Robert Frederick Zenon Geldof (Dublín, Irlanda, 1954), nombre completo de este héroe del rock, se trasladó con su grupo a Londres en 1976 y allí, al lado de Sex Pistols y The Clash puso de moda los cortes con cresta de gallo, las botas militares y los blue jeans con el dobladillo al revés.
Pero más allá de lo fashion del cuento y muy de la mano de The Clash, la cosa de la militancia política y los asuntos urgentes se fue metiendo de lleno en sus letras. En 1977 Boomtown Rats tuvo su primer número uno con la canción “Lookin’ after”. De ahí en adelante la banda comenzaría su ascenso a la fama, el cual llegaría a su punto máximo con la canción “I don’t like mondays”, su segundo número uno y que también estuvo en el top 10 de los EE.UU.
Geldof poco a poco fue adquiriendo un brillo superior a los de sus compañeros de grupo. En 1982, el director Alan Parker lo llamó para protagonizar la versión en cine del disco de Pink Floyd, “The wall”. El éxito de la cinta a todos los niveles lo estableció como una superestrella, lo que le daría la credibilidad y la capacidad de convocatoria para todos sus logros posteriores.
En otoño de 1984, Geldof se encontraba viendo un documental de la BBC sobre la hambruna en Etiopía y la indignación que le produjo lo llevó a escribir la canción “Do they know it’s Christmas”. Acto seguido invitó a un grupo de amigos para que la grabaran con él, entre los que contestaron al llamado estaban Boy George, George Michael, Sting, Cliff Richards, Paul McCartney y, como no, Bono, de la para entonces prometedora banda U2. El grupo se autodenominó Band Aid.
La idea creció como una bola de nieve. La canción se convirtió en el sencillo más vendido de la historia del Reino Unido. Del otro lado del mar los artistas respondieron con la canción “We are the world”, que también llegó al número, pero esta vez en todo el mundo. Después vino la organización del Live Aid, los dos megaconciertos en Londres y Filadelfia, el 13 de julio de 1985, que se organizaron para recoger fondos para las víctimas de la hambruna.
La euforia fue tal que algunas organizaciones lo nominaron al premio Nobel de Paz. La paradoja es que, en el plano musical, Geldof nunca volvió a tener los logros que consiguió con su banda. Los Boomtown Rats se disolvieron en 1986 y Geldof prácticamente dejó la música para trabajar en contra del hambre y la pobreza en el mundo. En estos 20 años sólo ha publicado tres discos, el último de ellos Sex, age & death, en 2002.
Geldof es ahora un sir, gracias a sus logros como activista, ya no es la superestrella de antaño, pero tiene el respeto de toda la comunidad musical. Por eso ahora vuelve a las andadas, exactamente 20 años después de que un documental sobre Etiopía le cambiara la vida.
El pasado 2005, se convirtió nuevamente en el foco de atención mundial con sus conciertos Live8 contra el hambre y la pobreza que se realizaron simultáneamente en todo el mundo, con miles de millones de espectadores, lo que le ha llevado a estar entre los candidatos al Nobel de la Paz junto a su compatriota Bono de U2.
martes 4 21.30
KEVIN JOHANSEN + THE NADA
City Zen
Kevin Johansen – voz y guitarra acústica
Juan Manuel Álvarez – bajo y coros
Enrique Roitzner – batería
Sebastián Massolo – guitarra eléctrica
Maximiliano Padín – charango y guitarra acústica
Andrés Reboratti – flauta y saxo
Nicolás Said – saxo, flauta
Lucas Espina – percusión
Hay muy pocos artistas que se salgan de la norma y Kevin Johansen es uno de ellos. Diferente desde su nacimiento en Fairbanks (Alaska) de madre argentina y padre norteamericano hasta su primer Disco de Oro, conseguido en 1985… ¡en Perú! con su grupo Instrucción Cívica. Su último álbum, City Zen, confirma su estimulante heterodoxia y nos regala algo muy raro: creer que todavía es posible la sorpresa. Habrá que darle las gracias.
“City Zen tiene que ver con aguantar la vorágine de la ciudad, donde la música siempre está presente, como el zen que ayuda a relajarte dentro de la locura diaria”, dice Kevin Johansen. “No hace mucho me encontraba descansando cuando el sonido de una sierra eléctrica combinado con el silbido de algunos pajarillos me obligaron a pensar: es una guerra entre el ruido y la nada. Eso es City Zen, el título que había estado dando vueltas en mi cabeza por unos cuantos años”.
