eventos en el territorio y
entre ellos existe una perfecta complementariedad en medios humanos y
técnicos.
Ello ha posibilitado que, salvo los trabajos estrictamente de iluminación y
sonorización, la labor de producción se realiza con personal y voluntariado
local, uno de los factores que explica la amplia base social del festival.
Jackson Browne
disfrutó
y descubrió el vino
de Uncastillo
FINANCIACIÓN
Se consolidan paulatinamente los apoyos financieros al festival, aunque el
mayor esfuerzo pesa todavía sobre el consistorio Sosiense como principal
impulsor de esta iniciativa.
El presupuesto total del festival se sitúa en los 450.000 euros. La producción de
los conciertos supone el 90% del mismo.
En el aspecto financiero, este evento es posible gracias a la colaboración
institucional en la cofinanciación del mismo.
Financiación con ayudas públicas y privadas: en torno 20-30%
Ingresos por venta de entradas: 40-50%
Financiación Ayuntamiento de Sos: 20-40%
Las entidades que patrocinan financieramente el festival son:
Ayuntamiento de Sos.
Gobierno de Aragón
Turismo de Aragón .
Diputación de Zaragoza.
Comarca Cinco Villas.
Sierra de Selva SL.
Con la colaboración de Heraldo de Aragón, Aragón Radio y Radio Televisión
Española.
Los precios de las entradas oscilan desde 32 euros hasta 42 euros la más cara.
Existe la posibilidad de adquirir un bono para la totalidad de los conciertos por
el precio de 375 euros, que supone un ahorro del casi el 20% su número es
limitado.
El precio incluye el recargo por la venta en la red ticktackticket, a través de
internet –www.ticktackticket.com / www.festivales.com–, por teléfono o en
cualquiera de los puntos de venta habituales en las principales ciudades de
España, así como en la Villa de Sos donde se instalará un punto on line de
venta anticipada.
El galgo rebelde,
presencia aragonesa
en 2006
Año 2002
María Creuza (Brasil)
A’Vuchella (Aragón)
María Dolores Pradera (España)
Teatro de la Ribera (Aragón)
Gabriel Sopeña (Aragón)
Ismael Serrano (España)
La Vieja Trova Santiaguera (Cuba)
Tranvía Teatro (Aragón)
Pisón Trío (Aragón)
Miguel Ángel Berna (Aragón)
Carmen París (Aragón)
Año 2003
María José Hernández (Aragón)
Santiago Sánchez Jericó, Mª López de
Félix y M. Ángel Tapia (Aragón)
Gabriel Sopeña y Loquillo (Aragón)
Elliott Murphy (EE. UU.)
b Vocal (Aragón)
Alberto Cortez (España)
Carmen París (Aragón)
Miguel Ángel Berna (Aragón)
Steve Earle (EE. UU.)
Martirio (España)
Luis Eduardo Aute (España)
Amancio Prada (España)
Año 2004
Capercaille (Escocia)
Josele Santiago (España)
Los Secretos (España)
Pablo Milanés (Cuba)
Javier Ruibal (Andalucía)
Vinos Chueca (Aragón)
Julieta Venegas (México)
Peter Hammill (Inglaterra)
Distrito 14 (Aragón)
Robyn Hitchcock (Inglaterra)
Michael Fracasso (EE. UU)
Antonio Vega (España)
Año 2005
Sterlin (España)
Rosendo (España)
Tako (Aragón)
Marianne Faithfull (Gran Bretaña)
Pereza (España)
Vinos Chueca (Aragón)
Bebo Valdés (Cuba)
Ricardo Constante (Aragón)
Coti (Argentina)
Joaquín Carbonell (Aragón)
Ismael Serrano (España)
Georges Moustaki (Francia)
Luz Casal (España)
Año 2006
El Galgo Rebelde (Aragón)
Enemigos (España)
Distritocatorce (Aragón)
Jackson Browne & David Lindley
(Estados Unidos). Artistas invitados:
Luz Casal y Quique González
(España).
Quique González & Burning (España)
Soul Tellers (España)
Paul Carrack (Inglaterra)
Madredeus (Portugal)
Aurora Beltrán (España)
Ariel Rot (Argentina)
Reincidentes & La Fuga (España)
Iván Ferreiro (España)
Babasónicos (Argentina)
María José Hernández (Aragón)
Pablo Milanés (Cuba)
Chucho Valdés (Cuba)
Kiko Veneno (España)
Raimundo Amador (España)
Vicente Amigo (España)
Elliot Murphy (EE. UU.)
Año 2007
Ángel Petisme (Aragón)
Luis Eduardo Aute (España)
Chucho & Bebo Valdés (Cuba)
Jimmy Cliff (Jamaica)
Popa Chubby (EE. UU.)
Walter Trout (EE. UU.)
Azero (Aragón)
Rosendo (España)
Barricada (España)
The Soul Tellers (España)
Tuco Requena (Aragón)
Tino di Geraldo, Carles Benavent
y Jorge Pardos (España)
Tomasito (España)
Mikel Erentxun (España)
Roger Hodgson (Gran Bretaña)
Fernando Pérez (Aragón)
Víctor Monge Serranito (España)
LAS PROGRAMACIONES DE LUNA LUNERA
LUNA Lunera 2008
Organiza
Ayuntamiento de Sos del Rey Católico
Patrocinan
Gobierno de Aragón
Turismo de Aragón
Diputación de Zaragoza
Comarca de las Cinco Villas
Sierra de la Selva SL
Colaboran
Mancomunidad Altas Cinco Villas. Brigada de Obras y Servicios
Sociedad General de Autores de España
Fundación Autor
Aragón Televisión
Aragón Radio
Grupo Heraldo de Aragón
Patronato Provincial de Turismo de Zaragoza
Bodegas Cariñena
Paradores de España
Hosteleros de Sos del Rey Católico
Voluntarios de Sos del Rey Católico
Dirección: Julio Conde.
Asesoría Artística: José Lapuente y Manuel Delgado.
Responsable de producción: Juan Carlos Arceiz Soteras.
Ayudante de dirección: Cristina Gómez Girol.
Comunicación: José Miguel Martínez Urtasun. ADICO.
Escenarios y Tribunas: Lahyer.
Diseño gráfico: Miguel Iguacén / Gloria Borobio.
Diseño y desarrollo de la página web: Lorenzo Cortés. E-Media SL.
Fotografias: B. Campo, Adico, Luna Lunera.
Prensa y comunicación
ADICO Aragonesa de Imagen y Comunicación
Tel: 976 232 552 Fax: 976 233 553
info@adico.es / lunalunera@adico.es
Sitios web
www.lunalunerafestival.com
INFORMACIÓN:
902 135 500
Territorio Museo del Prepirineo
Palacio de Sada. Sos del Rey Católico.
Teléfono: 948 888 291.
Fax: 948 888 464.
Correo electrónico: info@lunalunerafestival.com
info@sosdelreycatolico.com
Información del festival: www.lunalunerafestival.com
Información turística: www.territoriomuseo.net
Puntos de venta directa anticipada de entradas
Dado el pequeño aforo se aconseja realizar reserva y compra anticipada de las
entradas en cualquiera de las formas que se detallan:
Por internet, compra on line y puntos de venta de su red nacional:
www.ticktackticket.com
Venta directa:
Taquillas del Patio Principal del Ayuntamiento de Sos.
Plaza de la Villa, 1. Sos del Rey Católico.
Todos los días desde el 1 de agosto.
De 11 a 13 horas; de 18 a 20 horas.
Venta de productos y discos de los artistas incluidos en
la programación de Luna Lunera 2008 en la carpa
situada en la plaza de la Villa de Sos
Habrá un autobús desde Zaragoza y Pamplona
para facilitar la llegada a Sos del Rey Católico
Venta de entradas hasta treinta minutos antes de cada actuación
Se aconseja reserva o venta anticipada
Una vez comenzadas las actuaciones
se impedirá la entrada a cualquier persona
Existe un abono general para todo el festival
documentación
Ya estuvieron en
Luna Lunera…
…y vuelven
2003
Loquillo
2006 Aurora Beltrán
2006 Barricada
2006
Burning
2006 Pablo Milanés
2006 Enemigos
2006 Iván Ferreiro
2006 Quique González
2006 Reincidentes
Viernes, 1 de agosto
ELENA RUBIO
Elena Rubio, una voz fuerte y personal, tiene un directo potente y domina las
tablas con una alegría que rápidamente transmite y gana al público. Una voz
con unos registros muy amplios, que acompañada por su banda, pone de
manifiesto, que no solo es una voz, sino que sus letras, que sus composiciones
llegan a la gente y se hacen cómplices con ella. Temas de su repertorio de
siempre, con otros temas nuevos más cercanos al blues en los que tiene una
gran fuerza, en una actuación que resulta cómplice y entregada.
En Canciones Urgentes Elena quiere hacer un repaso a reflexiones cotidianas
desde el punto de vista femenino. Sobre el sempiterno tema del amor, va
desgranando otros asuntos como la solidaridad, la inmigración, la autoestima, la
violencia de género, la erótica, e incluso una reflexión sobre la tierra, el aire y
el agua en forma de homenaje a Aragón. Todo ello a través de temas propios
mezclados con otros incluidos en los cedés Orillas y Una ciudad para la paz y
alguna sorpresa en forma de versión. Acompañada de una banda excelente
derrocha energía sobre el escenario, lo que unido a su voz harán del concierto
una auténtica delicia.
La banda de músicos aragoneses que acompañan a Elena son Luis Jiménez
–teclados y guitarra–, Sergio Ballesteros –bajo–, Juan Millán –batería–, Pepe
Vazquez –guitarra y percusiones– y Jaime Lapeña –violín.
«Elena Rubio es una de esas artistas que sorprenden por varias razones. En
primer lugar, tal cosa ocurre al comprobar la calidad, afinación y feeling que
esta zaragozana imprime a sus composiciones. La sorpresa aumenta al
comprobar que también tiene el otro factor que suele exigir la industria a las
artistas noveles, presencia física. (…). Sus canciones, que exploran el territorio
‘blues’ sin perder las estructuras básicas de un pop elegante, son pedazos de
alma embutidos en un traje de singular atractivo. (…). Elena ha trabajado sus
canciones con mimo, pero sin caer en la tentación de recargar en exceso su
propuesta». Pablo Ferrer, Heraldo de Aragón, octubre 2002.
www.elenarubio.net.
