ANTONIO CÓRDOBA EXPONE EN LA SALA DE EXPOSICIONES DEL CENTRO SOCIOCULTURAL FERNANDO DE LOS RIOS UNA RETROSPECTIVA SU OBRA “RECUERDOS DEL VIENTO”

El artista plástico Antonio Córdoba Fernández expone en la Sala de Exposiciones del Centro Sociocultural Fernando de los Ríos entre el 15 de julio y el 7 de agosto de 2022  una retrospectiva su obra “Recuerdos del viento”

Teniendo como hilo conductor el recuerdo y las experiencias vivenciales del artista, Recuerdos del viento es un viaje que explora el fenómeno de la percepción humana en el que artista Antonio Córdoba usa la sugerencia como el pilar central que sostiene su obra planteando perspectivas imposibles y composiciones arriesgadas que invitan al espectador a formar parte de la misma.

El titulo de esta muestra responde a una selección muy cuidada de obras con una elevada carga emocional del artista, en palabras del mismo: “…Hoy me encierro entre mis recuerdos llamémoslos, pinturas, dibujos, grabados o poesías. Mis recuerdos son como las hojas de un árbol, hay miles, todas necesarias para el sustento del mismo, pero debo hacer una selección para mostráoslos sin que pierda la esencia de mi vida, el árbol debe seguir respirando, pero cuáles quitas o cuáles pones, hacer ese balance es difícil, melancólico, pero alegre por saber que volverán a ser observadas, que mirarán al que los mira, que se reflejarán en su pupila, sintiéndose vivas y haciendo que yo vuelva a respirar por mí mismo sin esos lujos artificiales enlatados…”

En la que el dibujo adquiere un importante protagonismo respecto de otras muestras del artista de escenas familiares o cotidianas que brotan en su mente para luego plasmar en sus obras un tinte poético que lo distingue.

Recuerdos del viento es una muestra en la que la interacción entre el visitante, los recuerdos y la obra de arte es fundamental, la monumentalidad de una catedral, como marcado recuerdo del artista que ha definido su obra creativa desde sus inicios, el silencio de unas ruinas de la Lepcis Magna de Libia, o la ausencia de ruido alguno en la ciudad, por un instante, mientras cruzamos el paso de cebra, es ese silencio efímero que nos provoca lo que nos gusta, que surge ante la obra de Antonio Córdoba y que sumerge al espectador en la creación de este artista cuestionando la importancia de la existencia humana a través de ese dualismo presente en la exposición entre la naturaleza y el poder humano para transfórmala.

Recuerdos del viento no es una exposición casual, aquí y ahora, sino que surge de la vinculación de Antonio Córdoba a Albolote ya que su Ayuntamiento fue uno de los primeros en apostar su creación pictórica a través de la tradicional exposición de artes plásticas de sus fiestas, el año 1998, por ello, el artista, con una amplia y reconocida trayectoria artística de más de 20 años ha querido volver a la Sala de Exposiciones del Centro Sociocultural Fernando de los Ríos para hacer balance a través de esta muestra.

 TITULO: Recuerdos del viento ARTISTA: Antonio Córdoba Fernández
TECNICA O MODALIDAD: Pinturas y obra gráfica (grabados y dibujos)
LUGAR: Centro Sociocultural Fernando de los Ríos. C/Pintor Manuel Rodríguez, s/n 18220 Albolote (Granada)  
FECHAS: Desde el 15 de julio al 7 de agosto de 2022
HORARIO DE VISITAS:  Del 15 de julio al 3 de agosto de 17:00 H a 21:00 H. 4, 5, 6 y 7 de agosto de 20:00 H a las 00:00 H.  
INAUGURACIÓN: Viernes 15 de julio de 2022 a las 20:30 horas.

EL CAC MÁLAGA PRESENTA “PLOTTING UPON THE PASSAGE OF TIME”, LA PRIMERA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL DE PHIL FROST EN EUROPA

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta por primera vez en Europa del artista Phil Frost con la exposición Plotting Upon the Passage of Time comisariada por Fernando Francés. La muestra comprende una selección de obras, pinturas sobre lienzo, madera y puertas encontradas, que han sido realizadas a lo largo de su trayectoria artística, desde 1997 hasta la actualidad. Su trabajo se arraiga en las sensaciones, la percepción, el medio ambiente, la memoria y la imaginación, que surge de emociones tumultuosas a través de un proceso meditado y calculado. En sus obras, el artista incluye objetos pegados como coches de juguete, piedras pequeñas, botellas con botones o latas, entre otros, utilizando como soporte lienzos, madera o puertas.

Phil Frost posee un estilo personal muy marcado en el que mezcla patrones, colores y texturas estableciendo su lenguaje propio y reconocible. Sus obras se presentan con una multitud de capas en la que son característicos sus cabezas con cuellos alargados, el uso del collage, letras y dibujos realizados en blanco con bolígrafo de líquido corrector, o pintura en espray, además de la presencia de objetos adheridos que el artista ha ido recogiendo como cómics, monedas, partes de matrículas, números de casas, latas de refresco o bobinas, entre otros.
 
Para el comisario de la exposición, Fernando Francés, el artista muestra un misticismo ancestral en su obra, tanto que solo con el corazón se puede entender su laberinto barroco de textos, imágenes, retratos y objetos. La simbología de su obra lo traslada a territorios límites entre la razón y lo que es inexplicable para el ser humano.
 
Las obras de Frost son reconocidas por las diferentes capas donde se aprecian una diversidad de colores y texturas junto a patrones blancos con letras y/o símbolos en las que destacan sus pinturas de técnica mixta (tinta, acrílico, óleo, lápices de colores y collage) además de  sus elementos escultóricos a los que incorpora objetos encontrados.
 
Su carácter perfeccionista hace que se aísle de la realidad en su estudio en el que puede trabajar en una obra durante varios años hasta que la considera terminada debido a la cantidad de capas que hay en cada una de sus obras. Hay una primera capa realizada con collage de periódicos o páginas de cómic sobre la que luego pinta con acrílico y espray y remata con típex, su marca personal, diseñando una especie de mascaras tribales. El líquido corrector que utiliza parece formar un código o lenguaje, compuesto de letras, corazones, puntos y rostros, que recuerdan el arte tribal e indígena. Estos símbolos, a los que el artista se refiere como “distinciones glíficas” están pintados sobre fondos muy texturizados como se destacan en algunas de sus obras como  Untitled (2007-2014); Untitled (1999) o Accumulated Field of Perceptive Experience (2002-2014), entre otras.
 
El origen de estos potentes patrones gráficos, procede de su interés por los diferentes dialectos y lenguajes, de ahí, su personal tipografía, con la que escribe en un híbrido de numerosos lenguajes, tanto reales como imaginarios. Estos patrones tienen un código arcaico compuesto por símbolos, letras, corazones, puntos y formas similares a máscaras, cuya apariencia oscila entre lo moderno y lo primitivo, entre la abstracción y la representación.
 