Y con el título listo, Kevin Johansen se metió en el estudio de grabación. El resultado es un disco sorprendente por su ingenio, eclecticismo, variedad, sutileza, mestizaje, elegancia, aire callejero, inteligencia, humor… “No creo que ese humor mínimo que han tenido todos los grandes, desde Charly García a Bob Dylan, sea un sentimiento para despreciar. Porque el humor es un sentimiento como el amor, las dudas o los celos”, dice Kevin Johansen de su música, buen antídoto contra el aburrimiento.
En City Zen hay de todo porque 19 canciones de Kevin Johansen dan para mucho. “Desde que te perdí”, primer single del álbum, es una rumbita porteña con aire de milonga; “El palomo” tiene un toque de ska; “Oops” es un bolero pasado por Les Luthiers; “All I wanna do is you” recuerda a la Velvet Underground más lírica; “Atahualpa, you funky!” es un ejercicio de la imaginación que mezcla funk con chacarera en homenaje al maestro Yupanqui; “I don’t know” es delicadeza minimalista; “No voy a ser yo” tiene al lado a Jorge Drexler y se nota; “La Falla de San Andrés” es una cumbia bilingüe… Y no acaba ahí la cosa. Sigamos.
En “The gim in I”, Kevin Johansen enseña como se pueden mezclar con sentido influencias anglosajonas y latinoamericanas; “Volutas de humo” es poesía hablada; “Buenos Aires anti-social club” va por tango, casi como “El incomprendido”; la magnífica “Push your luck” es de lo más pop del álbum; en la “Milonga subtropical” se oyen ecos de batucada; “Tom Zen” es un homenaje al maestro amigo Tom Zé; “Twist del rezo” busca ritmos de los 60, más locomotion que twist y “Tema del zurdo” es un instrumental para cantar mentalmente con una frase de forma rotativa. El disco se cierra con “Everything is (Falling into place)” una “canción simple” dedicada a su hija Miranda de siete años.
Son 19 canciones, una hora y algunos segundos de música que pasan en un vuelo. En City Zen, Kevin Johansen mezcla bandoneón con guitarra trémolo; bombo legüero con scratch; charango con tablas… A su lado, acompañándole en algunas canciones están Jorge Drexler, Vicentico, León Gieco, Rubén Rada, Fernando Cabrera… En las dedicatorias de temas aparecen nombres como Les Luthiers, Albert Pla, David Byrne, Tom Zé, Atahualpa Yupanqui… City Zen es una aventura musical, un viaje que Kevin Johansen se ha inventado para que nos sacudamos la galbana y descubramos algo diferente.
Es lo que pretende Kevin Johansen desde que el 12 de octubre de 1990 se fue a redescubrir Nueva York, donde vivió diez años. Allí creó su grupo The Nada, que también le acompaña en City Zen, y fue un habitual de los escenarios de CBGB, Knitting Factory y Mercury Lounge, antes de regresar a Buenos Aires en el 2000 para instalarse definitivamente.
Fue The Nada el título de su primer álbum en el 2000, en el que ya comenzaba a jugar con ritmos y elementos de diferentes músicas americanas con un sonido pop. A finales de 2002 grabó su disco Sur o no Sur, en el que incidía sobre las mismas ideas: mestizaje estilístico y lingüístico defendido con una voz de amplísima tesitura y un desparpajo hijo de la desinhibición: “Soy un desgenerado”, decía entonces.
En 2003 el público comenzó a darse cuenta de que se estaba perdiendo algo bueno y atendió a Kevin Johansen. Giras por Argentina, España, Estados Unidos y toda América Latina; llenos en el mítico Teatro Gran Rex; tres candidaturas a los Premios Grammy Latinos; repetición de giras con los aforos multiplicados por cuatro… Su música caló poco a poco.
Ahora llega City Zen, reflejando el espíritu urbano de muchas de las ciudades que componen el universo de Kevin Johansen. Un álbum divertido y profundo, inteligente y sencillo, que recupera luz y lucidez para la música. Un disco que permite abusar del botón de repeat, tan abandonado últimamente, para que resuenen las canciones de Kevin Johansen.
miércoles 5 21.30
TOQUINHO
Antonio Pecci Filho, “Toquinho” – voz y guitarra
Silvia Maria Góes de Jesus – piano
Ivani Sabino – bajo
Pedro Paulo D`Elia (Pepa) – batería
Vanda Lúcia Breder – voz y guitarra
Antonio Pecci Filho “Toquinho” (São Paulo, Brasil, 1946). A los 14 años recibe clases de guitarra con Paulinho Nogueira. Se profesionalizó en el seno de la talentosa generación de artistas brasileños de los años 60, como Elis Regina, Zimbo Trio, Marcos Valle o Chico Buarque, con el que compuso su primera canción, “Lua Cheia”, grabada por Chico en 1967.