Viernes, 1 de agosto
IVÁN FERREIRO
En Mentiroso Mentiroso no hay un planteamiento inicial… Se trata de expresar
lo que se mueve por dentro. Demasiada actividad para una mente especialmente
ágil. Y a partir de ahí llegan las respuestas. Desde el estómago. La verdad del
mentiroso. Una herida palpitante que empieza a cerrarse a ritmo que van
naciendo las canciones. Una vez más, Iván las llena de ventanas. Para mirar sin
ser visto y atrapar emociones que ya te pertenecen a ti. Huecos por los que
asomarse a la respuesta que el mentiroso da a los mentirosos. Las canciones de
Iván siempre han descubierto algo nuevo con cada escucha, como si cada vez
fuera la primera. En este disco no hay tantas capas de profundidad, pero sigue
ocurriendo lo mismo en diferentes direcciones, desde distintos puntos.
Iván muda la piel y le salen canciones que transpiran, a las que se intuyen los
poros. Canciones dentro de canciones y una nueva forma de hacer canciones,
sin horarios. Un Iván dentro de otro. El insomne y el que sueña, el que agarra
por el estómago, el incontinente verbal y al que le bailan las palabras dentro.
Los rincones de Iván. El que vive en colores y al que le salen historias en
blanco y negro. El que lo pinta todo de talento. El que desea y el que guarda
secretos. El que sigue soñando. El que dispara verdades que duelen. El
mentiroso. El que se ríe de si mismo. El que se va pisando las ganas. El que
duerme, por fin. Iván tranquilo, el último de todos los Ivanes.
El cerebro tiene un sistema inmunológico que cambia la forma de ver las cosas
para poder superar las decepciones y seguir adelante. Al cerebro no le interesa
la verdad sino sobrevivir. Y a veces necesita la mentira. En este disco hay
decepción, mentira y verdad. Y nervio. Desencuentros. Microespacio y soledad.
Y la inseguridad que da conocer los deseos de la persona que tienes al lado.
Suerte es el amor más incondicional. Hay rabia en La canción del no, una
punzada de verdad, quién no ha deseado vomitar un no tan rotundo a quien no
merece más…? Sensualidad y piel en Canción Húmeda, compuesta junto a
Leiva. La redención del rockero se llama Rocco Sigfredi, la verdad más
canalla.
Lo cotidiano, la tranquilidad está en De mi un pandero. Y la mayor de las
verdades en Personalidad Multiple, la mirada más real a uno mismo, sin
escondites al cerebro.
www.ivanferreiro.es.
Sábado, 2 de agosto
LOS PECES
Provenientes de Zaragoza. Se formaron en Madrid a finales de 2003, cuando la
cantante Clara Téllez y el teclista Santi Comet, decidieron iniciar una aventura
musical centrada en canciones de esencia pop, pero con apuntes de otras
músicas como el soul y la música negra.
Tras tocar en la mayoría de salas de la capital, se hacen con un nutrido grupo
de fans y llaman la atención de la industria musical a través de la editorial
musical Nova en 2004. Una demo que contenía las que luego serían las tres
canciones elegidas como singles de su álbum de debut –Merodeando, En la
línea dos y Nuestro final feliz–, producida por Alejo Stivel –Sabina, Mclan–, les
abre las puertas de las discográficas siendo el pequeño sello Mandarina
Records el elegido para publicar el primer disco: Los Peces, en mayo de 2005.
Merodeando fue el primer single elegido para dar a conocer al grupo y con
una alta rotación en las principales emisoras dio a conocer un grupo que
destacaba por su frescura y su personal propuesta.
Tras tocar por todo el país durante 2006, ser votados como grupo revelación
por los lectores de EP3, nominados a los premios MTV y Sol música, telonear
al colombiano Juanes en tres de los conciertos de su gira española y luego de la
aparición de dos singles de su disco del que vendieron más de 15.000 discos, el
grupo decide concentrarse en la composición de su segundo disco.
Debido al inesperado cierre de Mandarina Records, la grabación del nuevo
álbum se demora hasta marzo de 2008. Producido por Alex Olmedo –La
Naranja China– y con el título provisional de Ocho brazos para abrazarte,
contiene once canciones originales más un bonus track, Estación del silencio,
dedicado al pub homónimo de Zaragoza, en el que trabajó Clara.
Cuenta con la participación de Rubén Pozo –Pereza– en dos de las canciones.
En este nuevo trabajo, el grupo explora las raíces de sus gustos musicales
centrados en el pop de Los Beatles, el soul de raíz americana –Steely Dan–, la
narrativa en español con historias sencillas y unas interpretaciones vocales
sentidas y muy emotivas.
El disco se editará en otoño… Mientras tanto el grupo continúa con sus
actuaciones en 2008, año en que también participan como teloneros de Pereza
en distintas fechas de su gira.
www.lospeces.es.
Sábado, 2 de agosto
AMARAL
Gato Negro-Dragón Rojo se publica el 27 de mayo de 2008 y es el quinto
álbum de estudio de Amaral. Producido por Amaral y Cameron Jenkins, y
grabado en Londres y Madrid es el primer álbum doble de la banda zaragozana
y sus 19 canciones ofrecen una peculiar mezcla entre complejidad y sencillez,
con las guitarras de Juan Aguirre como columna vertebral de un sonido y de
unos arreglos que enmarcan la voz de Eva Amaral.
Gato Negro-Dragón Rojo es la continuación de una carrera que cumple diez
años y que Amaral ha llenado de excelentes canciones que se han incrustado en
la memoria popular y en la historia de la mejor música española. Una
trayectoria que comenzó con la publicación de su primer disco homónimo en
1998, para continuar con Una pequeña parte del mundo (2000), Estrella de mar
(2002) y Pájaros en la cabeza (2005). Con estos cuatro álbumes, Amaral ha
vendido más de 1.700.000 ejemplares y ha conseguido ocho premios de la
Música, un Ondas, un European MTV Award, varias nominaciones a los
Grammy latinos… Todo gracias a unas canciones, a una actitud y a un espíritu
que ha convertido a la banda en un emblema de la música de la última década.
Para darse cuenta del alcance popular de Amaral, baste decir que Gato Negro –
Dragón Rojo se publica mientras su anterior álbum lleva tres años en la lista de
los más vendidos con seis discos de platino. En la grabación, junto a Eva
Amaral (voz, guitarra, armónica, teclados, coros) y Juan Aguirre (guitarras,
teclados, voz, coros), han participado músicos de postín como Chris Taylor
(bajo), Pino Palladino (bajo), Andy Gangadeen (batería, percusión), Tony Beard
(batería, percusión), Cameron Jenkins (teclados), Charles Casey (teclados), Roy
Hendrickson (guitarra eléctrica), Henry Hirsch (piano, órgano Hammond) y
Melvin Duffy (pedal steel guitar). Y como guinda, las colaboraciones especiales
de Peter Buck (guitarrista de R.E.M.) y Xoel López, Iván Ferreiro y Amaro
Ferreiro en algunos coros.
Gato Negro-Dragón Rojo comienza con su primer single. Kamikaze es una
declaración de principios, un canto a la música, a la vida, interpretado con
poderío y sentimiento por Eva Amaral y con un pulso rítmico vibrante. Le
siguen Tarde de domingo rara, La barrera del sonido, Las chicas de mi barrio,
Esta noche, Las puertas del infierno, Biarritz, Gato negro y Rock & Roll. El
cedé 2 comienza con Perdóname, Alerta, El blues de la generación perdida, De
carne y hueso, Dragón rojo, Es sólo una canción, El artista del alambre,
Deprisa, Doce palabras y Concorde. Son las 19 canciones de Gato Negro-
Dragón Rojo, cuyo primer single, Kamikaze, ya se ha colocado en el número
uno de las más radiadas en España, uniéndose a lo mejor de un repertorio
incontestable que ha enriquecido la música española de los últimos diez años
con temas como El universo sobre mí; Días de verano; Resurrección; Marta,
Sebas, Guille y los demás; Revolución; Rosita; Tardes; No sé que hacer con mi
vida; Un día más; Subamos al cielo; Cómo hablar; Cabecita loca; Sin ti no soy
nada; Te necesito; Toda la noche en la calle; Moriría por vos; Estrella de mar;
Salir corriendo… Palabras mayores que hoy tienen continuidad en Gato Negro-
Dragón Rojo.
Tras el lanzamiento de Gato Negro, Dragón Rojo, Amaral ha comenzado una
gira por toda España y han sido los únicos artistas españoles que participan en
el macroconcierto benéfico, en el Hyde Park de Londres, para celebrar los 90
años de Nelson Mandela, ex presidente surafricano y Premio Nobel de la Paz.
www.amaral.es
Domingo, 3 de agosto
SPIN DOCTOR’S
La historia de Spin Doctors, grupo de rock alternativo de Nueva York, se
remonta a los 80. Originariamente el grupo se llamo Trucking Company y
estaba formado por Eric Schenkman, John Popper y Chris Barron. Con el
cambio de nombre a Spin Doctors y la llegada de Aaron Comes y Mark White,
el grupo tomo forma en la primavera de 1989.
En 1990, firmaron con Epic Records/Sony Music. Su legendario debut Up for
Grabs…Live fue grabado en directo en el club Wetlands de New York y salió al
mercado en enero de 1991. El grupo era conocido por sus grandes puestas en
escena y por sus improvisaciones, principalmente con sus amigos Blues
Traveler.
Su debut en los estudios de grabación fue con el álbum Pocket Full of
Kryptonite, que salió a la venta en agosto de 1991. El grupo continuaba
realizando conciertos y ganando adeptos, a la vez que su álbum era
comercialmente ignorado. En ese momento, la radio y MTV empezaron a poner
dos de sus temas Little Miss Can’t Be Wrong y Two Princes, y las ventas
comenzaron a dispararse, llegando a ser disco de oro. Su aparición en el
programa Saturday Night Live en 1992 les dio el empujón final. En junio de
1993 su álbum consiguió un triple platino, y vendió más de 5 millones en
EEUU y otros 5 millones en Europa, llegando al nº 3 en las listas de ventas.
Según la revista Rolling Stone, de la que fueron portada en enero de 1993, su
popularidad se basaba en las virtudes universales del rock & roll.