En este proceso, el artista ha ido evolucionando hasta conseguir trazar estas construcciones de sonidos, creando formas lineales que se entrelazan con las tipografías, además de con los materiales recogidos y los bustos figurativos o cabezas aisladas en el espacio del plano pictórico.
 
Entre las capas de sus obras, cabe destacar la presencia de personajes con rostros alargados y cuellos estilizados, que recuerdan a tótems o máscaras tribales. Estos personajes son los elementos formales que marcan los principales ejes de sus complejas composiciones.
 
Por otro lado, sus pinturas poseen una vibrante paleta de colores destacado por los grises, marrones, rojos, amarillos, rosas, naranjas y verdes, además de otros colores como dorado, magenta y azules.
 
Phil Frost pasó su infancia en zonas rurales del oeste de Massachusetts, en sus paseos por campos de cultivo y bosques indios encontró hachas y puntas de flecha. Este hecho le servirá de inspiración cuando comience a trabajar con objetos encontrados, una metáfora de cómo el ahora provoca una experiencia en el tiempo y en el espacio que se forma física e intuitivamente desde lo que hay en torno a él.
 
El artista se sirve de los objetos más variados rescatados de la obsolescencia y del olvido y los recupera como soporte de sus complejas estructuras que parecen repetitivas, pero son a la vez totalmente nuevas, composiciones de naturaleza espiritual que transmiten una vibración interna reflejo de su profundo panteísmo.  Como en Two Busts of Liminal Experience (2007-2014) en la que el artista ha integrado una escalera, Accumulated Field of Perceptive Experience (2002-2014) en el que ha incluido botellas de cristal o Collapse of Fleeting Experience (2004-2014) en el que se observan unos guantes de boxeo y un bate de béisbol, entre otros.

En Plotting Upon the Passage of Time, destacan sus obras más recientes, acabados en 2021, que se exponen por primera vez mediante una selección pinturas sobre puertas de madera. Estas puertas encontradas y reutilizadas por el propio artista, han sido intervenidas y aprovechadas como soporte para pintar. Las puertas reúnen todos los elementos característicos y recurrentes de su iconografía, cabezas con cuellos alargados, uso del collage y letras, dibujos realizados con líquido corrector o espray, una apariencia totémica, barroquismo y toda una serie de objetos adheridos que el artista ha ido reutilizando como cómics, monedas, partes de matrículas, números, latas, bobinas, botellas, pinceles, una escalera o bates de béisbol, otros que introducirán al visitante en el particular y original cosmos de Phil Frost.
 
También puede verse una selección de obras realizadas en colaboración con otros artistas, de su época más temprana influidos por la cultura pop y el arte urbano. Entre ellas, las obras sobre papel realizadas junto a KAWS donde se aprecia la silueta de uno de sus personajes característicos conocidos como COMPANIONS o la pintura sobre madera en colaboración con Shepard Fairey (OBEY) en la que está presente su conocido personaje como André the Giant, el retrato de una estrella de la lucha libre, que posteriormente transformó en la campaña mundial OBEY GIANT.
 
Phil Frost (Jamestown, Nueva York, 1973) es un artista autodidacta, su interés por la expresión plástica se despertó en contacto con el mundo del grafiti y el underground. Entre sus exposiciones individuales cabe destacar Ellipse of Passage, Galería Javier López y Fer Francés, Madrid (2018); Magnetic Shift, Corning Tower Concourse Level – Empire State Plaza, Albany, Nueva York (2016); The Solace of The Sword, Ace Gallery, Los Ángeles (2013); mALORsUDas sOlarMB: Selected Works by Phil Frost, University Art Museum, Albany, Nueva York (2004); Soalmb Seven, Pennsylvania Academy of Fine Art, Philadelphia, Pensilvania (2002); Untitled, Spiral Museum Cultural Center, Tokio (2001) o Bolsar 7, Jack Shainman Gallery, Nueva York (1998), entre otras.
 
Phil Frost fue galardonado con el Pernod Award en 1996 y en 2004 recibió el Pollock – Krasner Foundation Award, así como becas de la New York Foundation for the Arts y la Louis Comfort Tiffany Foundation

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LA SALA TEMPORAL DEL MUPAM MÁLAGA INAUGURA  LA PRÓXIMA SEMANA UNA EXPOSICIÓN DE FERNANDO DE LA ROSA

La Sala Temporal del Museo del Patrimonio Municipal ofrece desde el 10 de marzo hasta el 29 de mayo la exposición titulada ‘Paisajes del tiempo’ con obras del artista malagueño Fernando de la Rosa. La entrada al Museo del Patrimonio Municipal es gratuita y puede visitarse de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Esta muestra, comisariada por Antonio Lafuente, está compuesta por casi medio centenar de obras con algunas imágenes de los collages y óleos sobre papel realizados por Fernando de la Rosa en los últimos años, incluido el año de confinamiento (2020). En este tiempo continúa una serie iniciada bastantes años atrás y que se llamó “visitaciones” (2014), en la que utilizaba viejas fotos familiares para recrear escenas y espacios entre los grises y sepias del pasado. A ellas se unen fotografías en blanco y negro, que retratan aspectos paisajísticos o pintorescos de algunos de los pueblos de Málaga. En esta serie de distintos formatos, Fernando de la Rosa interviene en los paisajes transcribiendo directamente a pintura la imagen fotográfica, que se transmuta en cuadro.

Fernando de la Rosa es artista y profesor nacido en Archidona (1964). Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla en 1987 y se doctoró en Historia del Arte por la Universidad de Málaga en 2013. Desde 1987 compagina su actividad artística con la docencia en Enseñanza Media. Más de un centenar de exposiciones colectivas por diversos países de Europa y todo el territorio nacional, avalan una presencia continuada en la escena artística actual. Desde 2014, es miembro numerario (Sección 1ª, Pintura) de Real Academia de Bellas Artes de San Telmo (Málaga).

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‘Cineastas en un solo plano’ de Óscar Fernández Orengo inunda de cine la calle Larios de Málaga

La exposición ‘Cineastas en un solo plano’ de Óscar Fernández Orengo podrá visitarse en calle Larios durante la 23 edición del Festival de Málaga, del 21 al 30 de agosto. Asimismo, en la Sociedad Económica de Amigos del País, ubicada en la Plaza de la Constitución, podrá visitarse del 21 de agosto al 3 de septiembre las exposiciones: ‘Los Goya en Málaga’ de Daniel Pérez y ‘La mirada horizontal’ de Jorge Fuembuena. La presentación que tuvo lugar esta mañana, ha contado con la presencia de los fotógrafos y autores de las exposiciones Óscar Fernández Orengo, Daniel Pérez y Jorge Fuembuena; el alcalde de la ciudad, Francisco de la Torre; la concejala de Cultura, Noelia Losada; Francisco Ruiz Povedano, presidente de la Sociedad Económica de Amigos del País y el director del Festival, Juan Antonio Vigar.

‘Cineastas en un solo plano’, una serie fotográfica de 78 retratos inéditos de cineastas españoles y latinoamericanos, fotografiados en película en blanco y negro y en formato cuadrado, ofrece una amplia visión del pasado, presente y futuro de la cinematografía española y latinoamericana. Un caleidoscopio muy rico en el que figuran cineastas como Fernando Birri, Carolina Astudillo, Cerles Marques Marcet, Claudia Llosa, Juan José Campanella, Josefina Molina, Luis Puenzo, Isabel Coixet, Carlos Saura, Lucrecia Martel, Julio Medem, Nacho Vigalondo, Javier Fesser, Miguel Llansó, Carla Simón o Alejandro Jodorowsky.

En sus retratos, Óscar Férnandez Orengo mira desde una vertiente más documental que artística, por lo que elige espacios o lugares que el o la cineasta transita u ocupa habitualmente, en los que puedan reconocerse. En sus propias palabras, “para mí lo más importante a la hora de retratar a un cineasta es eliminar la tensión o rubor natural de estar frente a una cámara fotográfica, necesito crear en muy poco tiempo un puente de confianza. Es más interesante observar sus gestos y expresiones, algunas espontáneas que sugerir otras formas ajenas a su manera de ser”.

El fotógrafo malagueño Daniel Pérez refleja en ‘Los Goya en Málaga’ cómo se vivió la pasada Gala de los Goya celebrada el 25 de enero en el Palacio de Deportes José María Martín Carpena, así como los días previos en los que Málaga se vistió de cine. En ‘La mirada horizontal’, el fotógrafo Jorge Fuenbuena construye a base de retratos su visión sobre quiénes somos, pues como él mismo la define, “al final, la fotografía no deja de ser un proceso de exploración de uno mismo, con un componente de autorretrato”.

LA SALA MINGORANCE DE MÁLAGA ACOGE LA EXPOSICIÓN ÁNGELES CAÍDAS 360-100 CON OBRAS DE 20 ARTISTAS

La Sala Mingorance el Archivo Municipal acoge desde hoy la muestra colectiva Ángeles Caídas 360-100, una propuesta expositiva de la Casa Amarilla que se exhibirá hasta 20 de septiembre. La exposición ha sido inaugurada hoy por la concejala de Cultura, Noelia Losada, acompañada por el comisario de la muestra David Burbano.

Bajo el comisariado de La Casa Amarilla, David Burbano presenta una muestra expositiva que recoge 43 trabajos de 20 artistas que, día tras día, “se sacuden el polvo y cruzan en equilibro la delgada línea entre la precariedad y su amor propio. Paco Aguilar, Pilar Bandrés, David Burbano, Carmen Campos, Pablo Caro Revidiego, Juanjo Fuentes, Isabel Garnelo, María Gkaliata, Julia Holtman, Mister Kaikus. Ismael Kachtihi del Moral, Roy Laguna, Marta O Nilsson, Eryk Pall, Cayetano Romero, Javier Roz, Tina Sánchez, Sara Sarabia, Cristina Savage y  Marta Troya exhiben su obra en esta muestra, concebida como un homenaje a la perseverancia. Ellas y ellos, enfrentados a sí mismos y ante los demás, trabajan desde sus vivencias y reflejan sobre lienzos, fotografía, cerámica, telas y video arte la deglución de lo que mastican, lo que ven y lo que sienten”, señala Burbano.

Ángeles Caídas es un homenaje al acto de ser artista, de ser soldado  en la propia lucha. No elogia lo que se ha hecho, no exalta la idea de resurgir ni el manido ideal que exige al artista la creación perfecta, la obra cumbre, el momento sublime de creación en tiempos de crisis. Y con esa premisa, David Burbano también hace referencia a la leyenda japonesa de las carpas koi: 360 – 100,  peces que, nadando a contracorriente río arriba, conseguían alcanzar la cascada y subirla para convertirse en dragones como recompensa a su esfuerzo y tenacidad. Una sola de las carpas se convierte en dragón celestial, sin embargo son las últimas 100 las que serán recordadas pues, aun sabiendo que no alcanzarán la cumbre, nunca dejan de nadar.

La muestra puede ser visitada de lunes a viernes en horario de 10.00 a 13.00 horas y de 18.00 a 21.00 horas. Los sábados, domingos y festivos en horario de 10.00 a 13.00 horas. La entrada es gratuita. La sala expositiva cumple todas las medidas higiénico-sanitarias recomendadas ante la Covid-19.

ESTRELLA DE DIEGO INDAGA SOBRE EL MISTERIO DE LAS CASAS-MUSEO EN LA CASA GERALD BRENAN DE MÁLAGA

La catedrática y ensayista Estrella de Diego es la segunda invitada de la Casa Gerald Brenan en su ciclo ‘Palacios de la Memoria’. Será este miércoles 29 de julio a las 20.00 horas con una conferencia en torno a la extraña impronta que escritores como Sigmund Freud o Mario Praz dejaron en sus residencias.

‘Palacios de la Memoria’ quiere a responder a la pregunta que surge cuando alguien se acerca con curiosidad a visitar la casa en que nació o en que vivió un escritor, artista o filósofo: ¿qué busca ese visitante? La catedrática y ensayista Estrella de Diego generará nuevas preguntas al indagar sobre el misterio que rodea estas residencias en su paso este miércoles por el ciclo de conferencias de la casa del hipanista en Churriana. La autora de ‘Travesías por la incertidumbre’, ‘Tristísimo Warhol’ o ‘Querida Gala’ repasará esa extraña impronta que personajes como Mario Praz o Sigmund Freud han dejado tras de si.

Por ‘Palacios de la Memoria’ de la Casa Gerald Brenan, ciclo coordinado por Pedro Pizarro bajo la dirección de Alfredo Taján, ya ha pasado con anterioridad José Guirao, el que fuera director del Museo Reina Sofía y de la Casa Encendida y ex ministro de Cultura, que abrió el programa el pasado 7 de julio recordando al poeta José Ángel Valente y su residencia de Almería. En esta segunda cita, Estrella de Diego compartirá la conferencia ‘Habitar con los fantasmas’. “En las casas-museo se ensaya una escenografía llena de sorpresas impensables, sabiendo igual que los viajeros ilustrados, que los fantasmas, pese a todo acechan. A través de algunos relatos de las casas de Freud o la de Mario Praz, Estrella de Diego tratará de reconstruir ese deseo al cual apelan las casas-museos”, indica el coordinador del ciclo.

La entrada a las actividades de la Casa Gerald Brenan es libre y gratuita, hasta completar el aforo, que está reducido en la actualidad como parte de las medidas tomadas como consecuencia del COVID-19. Igualmente, el uso de la mascarilla en el interior es obligatorio, así como la aplicación de gel hidroalcohólico a la entrada.