Su segundo álbum de estudio fue Turn It Ápside Down, grabado en 1994, y
aunque su éxito no fue como el anterior, aún así vendieron sobre un millón en
EEUU y otro en Europa. El grupo empezó su gira mundial, tocando en
Woodstock 94 y Glstonbury Festival. Poco después de que sacaran este álbum,
Eric Schenkman abandonó el grupo, por diferencias musicales y personales con
el resto de los componentes. Fue reemplazado por Anthony Krizan.
Con su nuevo guitarrista, Spin Doctors sacó su nuevo álbum You’ve Got to
Believe in Something, en 1996. Actuaron en varios programas de televisión, e
hicieron algunas giras. En este momento Iván Neville se unió al grupo en los
teclados. Cuando las giras terminaron, Anthony Krizan abandonó el grupo, por
razones que se desconocen, y fue posteriormente reemplazado por Eran Tabib.
You’ve Got to Relieve in Something no estuvo a la altura de sus anteriores
álbumes y perdieron su contrato con la discográfica.
En 1998 firmaron con Uptown/Universal y sacaron Here Comes the Bride.
Durante la grabación de este nuevo álbum, Mark White dejó el grupo. Durante
la gira con este nuevo álbum, el cantante Chris Barron perdió la voz, debido a
una extraña parálisis en las cuerdas vocales. El teclista Iván Neville lo
reemplazó para los conciertos que tenían contratados, pero finalmente
cancelaron la gira.
Barron recuperó su voz en el 2000, momento en el que actuaba con su propio
grupo Chris Barron and the Give Daddy Five, componiendo temas con Blues
Traveler’s y con Jeff Cohen.
Spin Doctors permanecieron inactivos hasta septiembre de 2001, cuando la
noticia del cierre de legendario club Wetlands hizo que los cuatro miembros
originales del grupo se reconciliaran. Así, por primera vez desde 1994 Chris
Barron, Eric Schenkman, Mark White y Aaron Comess, tocaron juntos en
Wetlands. La actuación fue un gran éxito, y esto hizo que comenzaran una gira
que finalmente llevo a la grabación del nuevo álbum Nice Talking to Me, en
2005, que tuvo un gran éxito comercial.
www.spindoctors.com/
Miércoles, 6 de agosto
RICHARD THOMPSON
Richard Thompson nació en la primavera de 1949 en el oeste de Londres, y
pasó sus primeros años en una Gran Bretaña de posguerra, rodeado de una
familia con gran gusto musical. Sus primeras influencias musicales fueron
Django Reinhardt, Fats Waller, Les Paul, Duke Ellington y Louis Armstrong.
Pocos artistas surgidos en la segunda mitad de los años 60 han tenido una
carrera tan productiva como Thompson; siendo todavía un adolescente, fundó y
dirigió Fairport Convention, aportando al british folk-rock lo que los Byrds
fueron a la música norteamericana de la época.
Los discos de Richard Thompson como solista, a partir de 1972, revelan un
artista de dimensiones sin precedentes que ha seguido a su musa con valentía.
Los trabajos de Thompson registrados durante los 70 y comienzos de los 80,
con su entonces esposa, Linda, incluida la exquisita Pour Down Like Silver, y
que culminaron en el devastador Shoot Out the Lights, trazaron los altibajos de
una relación con una honradez inquebrantable.
Su vasta y siempre creciente carrera está marcada por la inteligencia coherente,
el sabor y la pureza emocional que es la razón por la que tantas de sus
canciones han sido interpretadas por otros artistas de calidad. Una lista estelar
que incluye a gente como Elvis Costello, Bonnie Raitt, Del McCoury, Graham
Nash, X, Los Lobos y Bob Mould.
En el transcurso de su carrera, Thompson ha ganado numerosos premios y
honores, entre ellos el Premio Ivor Novello para solistas, el Premio Orville
Gibson para guitarristas, y en 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto
19 dentro de la lista de los 20 mejores guitarristas del mundo. En febrero de
2006, fue galardonado con la BBC Folk Lifetime Achievement Award.
www.richardthompson-music.com.
Miércoles, 6 de agosto
QUIQUE GONZÁLEZ
La redacción de la revista musical Rolling Stone eligió el disco de Quique
González y La Aristocracia del Barrio Avería y redención # 7 como el mejor
álbum nacional de 2007. Por su parte, los lectores del suplemento cultural EP3,
de El País, lo consideran el quinto mejor. Ambos reconocimientos llegaron
cuando Quique y su banda se disponen a retomar su gira de teatros, repitiendo
de nuevo en Luna Lunera.
Madrileño de octubre de 1973, el primer disco de Quique González, Personal,
data ya de 1997. A este debut le siguieron obras rotundas como Salitre 48,
2001, Pájaros mojados, 2002, Kamikazes enamorados, 2004, La noche
americana, 2005, y el disco en directo Ajuste de cuentas, 2006. Ahora acaba
de presentar su nuevo trabajo de estudio, Avería y redención # 7.
En el repertorio de Quique se encuentran canciones que han arrastrado una
buena legión de seguidores y que están destinadas a ocupar un puesto
preferente en la música de este país.
Sus temas ya circulan por voces y escenarios de artistas consagrados como Luz,
Miguel Ríos, los Secretos y Jorge Drexler, y cómo no, por el recuerdo que nos
dejó el gran Enrique Urquijo con su mágica interpretación del tema de Quique
Aunque tú no lo sepas.
Cada actuación tiene un alma especial e irrepetible y eso hace que su público se
esté multiplicando en imparable progresión geométrica. Avería y Redención #7
ofrece 17 nuevas canciones en las que vuelve a demostrar su gran calidad como
compositor y cantante. Un disco luminoso y oscuro al mismo tiempo, donde
cada nota, cada palabra, tiene una gran fuerza narrativa y que nos cuenta a
modo de película su propia avería y posterior redención.
Acompañando este disco también ha hecho un documental Dónde están las
gafas de Mike, donde se ve todo lo ocurrido durante su último año, tanto
componiendo, como actuando, viajando, grabando… y todo con un toque
cinematográfico de gran calidad.
www.quiquegonzalez.com.
Jueves, 7 de agosto
HUGH CORNWELL
Hugh Cornwell creció en Tufnell Park y Kentish Town y asistió a la Escuela
William Ellis en Highgate, donde tocó el bajo en una banda con Richard
Thompson. A finales de 1960, después de ganarse la B.A. en Bioquímica de la
Universidad de Bristol, se embarcó en un posgrado de investigación en la
Universidad de Lund (Suecia).
Cornwell no terminó su doctorado y regresó al Reino Unido en 1974. Poco
después, formó The Stranglers con Jet Black, Hans Warmling y Jean Jacques
Burnel. Warmling pronto fue sustituido por Dave Greenfield, que se unió en
1975 después de responder a un anuncio colocado en el Melody Maker.
Cornwell fue el principal guitarrista del grupo, y también cantó la mayoría de
las canciones.
En 1977 el grupo fichó por la U&A, United Artists Record, pequeña subsidiaria
de EMI y pasó a convertirse en uno de los grupos más vendidos de la escena
punk británica, con maravillosos clásicos como Always the sun y Golden brown
que se convirtieron en grandes éxitos.
Cuando Cornwell cumplió los treinta, la escena punk británica había
comenzado a disiparse, y esto fue fundamental para comenzar su carrera en
solitario. Grabó Nosferatu, su primer disco fuera del grupo, en colaboración
con Robert Williams.
En 1990 se decidió que la banda no podía crecer más artísticamente y
disolvieron The Stranglers. Cornwell describió la vida con los Stranglers como
«brillante», aunque en su biografía da fe de muchos conflictos dentro de la
banda, sobre todo con Burnel.
Desde la salida de Stranglers, Cornwell ha publicado varios discos. En
septiembre de 2007, Cornwell se embarcó en una gira por el Reino Unido con
Robert Williams.
En junio de 2008, Cornwell, siguiendo los pasos de bandas como Radiohead y
Nine Inch Nails ofreció su nuevo álbum Hoover Dam, como una descarga
totalmente gratuita en su página web. El álbum también está acompañado por
una película, Blueprint, que representa el proceso de grabación del álbum.
En junio de 2008, siguiendo los pasos de bandas como Radiohead y Nine Inch
Nails, acaba de colgar el album para descargarlo gratuitamente desde su web.
Se llama Hoover Dam y está repleto de pequeñas y grandes sorpresas. Cornwell
sigue siendo un magnífico compositor. Incluso se puede ver la historia de la
grabación del álbum, a través de un deuvedé. Cornwell le compró hace años a
los estudios Olympic la mesa donde grababan siempre los Stones. Este nuevo
trabajo se grabó con esta mesa manejada por el gran técnico de grabaciones
analógicas Liam Watson, que también produjo a los White Stripes
en Londres.
www.hughcornwell.com.
Jueves, 7 de agosto
LOQUILLO
Justo antes de abrir el concierto de Rolling Stones en El Ejido, Loquillo
anunció que esa noche sería la última oportunidad de ver a Loquillo y
Trogloditas juntos en un escenario. Meses antes se grabó un magnífico
deuvedé, Hermanos de Sangre. A partir de ese momento José María Sanz
Beltrán comenzó a andar en solitario.
Loquillo en su nuevo trabajo, Balmoral, ha conseguido dar un nuevo paso de
gigante en su dilatada carrera que cumple 30 años. Rodeado de un excelente
equipo de profesionales, con Jaime Stinus –este es el sexto trabajo que graban
juntos–, a la cabeza, Balmoral se presenta al público en un formato tan elegante
como el propio Loquillo. Son 13 canciones donde se nota que Loquillo
evoluciona sin perder sabor. El evocador título del disco, nombre de un bar
madrileño muy famoso y ya desaparecido, indica que Loquillo guarda en su
registro innumerables momentos vividos en su vasto camino por la vida que,
envueltos en experiencias personales, consigue un combinado sólido, con
matices, aromas y poso fermentado….
La puesta en escena también resulta apasionante. Loquillo y sus músicos
ofrecen un espectáculo lleno de energía. Jaime Stinus e Igor Paskual a las
guitarras con Laurent Castagnet a la batería, Laura Gómez Palma al bajo y
Mario Fueyo en los teclados guiados por el mejor maestro de ceremonias,
Loquillo, ofrecen al público una inolvidable noche del mejor Rock.