ESTRELLA DE DIEGO

Estrella de Diego (Madrid, 1958) es catedrática de la Universidad Complutense de Madrid y Académica de número de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Ha ocupado la Cátedra King Juan Carlos I (N.Y.U.), y ha sido distinguida con la Ida Cordelia Beam Distinguished Professorship for 2017-18. Es autora de numerosos ensayos, como La mujer y la pintura en la España del siglo XIX (Cátedra, 1987), El andrógino sexuado. Eternos ideales, nuevas estrategias de género (Madrid, Visor, 1992), Tristísimo Warhol (Madrid, Siruela, 1999). Querida Gala (Madrid, Espasa, 2003), Travesías por la incertidumbre (Barcelona, Seix Barral, 2007), Maruja Mallo (Madrid, Mapfre, 2008), Contra el mapa (Siruela, 2008), entre otras publicaciones.

También es reconocida por su comisariado de exposiciones sobre Cristina Iglesias, Alberto Greco y Joaquin Torres Garcia, por citar algunas, entre las que destaca su vinculación con la Bienal de Venecia. De Diego es Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por su labor como escritora e investigadora. Además, forma parte del patronato de la Academia de España en Roma, del Museo Reina Sofía, del Museo del Prado, del Instituto Cervantes y es miembro del consejo de la Norman Foster Foundation y del Real Colegio Complutense at Harvard.

LA COLECCIÓN DEL MUSEO RUSO DE MÁLAGA REABRE AL PÚBLICO CON DOS EXPOSICIONES INÉDITAS DEDICADAS AL CINE MUDO EN RUSIA Y AL DIRECTOR ANDRÈI TARKOVSKY

La Colección del Museo Ruso vuelve a abrir sus puertas hoy, 26 de mayo, en su horario habitual de martes a domingo y de 9:30 a 20:00 horas, con un tercio del aforo y cumpliendo todos los requisitos de seguridad para visitantes y trabajadores que se especifican en el capítulo IX del BOE de 9 de mayo.

La reapertura trae a las salas temporales de este espacio dos exposiciones inéditas: Rompiendo el silencio. El cine mudo en Rusia y Andrèi Tarkovsky. Maestro del Espacio.  Los visitantes podrán disfrutar de entrada gratuita esta semana y durante un año será gratis para sanitarios y miembros de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad.

Recorrido por el cine mudo

La exposición dedicada al cine mudo en Rusia es una selección de obras artísticas que transcienden a la propia imagen y a la estética. Como vehículo de transmisión cultural, el cine ha sido durante décadas un potente medio para atraer al público, bien sea para adoctrinarlo o con un fin lúdico. Lejos de su raíz ideológica, las imágenes promocionales del cine mudo ruso se han convertido con el paso del tiempo en iconos universales. La muestra se completa con producciones estadounidenses e italianas, que darán una visión general sobre el poder de unos símbolos para captar la atención del pueblo. La exposición está compuesta por 111 carteles y una decena de proyecciones de cine mudo.

En la primera década del siglo XX tuvieron lugar las primeras experiencias con los carteles del cine mudo. Desde sus inicios, estos trabajos gráficos se convirtieron en una parte inherente del paisaje urbano, en la plasmación no solo del mundo del cine, sino también de toda una época, siguiendo las corrientes artísticas. Los primeros carteles de cine buscaban complacer a la gran mayoría y se realizaban con distinto rigor y estilo artístico, pero todos se caracterizaban por su alto contenido emocional, apelando a las pasiones exóticas y emociones profundas.

Sus creadores a menudo se inspiraban en la estética de las viñetas «lubok», que empleaban formas vívidas y chillonas. Otro enfoque al que recurrían, muy propio del estilo moderno, consistía en apartarse del título, lo que abría una gran variedad de interpretaciones. Los carteles representaban composiciones impactantes y autónomas, muy acordes con en el espíritu simbolista.

A mediados de la década de 1920 nació una nueva vertiente en la cinematografía soviética: la época de los grandes innovadores, con tres nombres a tener en cuenta, como son Serguéi Eisenstein, Vsevolod Pudovkin y Dziga Vertov. En esos mismos años los carteles de cine se convirtieron en un espacio de experimentación para los jóvenes artistas de la vanguardia soviética, quienes estaban rompiendo con la estética más simplista y tosca de la época anterior.

Artistas de alto nivel artístico y brillante personalidad formaron parte de ese movimiento. Los hermanos Vladimir y Gueorgui Stenberg se convirtieron en los grandes maestros del cartel de cine soviético. Estos artistas tomaron prestados inusuales y rompedores recursos cinematográficos, como es la contraposición de elementos, que se convirtió en la clave de los carteles de cine. La perspectiva inversa y la combinación de planos y volúmenes también se pusieron de moda, o el uso del fotomontaje, algo en lo que destacó especialmente Antón Lavinski. También conoció un gran desarrollo el uso de las tipografías en carteles desprovistos de objetos. En esa última tendencia destacan especialmente las obras de Mijaíl Veksler, alumno de Kazimir Malévich.

No obstante, los carteles que ponían el foco en la imagen de los actores preferidos por el público continuaban siendo los más demandados. Los rostros de las estrellas de cine sonreían desde estos carteles donde se los representaba en clave realista o deformados, como se puede ver en los trabajos del artista Nikolái Prusakov. Todos ellos elevaron el género de los carteles de cine a su máximo nivel, convirtiéndolo en parte del legado del arte universal.

Andrèi Tarkovsky

En el Espacio 3 se puede ver una muestra sobre el director de cine Andrèi Tarkosvky, una de las figuras más importante de la filmografía universal y uno de los artistas rusos más influyentes del siglo XX. Fue el precursor de técnicas innovadoras en el cine de la época, añadiendo procesos en el montaje para hacer más dinámica la película. La exposición está compuesta por más de un centenar de piezas entre los fotogramas de sus películas e imágenes reveladoras de sus trabajos, fotografías del proceso de rodaje y lienzos realizados por él mismo.

Tarkovsky el precursor de técnicas innovadoras en el cine de la época, añadiendo procesos en el montaje para hacer más dinámica la película. Consideraba el cine como una obra de arte total y este principio le acompañaba en cada proceso del trabajo. Fue un director exigente y riguroso, que dejó un sello muy personal en la filmografía del siglo XX a través de las siete películas que dirigió a lo largo de su vida.

En la exposición Andréi Tarkovsky. Maestro del espacio el director de cine se presenta más bien como un artista plástico. Esta visión se muestra a través de las imágenes de sus películas y en las fotografías tomadas durante los rodajes. En esas escenas, Tarkovsky ejerce un control absoluto del trabajo, creando una atmósfera única que envolvía a todos los que participaban en ese proceso creativo.

La trayectoria de Tarkovsky como creador incluye también cortometrajes y documentales, obras radiofónicas y teatrales. En esta exposición se pueden ver fotografías que documentan sus largometrajes más importantes: La infancia de Iván, Andrei Rublev; Solaris y El espejo; Stalker, Nostalgia y Sacrificio. Una parte especial de esta exposición la ocupan las obras pictóricas elaboradas por el propio Tarkovsky. En ellas se percibe la capacidad que tenía para organizar el espacio más allá del plató de rodaje.  Su vida estuvo marcada por claroscuros: del reconocimiento internacional en importantes festivales de cine al sufrimiento por la enfermedad y el exilio durante sus últimos años de vida.

EL CAC MÁLAGA PRESENTA LA EXPOSICIÓN OPUS NIGRUM DE GIRBENT

Opus nigrum designa en los tratados de alquimia la fase de separación y disolución de la sustancia que era la más difícil de la Gran Obra y también simboliza las pruebas del espíritu en su proceso de liberación.

Opus nigrum es el resultado de la fascinación del artista por dos grandes fábricas de imágenes: la tradición pictórica occidental y el cine. La muestra reúne 10 obras, la mayoría de gran formato y algunas inéditas, óleo sobre tela y carbón sobre papel, todas en blanco y negro.


 
El guión principal sobre el que profundiza el trabajo de Girbent es una continua reflexión sobre el sentido y las posibilidades de la imagen pintada y el acto de pintar en el siglo XXI, en  la época de internet.
 
Se define como un coleccionista de imágenes que selecciona y extrae de fuentes inagotables como el cine o la tradición pictórica occidental, para posteriormente realizar con ellas, una vez separadas violentamente de su flujo narrativo original­, una operación de transfiguración. De este modo, fantasmas procedentes de un mundo bidimensional puramente óptico adquieren un cuerpo, se convierten en singularidades fronterizas, en presencias sensuales en medio de la marea digital.


 
Girbent es un apropiacionista de patrones y modelos que propone una reconfiguración de imágenes ópticas a través de la pintura dentro de otro contexto donde ilustran otro discurso, concediéndole una vida nueva.
 
Para el artista una obra no tiene porque ser original en el sentido romántico del término, sino significativa. El tema del original y la copia constituye uno de los asuntos recurrentes en la trayectoria de Girbent. En Opus nigrum propone una revisión del estatus de la copia, apostando por un nuevo paradigma claramente alternativo respecto al imperante durante toda la modernidad. Para el pintor las copias no existen, todo son originales.
 
En esta muestra apuesta por los materiales más arcaicos y esenciales para la representación como el carbón, que aplicará con los dedos, y la pintura (óleo blanco y negro), con los que pretende transmitir la sensual analogía del imponente blanco y negro de algunos de sus films preferidos.
 
El cine es el hilo conductor de la exposición y podemos reconocer fotogramas de películas míticas de grandes cineastas como The Grandmaster (2013) de Wong Kar-wai, en las pinturas La conversación I (2017), La conversación II (2017), El rito III (2017) y el monumental El rito (2017), todas ellas realizadas en carbón sobre papel, trasladándonos al alma de la civilización china.  The race VII (2020) evoca  la película Jules et Jim (1961) del cineasta François Truffaut, donde una chica ataviada de pillo y con el bigote pintado, corre junto a dos hombres por un puente.
 
El espacio es otro de los temas recurrentes en la obra del artista, en este caso el espacio de un museo. Unos visitantes corriendo por las salas del Museo del Louvre, se aprecian en Fantasmagoría / La irrupción (2015) que nos traslada a un conocido fotograma de la película Bande à part (1964) de Jean-Luc Godard. Esta obra se podría relacionar con el mundo de la comicidad y la acción del slapstick sino fuera por el contrapunto que ofrece el lugar donde ocurre, un museo. El Louvre, con sus obras auténticas colgadas en las paredes, es también el espacio representado en La visitante (2020).
 
Otro de los grandes temas de Girbent es el tiempo y su subtrama predilecta, la sensualidad del aquí y ahora.  El acto de fumar es un recurso que utiliza para describir el paso del tiempo. El cigarrillo encendido que podemos ver en algunas de sus pinturas marcan el inevitable paso del tiempo y nos recuerda nuestra condición mortal, nuestra existencia.. Como en El espacio / El tiempo V (2019), inspirada en À bout de soufflé (1960) de Jean-Luc Godard, en la pintura Interior figura / Los susurros (2014) que evoca Coffee and Cigarettes (2003) de Jim Jarmusch o el políptico Smoke (2016) inspirado la película Fallen Angels (1995) de Wong Kar-wai.
 
Ficción y realidad, lo verdadero y lo falso, se entremezclan en su discurso artístico de tal manera que a veces no se pueden distinguir. Girbent se desdobla a veces en su propio comentarista, asumiendo el carácter lúdico e impostor de su condición de artista, y acompaña sus obras con cartelas, reseñas y notas informativas que configuran una leyenda en la que se inscribe la pieza pictórica, que pasa a formar parte de una mitología que la desborda, no es infrecuente que algunas de sus obras incluyan su propia crítica.
 
Girbent (Sóller, Mallorca, 1969). En 1986 se matricula en la Facultad de Bellas Artes en Barcelona. Pronto abandona la universidad y durante un tiempo se deja ver por los ambientes bohemios de la ciudad mediterránea. Durante este periodo se dedica a ver cine, a leer (ensayo, filosofía…) y se apasiona por el mundo del cómic. Empieza a dibujar sus propias historietas. En 1987 se hace con el primer premio del concurso internacional que convoca la editorial Toutain. A partir de entonces comienza a publicar en las mejores revistas: Totem, Comix internacional, Zona 84… La otra gran editorial del momento, Norma Comics le publica varias historietas de corte satírico. Con su segunda portada publicada (Totem nº 50) gana el premio a la mejor portada del año, ex aequo con los míticos Richard Corben y Chichoni. En 1989 viaja a la extinta RDA y consigue matricularse en la célebre Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leizpig, donde conoce a Neo Rauch y coincide con M. Weischer y T. Baumgartel. La caída del muro de Berlín le sorprende en Leizpig. En 1990 exhibe sus primeras pinturas en la exposición colectiva The Wall, en un espacio alternativo de Berlín.

Realiza por esta época una breve incursión en el mundo del grafiti. Simultáneamente, continua ilustrando portadas que publica en las mejores revistas del mundo, como El Eternauta en Italia o Metal Hurlant en EE. UU. Un año después abandona Alemania y viaja a México DF, donde explora las posibilidades del vídeo, grabando en los lugares que frecuentaron los Infrarrealistas, como el café «Quito» de la calle Bucarelli (donde le parece percibir todavía el pulular de los espíritus de Roberto Bolaño y Mario Santiago). En México sigue leyendo compulsivamente, pero su interés se ha desplazado del ensayo a la literatura. Paralelamente, crece su interés por el videoarte y el cine experimental. Pasa los años 1992 y 1993 en la península del Yucatán, instalado primero en Mérida y luego en Valladolid. Tras lo que considera su etapa de reflexión mexicana, decide regresar a su Mallorca natal para volcarse en su pintura.
 