En esta nueva etapa en su carrera, el rockero se ha despachado con su mejor
disco, una obra que le sirve tanto como declaración de intenciones como de
punto de unión de las diferentes facetas que hasta ahora nos había brindado: su
reconocida pasión por el rock and roll, la admiración a pleno corazón por la
canción de autor y su debilidad por el trabajo de los mejores y menos ortodoxos
crooners. Pero que nadie espere un trabajo disperso en el que los géneros se
solapan, todo lo contrario. Loquillo, acompañado de una brillante, sofisticada e
inteligente producción de Stinus, logra sonar como nunca, tan rockero como
elegante, tan suave como afilado; completamente entregado y apasionado. 30
años que le permiten seguir siendo él mismo mientras se enfunda un traje
musical nuevo: el del artista completo y sin complejos. Un artista que se
enfrenta al micrófono con soltura, templanza y enorme expresividad, que
modula con maestría su voz y lo mismo la adapta a ese encuentro entre los
Stranglers y la música disco que es Sol, que alcanza la gravedad adecuada para
interpretar piezas como La vida es de los que arriesgan, La belle dame sans
merci, Memoria de jóvenes airados y Canción del valor. Como surge del
pasado para darle bríos al rock clásico de Soy una cámara, hace diabluras en
Línea clara y Hotel Palafox, acaricia el terciopelo en las dos Balmoral –ojo,
son canciones distintas: el prólogo y el epílogo del disco– o Cruzando el
paraíso. Una voz que hasta coquetea con el jazz afrancesado en Vintage y se
impone con fuerza en la épica Hermanos de sangre. Porque aquí, el rockero se
muestra como el vocalista perfecto, ese que creció en la escuela de la calle, se
graduó en escenarios de rock y se doctoró en hoteles de cinco estrellas.
Detrás de los títulos citados está la rúbrica de los habituales Gabriel Sopeña,
Igor Paskual y Jaime Stinus, el Rebelde Carlos Segarra, su amigo Jaime
Urrutia, el poeta Luis Alberto de Cuenca, el letrista Juan Mari Montes y el
regreso –muy ansiado por los fans más veteranos, que pensaban que nunca
sería posible– de su viejo compinche Sabino Méndez, suya es la mágica Sol. Y
cómo no, el propio Loquillo firmando algunas de sus mejores letras. Un equipo
ganador.
www.loquillo.com.
Viernes, 8 de agosto
ILEGALES
Jorge Martínez, líder indiscutible, no sólo de Ilegales, sino del rock con
guitarras que se hace en España, vuelve a la carga con un disco urgente y
necesario en el actual panorama musical, donde escasean personajes de la talla
del ilegal.
Ilegales son un grupo que, sin impostura ni pose, se mantienen intactos en la
posición que obtuvieron por mérito propio en la escena rock española a
principios de los 80. El secreto es sencillo: son así. Un cantante que en su debut
es capaz de retar a todos los asistentes a su primer concierto en Madrid
(Rockola, 1982), o que es capaz de cantar que los hippies son unos sucios a los
miles de progres que asistían en el mismo año a los conciertos de Miguel Ríos,
está claro que tiene carisma y mucho valor.
El valor es lo que le lleva a crear su propia discográfica –La Casa del
Misterio–, así que cansado de peleas con toda clase de ejecutivos, el siguiente
paso es pelearse consigo mismo y lanzar sus propios discos no sólo en España,
sino en todo el mundo. Lo cierto es que en América son realmente grandes,
pero eso es otra historia.
Así llegamos a La Casa del Misterio, al undécimo disco y prácticamente a la
obra cumbre del grupo. El nuevo álbum recuerda la noche en que su padre le
echó de casa, narra batallas ganadas en clubes de alterne, las aventuras de unos
delincuentes infantiles, y hasta ofrece la visión de los acontecimientos del 11S
bajo la óptica de un joven árabe. Todo ello con el barniz rockero que siempre
ha sabido imprimir la banda a sus canciones; pero con un toque de fuerza
renovada que sólo puede provenir de lo auténtico.
La recuperación de la primitiva formación de trío devuelve al grupo la
inmediatez de los principios, con la potencia transgresora de Caramelos
podridos o la melancolía cínica de Tiempos nuevos, tiempos salvajes; pero con
temas nuevos, donde en El Demonio o en Motín en la prisión mantienen
vigente su sonido explosivo de siempre, o bien la tensión apenas contenida de
tiempos pausados como Libérate o Chica del Este.
El lanzamiento del disco y la nueva discográfica de Ilegales es un éxito, con
una entrada directa en las listas de Afyve, siempre entre los 50 primeros
puestos, en las primeras semanas del lanzamiento–(tres semanas consecutivas–
y la confirmación del lanzamiento a principios de este año en toda América del
Sur y EEUU.
www.lacasadelmisterio.com.
Viernes, 8 de agosto
SINIESTRO TOTAL
El 1 de abril 2008, la mítica banda viguesa publica un 2 cedé-deuvedé con
todos sus éxitos grabados en directo el mismo día, a la misma hora y en el
mismo lugar en el que dio su primer concierto… pero 25 años después.
«El criminal vuelve al lugar del crimen, sin nostalgia y sin arrepentimiento,
para celebrar una fiesta bestia sin concesiones. Que parezca un accidente es el
testimonio puro, duro y crudo de esa noche. Sin retoques de estudio y sin
cirugía tecnológica; todo lo que ocurrió está en este disco y todo lo que está en
este disco ocurrió». Así explica Siniestro Total su nuevo disco. El lugar de
autos es el Cine Salesianos de Vigo, donde el 27 de diciembre de 1981 el grupo
gallego dio su primer concierto. El 27 de diciembre de 2006, 25 años después,
en el mismo sitio, el mismo día y a la misma hora, Siniestro Total pisó el
mismo escenario –«Salesianos es el único local que sobrevivió, y aún
sobrevive, a una época gris de reconversión naval y aburrimiento adolescente»,
dice la banda– para hacer un repaso de 25 años del rock and roll más
consecuente que se ha hecho en España. 27 son las canciones, que recorren la
vida de Siniestro Total, grabadas por Julián Hernández –voz, guitarra,
armónica, mandolina–, Javier Fernández Soto –guitarra, voz–, Ángel González
–batería–, Jorge Beltrán –saxo, órgano, percusión– y Óscar Avendaño –bajo,
voz–, con la colaboración de David Rial –trompeta, sintetizador.
Que parezca un accidente es la historia de Siniestro Total, que es lo mismo que
decir una parte imprescindible de la historia de los últimos 25 años de rock en
España. La banda gallega nunca ha dejado la carretera; ha liderado épocas
boyantes y sobrevivido a momentos duros; se ha mantenido fiel a la
heterodoxia; ha volado por encima de movidas y etiquetas; se ha recreado
añadiendo imaginación a sus proyectos musicales… Así desde hace…
Siniestro Total se formó en 1981 en Vigo tras un accidente de tráfico «con
planteamientos iconoclastas y neo-dadaístas en los textos: punk rock gallego
contra el aburrimiento general». En enero de 1982 la banda formada entonces
por Julián Hernández, Miguel Costas, Germán Coppini y Alberto Torrado envió
una maqueta al programa Esto no es Hawai, de Jesús Ordovás, en Radio 3. En
noviembre de 1982, el primer álbum de Siniestro Total, ¿Cuándo se come
aquí? causa impacto en la escena rock española con una genial portada de
Oscar Mariné y canciones como Todos los ahorcados mueren empalmados o
Las tetas de mi novia. Con 15 temas grabados en tres días, el álbum se
convierte en éxito de ventas alternativas y deja el terreno abonado para el
lanzamiento en 1983 de El regreso. En 1984 aparece su tercer álbum Menos
mal que nos queda Portugal, en el que el punk deja paso al rock y al power
pop. En 1985 la banda publica su cuarto álbum, Bailaré sobre tu tumba, y
después llegarían discos como De hoy no pasa, 1987, Me gusta como andas,
1988, En beneficio de todos, 1990, el directo Ante todo mucha calma, 1992,
Made in Japan en 1993, Policlínico miserable en 1995 (con España se droga,
Depende, Y yo me callo…), Cultura popular en 1997 (con versiones de
canciones de 20 grupos españoles), Así empiezan las peleas, 1997, Sesión
Vermú, 1997, La historia del blues, 2000, el triple cedé ¿Quiénes somos? De
dónde venimos? ¿A dónde vamos? en 2002 y Popular, democrático y científico
en 2005.
Además, Siniestro Total ha colaborado con Álex de la Iglesia en las bandas
sonoras de las películas El día de la bestia y 800 balas; Julián Hernández ha
publicado libros como ¿Hay vida inteligente en el rock and roll?…
www.siniestro.com.
JAIME URRUTIA
Jaime Urrutia es un músico de la llamada Movida madrileña.
Fue miembro de Ejecutivos Agresivos, uno de los grupos seminales de la nueva
ola, de la que surgieron también grupos como Derribos Arias o Décima víctima,
y que iniciaron las hordas llamadas siniestras de la movida, cuyas principales
influencias eran combos británicos como The Cure, Joy Division o Bauhaus.
Cuando el grupo se disolvió, fundó junto a Ferni Presas y Edi Clavo, Gabinete
Caligari, cuyo nombre se basaba en la famosa película del expresionismo
alemán.
Tras una primera época oscura –con temas como Tren especial, Olor a carne
quemada y Cómo perdimos Berlín–, las composiciones de Urrutia fueron
siendo más eclécticas, recuperando temas ajenos al universo del rock en cuanto
a las letras, como aquellas que son estupendos lienzos del mundo del toreo –no
en vano su padre fue crítico taurino– y aderezándolas con melodías influidas
por la tarantela o el pasodoble.
Tras Gabinete Caligari, su primer disco en solitario fue Patente de corso, del
que se extrajeron temas como Qué barbaridad o Castillos en el aire.
Posteriormente editó El muchacho eléctrico. Ambos discos ampliaron la paleta
musical de este compositor madrileño que coqueteó con la bossanova y los
ritmos latinos. No obstante, Jaime Urrutia mantiene el pulso compositivo,
creando letras muy cercanas a cierta época de Gabinete, pero muy alejadas de
lo que es el patrón compositivo de los cantautores españoles.
Es curioso que a pesar de que Gabinete Caligari era un grupo solvente en vivo,
jamás editó ningún concierto grabado, excepto algunos temas sueltos en
algunas reediciones posteriores de sus discos. Sin embargo, el 20 de febrero de
2007 Jaime Urrutia grabó En Joy, su primer disco en directo en la sala Joy
Eslava junto a músicos de su generación como Ariel Rot y Loquillo y otros
tantos como Eva Amaral de Amaral, Dani Martín de El Canto del Loco o el dúo
Pereza, entre otros.
Jaime es requerido en muchas ocasiones por sus amigos para colaborar en sus
directos y discos, así ha participado en discos y actuaciones de Loquillo, Ariel
Rot, Amaral, Los Rebeldes, La Guardia, Burning…
En estos momentos se encuentra en plena gira presentando su disco en directo y
componiendo los temas de lo que será su próximo trabajo discográfico.
www.jaimeurrutia.com.
Viernes, 8 de agosto
Viernes, 8 de agosto
BURNING
Burning llevan mas de treinta años en el candelero. Han sobrevivido a sus
tragedias personales y los cambios propios de la música. Sin quererlo,
colocaron las primeras piedras de la trágica leyenda nacional del rock
escribieron los primeros himnos de la misma.
La música de Burning es canallesca, castiza, chulesca y nostálgica. Sus temas
nos transportan a las novias que nunca conocimos, las barras que nunca
soportaron nuestras penas y los cigarros que dejamos de fumar. Su música es
para perdedores, para solitarios, para los amantes del olvido, de historias
inconclusas, de ayeres y de ya te lo dije. Su verbo fácil, su mirada turbia y el
olor a humo son, para cualquier alma sensible, un dèja-vu. Ejercicios de
nostalgia que rememoran una escena no vivida sino por vivir.
En el año 74, con los últimos coletazos del régimen, cuando el barrio madrileño
de la Elipa era más barrio de lo que nunca ha sido, entre los discos de
estraperlo de los Rolling Stones y Deep Purple, aparece uno de los grupos que
lucen con todas las de la ley –no de entonces– la etiqueta de leyenda viva,
Burning. Tras editar sus dos singles debut en ingles I´m burning y Like a Shot
(1974 y 1975), el grupo soporta como puede sus conflictivas actuaciones, pero
salen de esa turbulenta etapa para volver a reinventarse y entrar en otra no
menos turbulenta que, al menos, es una de las más fértiles del grupo
discográficamente hablando. Madrid, El fin de la década y Bulevar se publican
entre los años 78 y 80. De aquellos años quedan grandes temas, pero sobre
todo uno que les abrió muchas puertas gracias a la película de Fernando
Colomo, donde además eran protagonistas junto a Carmen Maura, Qué hace
una chica como tú en un sitio como éste.
Para bien o para mal, el grupo siempre ha sido paradigma de la historia del
rock n’roll, salpicada de momentos tan sublimes como costosos a nivel humano.
Noches de rock´n roll marca el comienzo de una nueva etapa donde Risi y
Johnny continúan con la actividad del grupo sacando a la luz inmensos trabajos
que poco a poco van convirtiéndose en obras de culto, mientras uno y otro se
apoyan mutuamente en el escenario y fuera de él, llevando, nunca mejor dicho,
la voz cantante. Sin embargo, la incertidumbre vuelve a posarse sobre el grupo
años después, cuando una neumonía acaba con el castigado cuerpo de Pepe
Risi, un nueve de mayo de 1997, el mismo día y mes (distinto año) en el que
había fallecido Toño. A partir de entonces, comienza ese periodo de
incertidumbre que engloba el multitudinario homenaje a Pepe Risi, cargado de
cómplices guiños y homenaje a la trayectoria de un grupo que se sigue
sosteniendo en el tercer vértice de la leyenda, Johnny Cifuentes. Una noche sin
ti vuelve a contar con amigos de siempre y roqueros emergentes.
Con sus trastos y Johnny a la cabeza, Pinilla, Carlos y Kacho graban Altura,
que se edita en 2002. Entre 2004 y 2005 compaginan su interminable gira con
la grabación de Dulces dieciséis lo que es su nuevo disco.
Durante estos últimos años, Johnny es requerido para participar en multitud de
directos y de grabaciones. Así colabora en conciertos y discos de gente como
La Frontera, Jaime Urrutia, Pereza o La Guardia. En el 2007 realizan la gira
Conexión rock latino con los argentinos Mancha de Rolando. Ya en el 2008,
editan el disco Desnudos en el Joy
Burning son: Johnny Cifuentes; voz y teclados. Eduardo Pinilla; guitarra
acústica. Carlos Guardado; contrabajo. Kacho Casal, batería.
www.burning.es
Domingo, 10 de agosto
AURORA BELTRÁN
Aurora Beltrán nace un 26 de agosto del 64 en Pamplona, pero desde muy
pequeña vivió en Potasas, Navarra. A muy corta edad padece una enfermedad
que la obliga a permanecer muchas horas sentada. Es a raíz de esta situación
cuando su padre, para que distraiga tantas y tantas horas muertas, le regala una
guitarra. De este modo, Aurora a los 13 años ya compone su primera canción,
Muerte Ven, un tema que grabaría años más tarde en el primer disco de Tahúres
Zurdos. También tuvo sus clases de conservatorio (violín), las cuales se pagaba
tocando en orquestas de la localidad, circunstancia que le ayudará a tomar
tablas para su directo.
A mitad de los ochenta comienza su andadura musical a nivel profesional como
guitarrista de la all girls band Belladona, grupo navarro con el que grabaría el
elepé Las mujeres y los niños primero, para disolverse porco después.
En 1987 forma, junto a su hermano Lolo y dos viejos conocidos, Luis Salcedo
(bajista hasta 1990, sustituido por Juan Manuel Ugarte)) y Javier Lizarazu
(alias Punxes, batería), el grupo Tahúres Zurdos, con el cual alcanzaría fama en
todo el país gracias a una serie de discos que son historia viva del rock en
nuestro país. La influencia de la geografía es sin duda fundamental en la
orientación rock de la banda. Lolo y Aurora proceden de un pueblo de mineros
situado en Pamplona que ellos vienen a describir como «un pegote de hormigas
en medio del campo». Es interesante tener esto en cuenta para comprender ese
equilibrio que la banda tiene entre el rock duro urbano y su lado campestre,
casi country. Heterogeneidad musical que también se ve influenciada por la
mezcla de culturas que supone el que sus padres sean emigrantes andaluces.
Empiezan grabando una maqueta y girando por Navarra y otros lugares del
norte de España y empiezan a llevarla por las discográficas. Oihuka,
discográfica independiente de Pamplona, será quien finalmente se interese. El
trabajo contenía ya cuatro de las canciones que iban a quedar incluidas en su
primer mini-elepé, el homónimo Tahúres Zurdos (Oihuka, 1988), al que
seguiría en 1990 Tahuria, con el mismo sello.
El grupo, siempre ha reconocido múltiples influencias aunque con una base
rockera: The Who, Bowie, Led Zeppelin, Lou Reed y en general el rock de
finales de los sesetan y los setenta. El éxito de Una noche de amor, tema
incluido en su anterior disco, lleva al grupo a una multinacional. La posibilidad
de que el grupo pueda cambiar de orientación, como cualquier banda al fichar
por una major, estaba ahí. Pero la salida de Nieve Negra, 1991, disipó cualquier
duda. Le siguieron Árido, 1992, La Caza, 1994, Azul, 1996, Tak, 1998, El
Tiempo de la Luz, 2000, y el directo 17 Años, 2004, disco grabado en la Sala
Naboo, de Tudela, el 5 de diciembre de 2003, un perfecto broche final para la
carrera del grupo durante sus 17 años de existencia. En 2004, el grupo se
disuelve.
Además de su trayectoria con Tahúres Zurdos, Aurora tiene colaboraciones con
numerosos grupos y artistas españoles, tanto en grabaciones de estudio como en
directos. Ha colaborado, por ejemplo, con Babylon Chat, Estrago, La Fuga, Big
Member, Los Secretos, Amaral, Burning, Luz Casal, Barricada, Rosendo, Mägo
de Oz, Rafa Pons, Enrique Bunbury, Loquillo, Carmen París, Distrito Catorce…
Ahora Aurora Beltrán emprende su camino en solitario que no en soledad, está
bien arropada con las colaboraciones de Enrique Bunbury, Loquillo, Carmen
París.
Clases de baile es su propuesta… ¿Bailas?
www.aurorabeltran.com.
Domingo, 10 de agosto
DR. FEELGOOD
Dr. Feelgood se formaron en Canvey Island, Essex, UK a principios de los años
70 y desde entonces han sido una de las bandas de r&b mas apreciadas en todo
el mundo. Su estilo es un rhythm’n’blues crudo y sin compromiso que se
convirtió en una refrescante alternativa a la psicodelia y al hard rock reinante
por aquellos años, haciéndose muy populares en poco tiempo, especialmente
con la salida de su álbum Stupidity, que estuvo bastante tiempo en las listas de
éxitos y de discos mas radiados en media Europa y cuya música además era el
fiel reflejo de sus explosivos directos.
En 1994 después de la muerte por cáncer de Lee Brilleaux, su vocalista y
miembro fundador, el resto de la banda paró de actuar durante un año por
respeto a su líder y para decidir su vuelta a los escenarios, ya que los últimos
deseos de Lee Brilleaux fueron de que ellos continuaran. La formación actual
de la banda reúne al batería Kevin Morris que acompañó a Lee Brilleaux desde
1983, o sea durante 20 años, a Steve Walwyn en la guitarra desde 1989, a Phil
Mitchell al bajo desde 1983 a 1991 regresando al grupo de nuevo en 1995 y al
carismático vocalista y armonicista Robert Kane, ex componente de la última
formación de The Animals.
Dr. Feelgood grabaron excelentes canciones y algunas fueron grandes hits en
parte de Europa a lo largo de su carrera incluyendo She´s a Wind Up, Down at
the Doctors, Roxete, See You Later Alligator y Milk and Alcohol. El último
álbum grabado en directo con Lee Brilleaux fue Down at the Doctors.
En 1997 y para celebrar su 25 aniversario de permanencia en el mundo de la
música, Dr. Feelgood editaron un doble álbum titulado genéricamente Twenty
Five Years of Dr. Feelgood y también un libro documental muy recomendable y
a todo color titulado Down by the Jetty – The Story of Dr. Feelgood escrito por
el critico musical Tony Moon.