Entre sus exposiciones destacan: Zona Girbent, en la Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2020), acabada de inaugurar y planteada como una extensión del taller del artista con vocación de crear proximidad entre obra y público; Hibridacions. Casal Solleric, Palma, Mallorca (2019); Los fantasmas encarnados, Can Prunera Museo Modernista, Sóller, Mallorca (2019); Hybridizations: the ghost of painting, White Box, Pekín, China (2018); Usurpation II, City Art Museum, Nagoya, Japón (2017); Presencias fronterizas, MUAC Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Querétaro, México (2014); Hotel + Los espejos, Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2013); Última pintura en las colecciones del DA2 y Fundación Coca-Cola, DA2 Domus Artium 2002, Salamanca, itinerante por las Islas Canarias (2011); Paintings, IHN Gallery, Seúl, Corea del Sur (2007); Original/copia, Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2005) o Rambuteau- Hôtel de Ville, Sa Quartera, Inca, Mallorca (2002).

EXPOSICIÓN ‘NUBES DE UN CIELO QUE NO CAMBIA’ por Ricky Dávila

NUBES DE UN CIELO QUE NO CAMBIA es el proyecto que gesta en 2009 como reportaje documental. Se traslada a las calles de una Bogotá ajetreada y misteriosa y captura un diario de los paseantes, espontáneos, desprevenidos pero firmes ante la cámara. Una serie de imágenes que son la vida misma con un matiz de incógnita. Ricky fotografía desde un carácter muy personal que muestra el realismo cotidiano, acercándose al encuadre como una sombra, convirtiéndose en un paseante más.

La exposición se compone de una serie de 26 fotografías de gran formato que invitan a la exploración y a desmembrar sus capas de realidad. Supone la unión entre poesía y fotoperiodismo, en la que Ricky se ha especializado durante la última década. Este proyecto se presentará ocupando por primera vez ambas salas expositivas del centro, el Espacio

Apertura y la Sala Desenfocada.

Ricky Dávila (Bilbao, 1964) es graduado en Fotografía por el ICP de Nueva York y el actual director del Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao. Ha proyectado su obra internacionalmente a lo largo de una veintena de exposiciones individuales, así como recogido su trabajo en media docena de libros. Nubes de un cielo que no cambia visitó con anterioridad las provincias de Cádiz, Almería y Casa América en Madrid.

APERTURA

Centro de Fotografía y Artes Visuales C/ Victoria, 16

INAUGURACIÓN 13 marzo 20.00h.

Hasta el 12 de mayo

VISITAS: De lunes a sábados de 9.30 a 13.30h y de 16.30 a 20.30h.

EXPOSICIÓN ANTOLÓGICA DEL PINTOR MANUEL ARCORLO EN LA REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO 23 DE ENERO, JUEVES, A LAS 12.00 HORAS

Entre el 24 de enero y el 8 de marzo la Real Academia de las Artes de San Fernando acogerá en su sala principal una exposición antológica del pintor y académico Manuel Alcorlo (1935), uno de los más grandes dibujantes españoles,con una carrera larga y prolífica, que atesora centenares de dibujos, pinturas, aguafuertes, ilustraciones de libros y pinturas murales.

La exposición, con coordinación de Rosa María Recio Aguado, y diseño y dirección de montaje de Daniel Nicolay y Almudena Palancar Barroso, es un breve acercamiento a los temas y técnicas recurrentes a lo largo de la carrera de Manuel Alcorlo desde su formación en la Academia de Roma hasta sus últimos dibujos.

Atento observador de gentes y paisajes, con una mirada tierna, fantasiosa, vitalista, compasiva o burlona, Alcorlo ha pintado su vida, que le fue ofreciendo la inspiración y el oficio, paso a paso, entrelazando su innato talento para el dibujo, los retratos de familia, el laborioso trabajo del grabado,  la música –que cultiva como melómano y como intérprete de violín─,  la literatura –acumulando lecturas de la brillante ilustración de libros-, y un riquísimo imaginario alegórico, con un bestiario particular e inagotable, que parece brotar del inconsciente infantil.

Aunque Alcorlo ha podido vivir siempre de su arte, sobre todo como retratista, ha forjado una carrera única y solitaria, con una arte figurativo y descriptivo anclado en el magisterio goyesco ─Goya ha sido su gran maestro─, al margen de los dictámenes estéticos que se han sucedido en las últimas décadas.

Como señala el académico de Bellas Artes Víctor Nieto Alcaide en el catálogo de la exposición, “Alcorlo ha preferido rehusar la comodidad de las tesituras y hacer una pintura introvertida, íntima, recluida en sí misma, y al margen del turbulento mundo de las tendencias y corrientes. (…) Ha creado un mundo inédito, revelador de relatos plásticos nuevos, de gestos sorprendentes, y de actitudes y sucesos cotidianos cargados de un profundo humanismo. Sus cuadros aparecen poblados por una multitud de personajes bulliciosos y vitales con fisonomías expresivas e intrigantes de una humanidad nueva que protagoniza una representación de la vida de guiñol o de teatrillo popular.” Su universo, el Universo Alcorlo, nace siempre del impulso y del goce de crear con libertad un mundo propio, “un mundo que sirve de marco para proyectar en él sus sueños”, en las palabras de Rafael Moneo.

LA PINTURA DE ALCORLO: CRÍTICA Y SÁTIRA SOCIAL

La vena sarcástica de la pintura de Manuel Alcorlo hunde sus raíces en una España mítica, con antecedentes en el arte del aragonés Francisco de Goya y en la literatura periodística del madrileño Mariano José de Larra, así como en nuestro clásico autor de sueños, Francisco de Quevedo y Villegas.

Esta forma anacrónica de realizar el arte figurativo, fija desde hace años, su atención en una época ya obsoleta. Tanto Goya, como Larra, vivieron desde las inquietudes de sus respectivas generaciones, la crisis de carácter histórico producida por la Guerra de la Independencia contra los franceses, la vigilancia ideológica de la Inquisición y la persecución política de los absolutistas.

Manuel Alcorlo con el virtuosismo de un artista figurativo que domina con maestría el dibujo y la composición espacial de abigarrada densidad, retrata una sociedad burguesa decimonónica de caballeros con chistera y opulentas y enjoyadas damas de exagerado volumen físico. Es la misión fantasmagórica de una época ya pasada, pero que aún perdura viva en gran parte de la España más reaccionaria del siglo XXI.

El color y la musicalidad de los cuadros de Alcorlo hace que los cuadros exhibidos en su última exposición sean, además de una crítica social punzante, una fiesta para los ojos y los sentidos tanto pictóricos como de contenido moral y de las costumbres.

Canal Sur Málaga inaugura la exposición Abetos II de Francisco Sánchez Gil

Canal Sur Radio y Televisión en Málaga (Avenida de Velázquez, 307) presenta del 4 al 31 de diciembre de 2019 la exposición “Abetos II” del pintor Francisco Sánchez Gil, miembro de la Asociación de Artistas Plásticos de Málaga (Aplama)

La muestra es un homenaje a la Navidad a través de 28 obras de pequeño, medio y gran formatos realizadas en los dos últimos años con acrílicos, rotulador, laca, pintura reciclada, etc. Los soportes son de diferentes materiales, como por ejemplo: tela, cartulina, tablex, metacrilato, cartón, papel de periódico, etc. y totalmente reciclados para respetar el medio ambiente.