Dr. Feelgood están siempre muy solicitados, realizando una media de 200
conciertos al año actuando en los más importantes festivales de verano y en
interminables giras durante el resto del año por Inglaterra y por otros países
europeos, Alemania, Holanda, Bélgica, Suiza, Francia, Finlandia, Noruega,
Suecia, Italia, Portugal y España. También han actuado varias veces en Rusia y
otros países del Este y en 2002 hicieron una gira por Japón en donde nunca
habían actuado. La experiencia fue muy positiva, logrando reunir a muchos
fans de varias generaciones en todos los conciertos.
Dr. Feelgood también son muy apreciados por el público español desde sus
inicios, actuando regularmente a España todos los años, donde las críticas de
sus conciertos en diferentes diarios y revistas nacionales siempre han reflejado
su buen hacer en directo con titulares como: «…Entregados a su público…»,
«…Los Doctores de las buenas vibraciones…», «…Steve Walwyn, un guitarrista
muy respetado…», «…Con su nuevo vocalista Robert Kane tenemos Dr.
Feelgood para rato…», «Dr. Feelgood: imprescindible referencia del R&B…»,
«Sencillamente inmensos…», «Dr. Feelgood sembró el Blues en la sala…», «El
público enloquece con la solidez musical de Dr. Feelgood…», «La música de
los Dr. Feelgood es la música de la vida…».
www.drfeelgood.de.
Miércoles, 13 de agosto
CÓMPLICES
El grupo Cómplices nace en 1987 cuando Teo Cardalda y Germán Copinni
deciden deshacer su anterior grupo, Golpes bajos, para ir cada uno por su lado.
Cardalda decide formar Cómplices junto a su pareja María Monsonis y los
músicos Tino DiGeraldo y Billy Villegas. Su primer álbum, publicado en 1988,
lleva por título Manzanas y muestra un estilo más tranquilo al que hasta
entonces llevaba Teo. La popularidad del grupo aumenta con la publicación en
1989 de Ángeles desangelados. Por aquella época, el grupo se transforma y
queda configurado como un dúo, con Teo y María.
La danza de la ciudad en 1990, confirma a Cómplices como uno de los grandes
grupo comerciales de nuestro país, gracias a singles como Es por ti. En 1991
publican ‘Está llorando el sol’, con un notable éxito. En 1993 sale a la luz
Preguntas y Flores y un año después un concierto acústico titulado Básico.
Tras este trabajo, el grupo se toma un descanso, aunque Teo trabaja en
colaboraciones ajenas y prepara su debut en solitario con el álbum Uno,
publicado en 1995. El retorno de Cómplices con nuevo material se produce en
1999. Cousas de meigas incide en temáticas de su Galicia natal, tras lo cual la
pareja decide oxigenar ideas en la India para regresar con Cómplices en 2000.
Con el fin de aprovechar la fecha y hacer balance de sus más de 10 años de
historia, el grupo pone a la venta el recopilatorio Complicidad ese mismo año,
un doble compacto donde se recogen sus mejores momentos.
En 2006 Cómplices vuelve con el que seguramente es su mejor álbum, Hello
mundo cruel, una visión comprometida del mundo a través de la música, fruto
de sus vivencias en la India a donde viajan en varias ocasiones durante su
paréntesis musical. Tras esta experiencia humanitaria deciden crear la
Fundación Cómplices, promovida por María Monsonis, que dirige su ayuda a la
India a través de las Hermanas de la Caridad de Santa Ana. En este álbum cabe
destacar la originalidad de las armonías, el compromiso y el valor de las letras
en todos los temas. «A pesar de cómo están las cosas, merece la pena saludar al
mundo con optimismo cada día», afirma Cómplices. En Don’t cry repasan con
sensibilidad los problemas de la Humanidad. En Llámame –primer single del
álbum– nos recuerdan lo importante de estar siempre comunicado. Y en María
y Lo que siento, dos grandes baladas de amor y desamor, nos trasportan a lo
más puro de Cómplices, junto a temas nostálgicos como Saudade, Vitaminas de
calor y Nunca mais, donde nos narran sus vivencias personales.
www.complices.es.
Miércoles, 13 de agosto
LOS SECRETOS
Las buenas canciones perduran en el tiempo, se enredan en la memoria del
oyente, superan la indiferencia de los medios y se transmiten mediante el bocaoído,
premian a sus autores con la gloria de haber hecho feliz a algún oyente, o
a miles… Y Los Secretos atesoran un montón de buenas canciones que han
regalado felicidad al prójimo. Esa es una de las claves de la permanencia
durante 30 años de este grupo que pivotó alrededor de los hermanos Urquijo,
unos entusiastas de la música natural, de los temas que transmiten sentimientos
de verdad.
Son Los Secretos un grupo atípico, una banda de largo recorrido que ha huido
de las modas para refugiarse en un sonido propio, inimitable, atemporal, con el
que han escrito algunas de las mejores canciones del pop en español. Sabiendo
hacer de la nostalgia y los sentimientos a flor de piel una bandera bajo la que se
han refugiado miles de seguidores que avalan la trayectoria de la única banda
que sigue en activo de las surgidas en los primeros años ochenta.
Una cruda portada en blanco y negro fijaba en 1980 la imagen de Los Secretos
en su primer epé. Desde entonces y hasta la publicación en 2000 del
impresionante A tu lado-Un homenaje a Enrique Urquijo, la banda atravesó
diferentes etapas, marcadas por la crueldad de las muertes de varios de sus
componentes.
La carrera de Los Secretos es admirable; ha sabido sobrevivir a su propio éxito,
a los caprichosos cambios de las modas, a distintas formaciones, en definitiva
al bien y al mal del rock & roll. Y han sobrevivido con un sólo arma, las
canciones. Canciones que han aguantado el paso del tiempo y los cambios del
público porque son buenas en sí mismas, canciones que hace quince años
emocionaron a los quinceañeros y hoy siguen emocionando a los que han
cumplido los treinta y también a sus hijos, canciones sin fecha de caducidad,
con un sonido propio, el sonido de Los Secretos en el que han influido, y no
poco, Ramón Arroyo, uno de los guitarristas más versátiles y finos que se
puedan oír aquí, y Jesús Redondo, dueño y señor de unas teclas siempre
discretas, elegantes y generosas.
Los Secretos comienzan una nueva etapa, otra dentro de sus más de veinte años
en la carretera. A tu lado ha sido mucho más que un disco. Ha sido el homenaje
del pop español a Enrique Urquijo, encabezado por su hermano Álvaro, y por el
resto de la banda de Los Secretos. Álvaro Urquijo se lanza en un nuevo reto,
seguir haciendo canciones, cantando las canciones que salieron de una de las
bandas más emblemáticas del pop español, haciendo, a fin de cuentas, lo que
más les divierte hacer: canciones, canciones, canciones… Las buenas canciones
perduran en el tiempo, se enredan en la memoria del oyente, superan la
indiferencia de los medios y se transmiten mediante el boca-oído, premian a sus
autores con la gloria de haber hecho feliz a algún oyente, o a miles…
El pop español no sería el mismo sin ellos, sin su aporte de calidad, sin su
humildad para ser personas en lugar de personajes, artistas en lugar de estrellas.
Treinta años pueden ser como un premio, en el caso de Los Secretos es la
constatación de que es posible hacer las cosas de otro modo; de que, a pesar de
todo, hay esperanza.
Álvaro Urquijo –voz y guitarras–, Ramón Arroyo –guitarras–, Jesús Redondo
–teclado y coros, –Juanjo Ramos –bajo y coros– Santi Fernández –batería.
www.los-secretos.net.
Jueves, 14 de agosto
DISTINTAS RAZONES
Distintas Razones es un grupo de rock altoaragonés que nació en Aínsa
(Huesca) y que arranca como un proyecto personal del guitarrista y cantante
Ángel Arcas, pero que va tomando forma a medida que va incorporando a
músicos de su entorno como Marco Zaragoza –Devislay, Escoria Oriental o
Mescal– al bajo y Fer Fantova –Astral, Acria– a la batería. Graban, junto a
otros músicos invitados, un disco compacto titulado Sin tatuajes, con doce
temas en los estudios Kikos de Zaragoza en el año 2006. Cuentan para este
primer trabajo con el productor Richi Martínez.
El grupo ha ido evolucionando desde el pop primigenio hacia el rock con un
directo potente y sin concesiones. Las letras versan sobre relaciones
personales, como el amor, el desamor, el entorno social o la inmigración. Sus
canciones con potentes estribillos como el tema Sin Tatuajes,Recorriendo el
desierto y Roma muestran sus referentes stonianos o el influjo de los
irlandeses U2. El tema rockero de A las Diez o el acústico de Pantalón sin
bolsillos completan esta primera entrega.
Han realizado numerosas actuaciones por la geografía aragonesa como por
ejemplo en Zaragoza, Binéfar, Graus o el festival en la Línea de Fraga.
Actualmente están preparando su próximo trabajo discográfico centrándose en
el sonido deconstruido o lo que es lo mismo sonido básico de guitarra, bajo y
batería.
www.youtube.com/watch?v=kQH-r1Hru9A&feature=related.
Sábado, 9 de agosto
TEQUILA
A finales de los setenta revolucionaron el rock en españa. Fueron años de
éxitos, de grandes conciertos, de muchas emociones… Y en 1982 decidieron
poner punto final a su trayectoria, dejando tras de sí cuatro discos de estudio
con himnos generacionales como Rock&Roll en la plaza del pueblo, Dime que
me quieres o ¡¡Salta!!
Ahora, tras más de 25 años, vuelven Tequila para volver a defender un
repertorio que ha ganado seguidores con el paso de los años y para ocupar su
lugar dentro del rock español. La idea de volver a juntarse surgió en la cabeza
de Alejo tras ver en la tele a The Police y, tras comentárselo a Ariel, se pusieron
manos a la obra. «Tocamos una después de otra y vimos que funcionaba. Lo
pasamos genial», comentaba Ariel. Así volvió a comenzar todo y, gracias en
parte a The Police, podemos volver a bailar con Tequila en todo su esplendor.
La banda hispano-argentina, pionera del rock en castellano, regresa a los
escenarios 25 años después de su disolución. Alejo Stivel, Ariel Rot y Felipe
Lipe, miembros de la formación original estarán acompañados de Josu García a
la guitarra –Tercera República–, que ocupará el puesto de Julián Infante, el
batería Daniel Griffin en la posición de Manolo Iglesias y el argentino Mauro a
los teclados.
Surgieron a finales de los 70 y revolucionaron el rock en España sembrando
precedente para grupos ochenteros. Su primer disco en 1978, Matrícula de
Honor, se abría con Rock & Roll en la plaza del pueblo, un himno que proponía
el rock como liberación. Irrumpieron con fuerza en la música del país y
saltaron a la fama sin esfuerzo. Después vinieron Rock & Roll, en 1979, Viva
Tequila, en 1980 y nos dejaron con Confidencial, de 1981.
Su retirada del panorama musical fue una sorpresa para todos, en pleno éxito se
disolvieron dejando a medias un quinto álbum. También grabaron un disco en
inglés por petición de una compañía japonés.
El retorno de la banda no traerá cambios importantes con respecto a los temas
que ya conocemos. Ha publicado un cedé deuvedé, Vuelve Tequila, recién
publicado.
www.vuelvetequila.com.
Viernes, 15 de agosto
EL FACTOR HUMANO
El Factor Humano es un grupo que ha despertado una gran expectación ya
desde sus inicios. Y todo gracias a un directo arrollador que deja entrever un
futuro lleno de esperanzas para todo aquel aficionado que disfruta de buena
música soul, funk, blues y otras raíces afroamericanas. Su sonido se caracteriza
por una sólida base rítmica y una potente sección de vientos cercanas al espíritu
de las de James Brown y Sly y su familia Stone. Ojo al pedazo de guitarrista.
Carlos. Energía desbordante, una chispa infinita, pata negra. Estilo único. Y la
voz cantante de todo esto es Jorge. Principal compositor, arreglista y productor
que, además de darle a la guitarra y a la armónica, canta con deje soul, próximo
a maestros como Curtis Mayfield y Marvin Gaye. Canciones cantadas en
castellano y con personalidad propia. Música vibrante y directa, hecha con las
tripas. Hierro forjado en guante de seda
www.myspace.com/elfactorhumano
Viernes, 15 de agosto
SHEMEKIA COPELAND
Cuando Shemekia Copeland hizo su primera aparición en un escenario en 1997,
con el debut de su cedé Turn The Heat Up, rápidamente se convirtió a sus 18
años, en una gran estrella. La crítica coincidió en señalarla como una gran
promesa, un huracán por moldear y fans de todas las edades coincidieron en
que un nuevo talento había llegado. Shemekia lanzo dos cedés más, el
nominado a los Grammys del año 2000, Wicked, y en 2002 Talking To
Strangers. Su nuevo cedé, The Soul Truth, es el mas funky, profundo y
excitante de todos los realizados por Shemekia. Producido por el guitarrista de
Stax, Steve Cropper, que colabora en el cedé, el álbum se adentra en el espíritu
del soul clásico de Memphis, pero al mismo tiempo es contemporáneo. Con la
poderosa voz de Shemekia, es una impresionante mezcla de rock, soul y blues.
Nacida en Harlem, Nueva York, en 1979, Shemekia comenzó su carrera
musical despacio. «Nunca supe que quería cantar, hasta que me hice mayor»,
dice, «pero mi padre siempre lo supo, desde que era un bebe. El sabía que iba a
ser cantante». Su padre, el legendario y ya fallecido, guitarrista Johny Clyde
Coppeland, se dio cuenta del talento de su hija, cuando ésta no era más que un
bebé. Él siempre le animó a cantar en casa, e incluso la llevó con él al
escenario del famoso Cotton’s Club de Harlem, cuando solo tenía 8 años. A los
15 años, Shemekia comprendió que lo que quería hacer en su vida era cantar.
Su pasión por cantar, unida a su increíble y tremenda voz le da un poder en el
escenario que solo unas pocas señoras del blues han conseguido. Se le compara
con unas jóvenes Etta James, Koko Taylor, Aretha Frankin y Ruth Brown, pero
Shemekia que creció en las duras calles de Harlem, tiene su propia historia que
contar. Aunque educada en el blues tejano de su padre, la música de Shemekia
viene de dentro, de una mezcla entre su alma y las calles en las que se crió.
A los 16 años, Shemekia comenzó a actuar con su padre, convirtiéndose en su
gran telonera. Johnny estaba ya muy enfermo, pero continúo con sus
actuaciones, ya que quería que su hija fuera conocida, y sabía que la
experiencia en los escenarios era muy importante para ella.
Sin llegar a la treintena, Shemekia continúa sus conciertos por todo el mundo.
Comparte escenario en los más prestigiosos festivales –el Chicago Blues
Festival, el Montreaux Jazz Festival o el New York State Blues Festival–, con
algunos de los más grandes, como B.B. King, Dr. John, Koko Taylor y muchos
otros. Se ha convertido en la heredera de grandes voces como Aretta Frankin,
Etta James y Ruth Brown y atesora un palmarés con cuatro premios W.C
Hardy, cinco Living Blues y una nominación al Grammy.
Una de las más importantes lecciones que Shemekia ha aprendido en este
tiempo es la importancia de cantar desde el corazón. «Nadie quiere escuchar a
alguien que canta solo para ganar dinero. Uno tiene que cantar porque necesita
hacerlo». La voz de Shemekia, unida a las lecciones aprendidas de su padre y a
su necesidad de cantar han hecho de ella una cantante excepcional con
seguidores de todas las edades. Shemekia ha creado sus propias señas de
identidad. Vocalista apasionada, se le puede calificar como el puente entre el
soul sureño de sonidos gospel y el blues tejano que le viene de herencia.
Caliente e inolvidable, nos lleva a través de un espectáculo en el que se puede
sentir la fuerza de la naturaleza. Con un sonido entre chispeante y atronador,
nos trae olas de energía y emoción. Posee una gran elegancia y llama la
atención el cuidado detalle en todo lo que hace. Canta canciones modernas en
las que esculpe un sólido blues. Su sonido es cálido, con un adecuado susurro
que hace que no puedas distraerte ni un segundo.
www.shemekiacopeland.com.
Sábado, 16 de agosto
MAFALDAARNAUTH
Nacida en Lisboa en 1974, Mafalda Arnauth es una apasionada de la música
desde muy joven. Con la frescura característica de una voz joven y sin vicios,
cautivó primero por su espontaneidad, después por hacer presente la memoria
portuguesa colectiva a través de un repertorio de éxitos antiguos y finalmente,
por su propia naturaleza, composiciones y personalidad.
A los 24 años inicia su carrera con su primer álbum, producido por Joao Gil,
que gana el Premio Revelación del Semanario Blitz. Al año siguiente es
nominada para los Globos de Oro, categoría de mejor intérprete. En sus
conciertos, que va ofreciendo por todo el mundo, su espectáculo adquiere
definitivamente una personalidad propia; Mafalda se revela a través de sus
temas, y va surgiendo en ella la necesidad de ampliar su repertorio para aportar
así su grano de arena a la cultura de su país. En marzo de 2001 edita su
segundo trabajo discográfico, Esta voz que me atraviesa, esta vez con la
producción de Amélia Muge y José Martins, y con los músicos Ricardo Rocha
–guitarra portuguesa–, José Elmiro Nunes –guitarra– y Paulo Paz –contrabajo.
Poco tiempo después, Mafalda se convierte en la primera artista portuguesa
representada internacionalmente por la Virgin Records.
En octubre de 2001, presentó su segundo concierto en la capital portuguesa:
esta vez cuelga el «no hay billetes» con semanas de antelación en la sala de la
Culturgest. De nuevo, este concierto marca el inicio de una tournée por varias
capitales de Europa, en la que se muestra como una artista más rica, más
realizada, absolutamente más real y definida por su repertorio enriquecido y por
la madurez de un período de trabajo sin treguas.
Asumiendo la producción de su tercer álbum, el fado de esta artista abandona
casi por completo la fatalidad, la desgracia y la sombra. La tristeza le sirve de
alimento para la esperanza; los sufrimientos, de inspiración; las dificultades, de
fuerza y aliento. 2003 será para siempre un año de gracia ya que asiste al final
de la grabación este tercer trabajo con la satisfacción de quien ha alcanzado una
paz de espíritu que sólo es posible cuando se consigue lo que se está buscando.
En 2005 ve la luz Diário, el disco que consagra definitivamente a una Mafalda
Arnauth realmente madura, que abandona el hermetismo del fado y se lanza a
experimentar felices encuentros con otros registros musicales, en obras de
compositores extranjeros: Tom Jobim, Vinicius de Moraes, Aznavour, Lasuen…
El fado no deja de estar ahí; ahí están sus formas, sus parámetros. Pero ahí
sentimos también a una Mafalda más segura y decidida que nunca, a quien el
dominio del fado otorga competencia para reencontrarse con el género de otra
manera, la suya. Porque, como no podía ser de otra forma, este es un Diário
intransferible, lleno de honestidad, cuyas páginas ha escrito en momentos de
alegría, angustia, desilusión, ensoñamiento… Momentos ajenos que
inevitablemente sentimos como propios.
Ahora, Mafalda Arnauth presenta en directo Flor do Fado, un espectáculo
basado en su mejor cancionero, al tiempo que interpreta también una cuidada
selección de grandes temas de la historia de la música portuguesa, y algunos
temas originales de nueva creación. En escena, Mafalda hace gala de una fuerte
presencia, de una gran capacidad de seducción, de gracia y simpatía, de rigor y
de interacción con la audiencia. Aclamada por la crítica –tanto la portuguesa
como la internacional– Mafalda Arnauth se ha ganado su espacio entre las
mejores fadistas de nueva generación.
En escena, Mafalda Arnauth –voz–, Paulo Parreira –guitarra portuguesa–,
Carlos Garcia –guitarra clásica– y Marino de Freitas –bajo acústico.
www.mafaldarnauth.com.
Sábado, 16 de agosto
PABLO MILANÉS
Con el sugerente título de Regalo, el cantautor Pablo Milanés ha concebido su
última producción discográfica (2008) que representa, en este momento de su
larga y exitosa carrera artística, un punto de inflexión con respecto a sus
trabajos más recientes. El artista obsequia 10 cortes que comenzaron a
generarse en enero del año 2006 con el tema El largo Camino de Santiago
para dar comienzo, al igual que el peregrinar jacobeo, un viaje musical y
poético novedoso. En lo que al aspecto musical se refiere, en este disco Pablo
Milanés se ha incursionado en el jazz pero sin abandonar los temas de corte
lírico; aunque sin duda la mayor novedad reside en que todos los arreglos
musicales y la dirección artística de este trabajo son del propio Milanés. Autor
además de todas las músicas y letras, el artista nos ofrenda un rico universo
creativo que revela sus más íntimas emociones –Matinal, Regalo–, pero
también se inquieta y reflexiona ante grandes cuestiones de la sociedad y el
tiempo en el que vive, piensa y canta –La Libertad, Suicidio y Dos preguntas
de un día. A pesar de la actualidad que derrocha este disco, el artista vuelve a
recuperar alguna composición de sus primeros años, Paloma que quiso volar,
1963.