La exposición “Abetos II” permanecerá abierta hasta el 31 de diciembre de 2019 y puede visitarse de nueve de la mañana a nueve de la noche, de lunes a domingo.

Exposición «En clave Cubana» por Belén Bueno Moreno & Ester García Rama

Tradicionalmente la cámara de gran formato ha sido el estándar de la máxima calidad fotográfica, debido al gran tamaño del negativo.

Con la aparición de los respaldos digitales de alta resolución este argumento ha perdido peso, pero la cámara de placas tiene posibilidades de control de las que carecen el resto, ya que en estas últimas el plano del objetivo y el plano focal están paralelos sin posibilidad de movimiento.

Esto hace que la cámara de gran formato sea herramienta imprescindible cuando queremos controlar la perspectiva y aumentar la profundidad de campo.

El uso de respaldo digital en este tipo de cámara conlleva ciertas peculiaridades de manejo y posibilidades que desarrollaremos en el taller.

Contenidos del taller

Manejo de la cámara de gran formato: basculamientos, giros y desplazamientos.

La ley de Scheimpflug. El control de la profundidad de campo (aumento y disminución)

Las ópticas de gran formato. El círculo de cobertura.

El respaldo digital: características y manejo

Creación de perfiles LCC (Lens Cast Calibration) con CaptureOne

Captura de imágenes múltiples para unión posterior. Debido al tamaño del sensor, más pequeño que la película de 4×5″, podemos realizar  varias tomas para conseguir una imagen de una resolución aún mayor.

Practicas y edición de bodegón y retrato.

Utilizaremos una cámara Sinar P, con el FlexAdaptor de PhaseOne, y respaldo PhaseOne IQ de 80mp conectado al ordenador. Como programa de captura usaremos CaptureOne.

¿Cómo afectará el debate en las elecciones del domingo?
El próximo 10 de Noviembre desde Malagaes os ofreceremos un seguimiento informativo de como los españoles decidiran en las urnas quien será el próximo Presidente de España, gracias por seguirnos!
Si quieres dar tu voto de opinión puedes hacerlo a traves de este link:

Sábado 16 de noviembre 2019

de 10 a 14 h y de 16 a 20h.

Precio; 50 € socios  / 80€ no socios

Mas Info: 639 969 545

Organiza Colectivo Imagen

Almuerzo no incluido, menú económico en restaurante cercano.

POR EL CAMINO DE LA EXPRESIÓN, LA NUEVA EXPOSICIÓN DE LA SOCIEDAD ECONÓMICA DE AMIGOS DEL PAÍS DE MÁLAGA

La Sociedad Económica de Amigos del País de Málaga alberga hasta el 9 de febrero de 2019 Por el camino de la expresión, una exposición de Jerónimo López, José María Llobell y Victoria Márquez, que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Málaga y el Museum Jorge Rando.

 

Tres miradas artísticas se encuentran por el camino. Jerónimo López, José María Llobell y Victoria Márquez reflexionan sobre la idea de arte y su consecución. Esta exposición bucea en el proceso interno del artista a través de su exploración racional e intuitiva, de la experiencia acumulada y de la incertidumbre ante el recorrido. Por el camino de la expresión son invitaciones de miradas al mar, de interpelación y alteridad, de historias de cine pintadas…

 

Cada obra es un viaje exploratorio de preguntas y respuestas, sugerencias al diálogo y al encuentro y desencuentro de ideas y perspectivas. La obra de López inquiere en la luz y el significado, los retratos y storyboard de Llobell nos relatan historias de cine y vida y la creación de Márquez ahonda en la introspección.

 

Una muestra en la que cada lienzo difiere en el concepto y en su expresión plástica, pero converge en un viaje iniciático para alcanzar un lenguaje expresionista.

 

Jerónimo López

Las obras expuestas son el resultado de la búsqueda y estudio de la poética neoexpresionista que llevo a cabo en el Museum Jorge Rando. En este sentido presento una muestra del trabajo realizado en tres direcciones temáticas: La luz en el expresionismo e Interpelación y alteridad en el que trato de crear un espacio de significación y sentido en la propia obra, combinando texto e imagen y La mujer y el gato. Entre ambos se crea un vínculo especial objetivado en mitos y símbolos, ambos divinizados a lo largo de los siglos y asociados al misterio.

 

José María Llobell

Las obras expuestas pertenecen al proyecto de colaboración con el ciclo de cine del Museum Jorge Rando. El Cine Pintado propone utilizar el storyboard como herramienta plástica de reflexión expresiva, la historia cinematográfica se traslada al lienzo. La muestra está acompañada por dos retratos, estas obras son el anticipo de un nuevo proyecto en el que me encuentro inmerso con el propósito de indagar sobre los encuentros y desencuentros entre historias de diferentes generaciones.

 

Victoria Márquez

Miro toda la inmensidad del universo, ese mar que contiene y dice tanto. Qué me aporta. Cuál es mi realidad. A dónde quiero llegar… Es difícil la lucha, pero reconfortable. En la vida hay que buscar lo positivo. Dejar aflorar la positividad de todo lo que te rodea te ayudará a encontrar y alcanzar ese sueño, ese objetivo que nos mantiene activos. El inicio…, el camino, la lucha, la vida, las circunstancias,… Mira de frente, aunque te sientas pequeña, busca, abre una nueva puerta y comienza una nueva andadura.

BIOGRAFÍAS

Jerónimo López Perea, nacido en Málaga (1955*). Actualmente soy pintor de taller del Museum Jorge Rando de Málaga. Atrás quedaron los años de formación en la Escuela de Arte de San Telmo, donde completé tres ciclos formativos de grado superior: Técnica de Expresión Plástica e Ilustración, Diseño Gráfico Publicitario y Fotografía Artística. Tras varias exposiciones y premios en concursos de pintura, colaboro desde 2015, impartiendo talleres y realizando un seguimiento y estudio de la poética neoexpresionista, en el citado Museo. Estos años de aprendizaje han culminado con la participación de la exposición “Simpatía con el Expresionismo” con el Grupo Pro Arte y Cultura 2018.

 

José María Llobell, nacido en Tetuán (Marruecos) (1962*), pero con sólo cinco meses llegó con su familia a Marbella, ciudad en la que ha vivido y trabajado la mayor parte de su vida. Estudia en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla donde, al licenciarse, impartirá docencia durante algunos cursos. Posteriormente obtiene las oposiciones de instituto y actualmente es profesor de Bachillerato de la modalidad de Arte en el Instituto Río Verde de Marbella impartiendo asignaturas como “Dibujo Artístico”, “Fundamentos del Arte” o “Cultura Audiovisual”. Ha dedicado la mayor parte de su vida a la enseñanza artística, mientras paralelamente pintaba. Es a partir de 2010 cuando decide empezar a hacer visible su obra. Desde hace cuatro años destaca su colaboración con el ciclo de Cine del Museum Jorge Rando.