Pablo Milanés no solo es toda una institución de la música hecha en Cuba, sino
uno de los artistas más prestigiosos del ámbito latinoamericano. Su nombre se
asocia a una larga lista de prestigiosos artistas, exponentes todos ellos de la
canción contemporánea, que como Chico Buarque, Caetano Veloso, Simone,
Milton Nascimento, Elba Ramalho, Mercedes Sosa, Daniel Viglietti, Violeta
Parra, Víctor Jara, Soledad Bravo, Joan Manuel Serrat, Guadalupe Pineda o
Tania Libertad no han tenido reparo en cantar sus canciones.
Nacido el 24 de febrero de 1943 en Bayamo, Cuba, después de realizar
estudios en el conservatorio municipal de La Habana se dedica a perfeccionar
la interpretación a guitarra y en 1959, con 16 años, inicia una larga andadura
profesional que le trae hasta nuestros días. Antes de que alumbrara en compañía
de Silvio Rodríguez lo que genéricamente se conoce como la Nueva Trova
Cubana, formó parte de las agrupaciones Cuarteto del Rey y Los Bucaneros,
trabajando también como solista. Algunas de sus primeras interpretaciones lo
acercan a la corriente de la canción cubana que ha recibido el nombre genérico
de feeling. Una de sus canciones, Mis 22 años, es para muchos el punto mas
claro de entronque entre esta corriente y la nueva trova.
Como compositor ha recorrido diversos géneros de la música popular cubana,
sobre todo el son. Perteneció en 1968 al centro del Centro de la Canción
Protesta de la Casa de las Américas junto a Silvio Rodríguez y Noel Nicola. Un
año más tarde, en 1969, inicia una nueva etapa en su carrera profesional con el
Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC. Durante este período que se
extendió hasta 1975 –fecha en la que constituye su propio grupo
independiente–, Milanés realizó estudios de composición, armonía, contrapunto
y orquestación, con los maestros Leo Brouwer, Federico Smith y Juan Elósegui.
Paralelamente, a lo largo de estos años, compuso música para siete
largometrajes y más de treinta documentales y series de televisión.
Su catálogo discográfico lo conforman más de 30 álbumes, constituyendo uno
de los tesoros musicales más ricos de Latinoamérica.
www.milanespablo.com.
Domingo, 17 de agosto
REINCIDENTES
Grabado en Sevilla en febrero de 2008, el nuevo disco de Reincidentes es un
tributo a la música popular latinoamericana y por eso se llama América:
canciones de ida y vuelta. Supone el disco número 15 en su carrera, que
empezó en Sevilla hace 21 años. Como música popular, Reincidentes entiende
desde la canción de autor hasta el rock que se hace en Latinoamérica. Un
viajecito que pasa por Pablo Milanes, Yo pisar las calles nuevamente; el
argentino León Gieco, La memoria; Gian Franco Pagliaro, Yo te nombro;
Tijuana no, Transgresores de la ley, con su rock mexicano; Los Jaivas, Todos
juntos; Silvio Rodríguez, Playa Girón; Titas, Tudo o que voce quiser, por
primera vez Reincidentes cantan en portugués; Ali Primera, Casas de Cartón;
Attaque 77, ¿Cual es el Precio?; Los prisioneros, Quieren dinero; Guillotina,
Entre una multitud; Divididos, El burrito; La Chancha, Comerse un Buey, rock
desde Uruguay; Ignacio Cabañas, Asalto a Madera. Portadores de un orgulloso
espíritu de lucha y denuncia social, Reincidentes hacen suyas estas canciones,
estos mensajes, añadiendo su grano a la hora de añadir arreglos,
experimentando en algunos casos, sorprendiendo en otros.
Reincidentes demuestra hasta qué punto el rock´n´roll de vena comprometida
era una asignatura pendiente en el panorama musical español. Pero a finales de
los años ochenta, cuando comenzaron su andadura, era difícil anticipar que una
propuesta de estas características tenía futuro. El primer golpe de fortuna del
grupo fue el acceso al estudio de grabación de Juanjo Pizarro y ganar el primer
Concurso de Rock de la Diputación de Sevilla, en 1989. Su primer disco fue
Reincidentes,1989.
En 1992, los Reincidentes se han hecho su hueco en el rock alternativo en ese
espacio de conexión entre la música urbana y la protesta social, y entre el punkrock
y el heavy-rock; pueden así experimentar en esa tierra de nadie con
holgura. Con ¿Dónde está Judas? logran dar la nota discordante en la Expo del
92 y de vuelta de las Américas, experimenta su segunda gran transformación:
Selu deja el grupo y en su lugar se incorpora Finito de Badajoz Candy, un
guitarrista extremeño colorista y personal. El trío con viento ha pasado a ser
cuarteto, una formación más adecuada a la creciente incorporación de líneas de
melodía procedentes del heavy dentro de la aceleración y la estructura de
rock’n’roll de los temas.
En 1998, Algazara es el resumen de una carrera de fondo iniciada más de diez
años atrás y basada en la rotundidad de las actitudes, la permanencia del
compromiso y la búsqueda de la calidad al servicio de una causa más allá de la
música. Dos años después reaparecen con ¿Y ahora qué?, investigación en el
filo de la navaja entre el punk y el rock urbano, entre la tradición española del
heavy y la evolución general del rock´n´roll susceptible de aclimatar mensajes
críticos y arengas comunitarias.
Su proyecto de sello discográfico, La Otra Orilla, en 2003, quiere dotar a
Sevilla de una infraestructura roquera y concienciada, de lo que ellos nunca
pudieron disfrutar en sus inicios.
Cumplido ya el vigésimo aniversario de su carrera, el grupo, que comenzó
siendo «la banda andaluza del rock radical vasco», es uno de los nombres
perdurables del punk rock político estatal, y a día de hoy mira más hacia
delante que hacia atrás, con el ánimo resplandeciente tras sus recientes visitas a
Latinoamérica. Reincidentes muestran su veteranía con energía renovada,
dispuestos a poner de largo sus últimas reflexiones sobre el mundo en forma de
canciones.
www.reincidentes-sca.es.
Domingo, 17 de agosto
BARRICADA
Barricada se formó en 1982. Han pasado ya 26 años… Enrique Villareal, El
Drogas, bajista y vocalista, Javier Hernández, Boni, guitarra y vocalista,
Alfredo Piedrafita guitarra y coros y Fernando Coronado batería y coros, los
cuatro son los autores de las más de cien canciones publicadas en quince
potentes trabajos realizados a lo largo de su ya dilatada carrera. Éxitos en la
historia del rock&roll estatal tan conocidas como En blanco y negro, Contra la
pared, No hay tregua, Ocupación… Ahora Ibon Sagarna, Ibi, sustituye a la
batería a Fernando Coronado.
En el año 1983, un año después de su formación, el grupo hace su primer
concierto oficial en Pamplona, teniendo un impresionante éxito que les lleva a
firmar su primer contrato discográfico con una compañía independiente y con
ella graban sus dos primeros elepés Noche de rock&roll y Barrio conflictivo.
Durante el parón del grupo de dos años, aparecen tres nuevos trabajos en
solitario de tres de sus miembros: El Drogas con La Venganza de la Abuela,
Fernando con Doblefilo y Alfredo con In Vitro. En el 2000, el grupo firmó
contrato con DRO y sale al mercado Acción Directa. Su último álbum
Bésame… , publicado en Marzo de 2002, es una vuelta al más puro rock&roll
de Barricada. Después de este disco, en medio de su gira a finales de octubre,
el batería Fernando Coronado abandona; lo reemplaza Ibon Sagarra.
A finales del 2003 aparece Un camino de piedras-Tributo a Barricada, un disco
homenaje donde grupos de todo tipo –de Burning a Calamaro, de La Polla a
Loquillo– dejan su pequeño homenaje a este grupo que ha mantenido una
fuerte fidelidad a sus principios.
Barricada grabó en los Estudios Gárate su nuevo trabajo: Hombre mate hombre,
junto al ingeniero-productor Haritz Harreguy. Doce temas de factura 100%
Barricada que continúan su línea reivindicativa. La primera edición del disco se
acompaña de un deuvedé con los mejores momentos del concierto que
ofrecieron en Villava el en diciembre de 2003 el mismo día que les daban una
calle conmemorativa de Barricada y eran acompañados sobre el escenario por
un montón de amigos de otros grupos. Sean bienvenidos fue su primer single…
Latidos y mordiscos, por primera vez Barricada también en acústico. Con este
trabajo, dieron un nuevo empujón a su carrera, arriesgando y presentando
conciertos en eléctrico y en acústico. He aquí a Barricada mordiendo y
latiendo al rojo vivo en clave de rock, de soul por momentos (¡vaya pasada!) o
en formato acústico: electrizantes en cualquier caso, bombeando rocanroll a
diferente intensidad. Y poco más que añadir, inserta el deuvedé en el
reproductor y empieza a vibrar. Sean bienvenidos, que la banda va empezar a
tocar. Sigan siendo bienvenidos..porque los Barricada siguen festejando sus 25
años de rocanrol, como dicen ellos..
Con un disco de diamante en sus manos por el más de un millón de copias
vendidas en el mundo durante toda carrera, con las nominaciones al Príncipe de
Viana y con un sello conmemorativo emitido por la casa de la moneda..los
Barri arrasan allí donde se presentan con su rock creíble y por el que no pasan
las modas. Siguen con la misma fuerza y caña de hace 25 años, con conciertos
que duran casi 4 horas y repertorios con más de 25 hits…¿quién puede
competir con ellos?
Barricada une a distintas generaciones que siguen queriendo volver a escuchar
En blanco y negro, Oveja Negra, balas blancas y ahora con temazos como Solo
quiero tu boca.
www.barricada.com.es.
NOTAS
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