 

Victoria Márquez, nacida en Málaga (1967*). Artista Plástica y Visual. Licenciada en Bellas Artes, Profesora en Educación Musical. Profesora Dra. en la Universidad de Málaga y en Fundación Victoria. Se interesa por el arte desde pequeña, matriculándose en la Escuela de Arte de San Telmo. Desde 1989 ha participado en diversas muestras y exposiciones, nacionales e internacionales, en Museos y galerías de arte. Su obra se encuentra presente en diversos Museos. Pertenece actualmente al grupo Pro Arte y Cultura, a la Asociación 09 y al grupo de pintores del Atelier del Museum Jorge Rando de Málaga.

Exposición fotográfica de Salvador Gómez en Murcia

Una nueva exposición llega de la mano de Salvador Gómez, esta vez el lugar elegido forma también parte de la misma exposición, Motos Marín en Murcia, concesionario dedicado a la venta de motocicletas y accesorios del mundo de la moto, apostando dicha empresa por la cultura y la difusión de la misma.

La muestra del fotógrafo almeriense “incluida la motocicleta” se dedica a las dunas de Merzouga en Marruecos, lugar mágico para visitar y disfrutas, el autor ha querido mostrar en la exposición la moto con la que realiza gran parte de sus viajes, exponiéndola tal cual viene de dichos viajes y aventuras, ya que eso considera que son “viajes aventureros” y de los cuales nos muestra su particular visión a través de su cámara fotográfica, mezcla perfecta para todos los sentidos; el placer de conducir, las sensaciones que la moto le ofrece y las vivencias que con ella se consiguen.

Un pequeño rincón de Marruecos en Motos Marín, una muestra de las experiencias de un fotógrafo y su moto, una gran ayuda para entender qué se pueden hacer grandes viajes a lugares cercanos subido en una motocicleta, evocando recuerdos de antiguos aventureros, viviendo nuestra particular hazaña y aventura.

Una exposición en Málaga recoge los mejores proyectos de conservación del patrimonio natural y cultural de España

Una exposición recoge los mejores proyectos de conservación del patrimonio natural y cultural de España. La recuperación del Caminito del Rey, que recibió el Premio Europa Nostra en 2016, es una de las actuaciones que se incluyen en esta muestra.

El montaje, itinerante por diversos puntos de España, permanecerá en la Diputación hasta el 28 de febrero Viernes, 27 de enero de 2017

Los mejores proyectos de conservación de patrimonio natural y cultural de España, premiados por la Unión Europea, se incluyen en una exposición que se inauguró ayer por la tarde en la sede de la Diputación de Málaga, organizada conjuntamente por Hispania Nostra y Acción Cultural Española (AC/E), con la colaboración de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID).

Se trata de la muestra ‘Hispania Nostra. 40 aniversario. Re-conociendo el Patrimonio Español en Europa’, que recoge los casi 200 premios que España ha recibido de Europa en materia de patrimonio a lo largo de las cuatro décadas de actividad de la asociación Hispania Nostra, entidad dedicada a la defensa, salvaguarda y puesta en valor del patrimonio cultural y natural español.

El presidente de la Diputación de Málaga, Elías Bendodo, y la presidenta de Hispania Nostra, Araceli Pereda, inauguraron ayer la muestra, que permanecerá en el espacio expositivo de la Diputación (calle Pacífico, 54) hasta el 28 de febrero, con horario de visita de 10,00 a 14,00 horas, de lunes a viernes.
También asistieron el subdelegado del Gobierno, Miguel Briones; el alcalde de Antequera, Manuel Barón; el diputado de Fomento e Infraestructuras, Francisco Oblaré; y el arquitecto del Caminito del Rey, Luis Machuca.

Hispania Nostra forma parte de Europa Nostra, una red paneuropea integrada por asociaciones y fundaciones relacionadas con el patrimonio cultural, cuyos premios, instaurados en 1978, han alcanzado gran prestigio internacional y son hoy en día el máximo reconocimiento en materia de patrimonio que concede la Unión Europea.

La exposición incluye una amplia selección de los más de 190 proyectos españoles de conservación del patrimonio cultural y natural que han recibido alguno de los Premios Europa Nostra. Todos ellos reflejan la variedad y la riqueza de los espacios culturales y naturales de todo el país, y permiten contemplar un puente o una villa romana, palacios nazaríes, minas de sal milenarias, ciclópeas murallas, monasterios perdidos en el tiempo o parajes de incomparable belleza natural, además de hitos del pasado industrial.

Ante la gran diversidad de tipologías premiadas y los extensos periodos temporales que abarca la muestra, se ha dividido mediante una serie de paneles agrupados bajo los siguientes epígrafes: Conjuntos y Murallas; Vías y Calles; Patrimonio industrial; Patrimonio Natural; Patrimonio religioso (monasterios e iglesias); Patrimonio árabe; Patrimonio romano; Patrimonio civil (teatros y museos, mercados y hoteles); Palacios, casas y torres; Planes directores, inventarios y catálogos; Patrimonio mueble; Publicaciones; Instituciones, personas y proyectos.

La muestra, inaugurada en Madrid en mayo del año pasado, ha pasado por Mirambel (Teruel), Tarragona, Tarazona (Zaragoza), Morella (Castellón), Cuenca y El Puerto de Santa María (Cádiz).

Caminito del Rey

Entre los mejores proyectos se encuentra la recuperación del Caminito del Rey, realizada por la Diputación de Málaga, que se convirtió en protagonista la gala del año pasado de los Premios Europa Nostra con tres galardones.

Además, la Comisión Europea puso al Caminito del Rey como primer ejemplo de creatividad, innovación y sostenibilidad en el campo del Patrimonio Europeo.
La actuación en el paraje natural también obtuvo el reconocimiento de los arquitectos españoles e iberoamericanos y fue galardonada como ejemplo turístico por la Junta de Andalucía.
“Por ello -ha explicado Elías Bendodo-, estamos muy orgullosos de haber contribuido a la rehabilitación de un espacio natural único que, a su vez, ha permitido impulsar el desarrollo turístico y económico de los municipios limítrofes”.

Además, ha recordado que se puede visitar también en la Diputación, hasta el 9 de febrero, la muestra fotográfica ‘Los alrededores del Caminito del Rey’, una selección de veinte imágenes sobre parajes excepcionales capturadas por el fotógrafo y montañero Sebastián González.

Premios Europa Nostra en la provincia de Málaga
La provincia de Málaga cuenta con cuatro Premios Europa Nostra. El primero se concedió en 1987 a la restauración del Teatro Cervantes, en Málaga.
En el apartado de Instituciones, personas y proyectos se le concedió también al centro de educación Algaba de Ronda, en 2008; un año después lo recibió la chimenea de la antigua fábrica de plomo de Los Guindos (2009), situada en la playa de la Misericordia, en la capital. Y el año pasado, la rehabilitación del Caminito del Rey logró también esta distinción.

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