En 1966 graba su primer LP, O Violão do Toquinho y participa en los populares programas musicales de la TV Record y sus Festivales de la Canción. En 1968, compone con Paulo Vanzolini su canción “Boca da noite”, que será uno de sus temas emblemáticos.
En 1969 viaja para a Italia donde, con su amigo Chico Buarque, realiza una temporada de 45 shows por todo el país. De regreso en Brasil graba su segundo LP, Toquinho, que incluye su primer gran éxito: “Que maravilha”, escrito con Jorge Benjor.
Durante su estancia en Italia participa en el LP La vita, Amico, É L’arte dell’incontro, en el que el poeta G. Ungaretti recita en italiano poemas de Vinicius de Moraes. Éste, complacido, invita al guitarrista a acompañarlo en 1970 en una temporada de actuaciones en el club La Fusa (Buenos Aires) con Maria Creuza. Será el comienzo de una relación profesional que durará 11 años y que llevó a Toquinho e Vinicius por todo el mundo. Juntos crearán más de 100 canciones, grabarán más de 20 LPs y realizarán más de 1.000 conciertos.
Entre los logros de la pareja destaca la creación de los Circuitos Universitarios (conciertos en universidades de todo Brasil), la creación de bandas sonoras para telenovelas, y su show del Canecão (Río de Janeiro) en 1977, con Antonio Carlos Jobim y Miúcha, espectáculo que tiene el record de duración y público en dicho local. Entre sus grabaciones más populares se encuentra la serie de directos En la Fusa, con las cantantes Maria Creuza y Maria Bethania.
En 1974, lanza en solitario Boca da noite. En 1977 y 1978 lanza sucesivamente los discos Toquinho Tocando (instrumental) y Toquinho Cantando. En 1980, Toquinho, Francis Hime y Maria Creuza realizan en trío una gira por 90 ciudades brasileñas. A finales del año lanza el que será su último disco con Vinicius, Um pouco de ilusão.
En 1981, participa en el Festival de Montreux y toca en el Olimpia de París. Lanza su disco Doce Vida. En 1982, compone el disco en italiano Acquarello, con Maurizio Fabrizio, que llega a ser Disco de Oro en Italia. Vuelve a presentarse en Montreux. En 1983, graba en Brasil Aquarela, disco que hace el número 35 en su carrera. Finaliza el año con un nuevo disco para niños, Casa de Brinquedos.
En 1984 lanza Sonho dourado y, al año siguiente, A luz do solo, un disco a guitarra sola. En 1986/87 se presenta en Japón con el saxofonista Sadao Watanabe, y lanza con él en 1988 el CD Made in coraçao. Realiza una gira de 20 días por España.
En 1989 lanza À sombra de um jatobá. En 1990, O viajante do sonho, con versión española para 1992. En 1994/95, celebra el aniversario de su carrera con el CD, libro y gira “Toquinho 30 años de música”. En 1995, participa en el Umbria Jazz-Festival junto a Gilberto Gil.
En 1997, lanza un CD Rom educacional Livro de canções interativo acompañado de un CD doble con sus 30 canciones favoritas. Dirige el proyecto “Herdeiros do futuro”, en colaboración con Elifas Andreato, basado en los Derechos Universales del Niño, donde participan Chico Buarque, Elba Ramalho, Moraes Moreira, Quarteto em Cy y otros invitados. Graba un nuevo disco en agosto, Brasiliando, que alcanza el disco de oro en las primeras semanas de venta. En septiembre realiza varios conciertos con los portugueses Maria João y Mario Laginha.
En 1998, se presenta en compañía de Baden Powell, Carlinhos Lyra, Miele y Miucha en el show “Vivendo Vinícius”.
En 1999, lanza dos discos en colaboración: Instrumental, a dúo con su primer maestro de guitarra, Paulinho Nogueira; y Sinal Aberto, con Paulinho da Viola. También deja grabados cinco CDs de toda su obra con arreglos sinfónicos. A finales de año se presenta con la orquesta y coro infantil Projeto Guri. Ese mismo año, Toquinho todavía participa en el songbook de Chico Buarque y el dos proyectos españoles: una colaboración con el grupo Presuntos Implicados y otra con la cantante Maria Creuza. En Bari (Italia) se presenta en concierto ante más de 20.000 personas.
En 2000 se presenta con el pianista Arthur Moreira Lima y la Orquestra Sinfônica Arte en un homenaje a Villa-Lobos. Lanza un nuevo CD en solitario, Só tenho tempo pra ser feliz, con 10 canciones inéditas. Visita las ciudades españolas de Córdoba, Salamanca e Santiago de Compostela, durante su gira europea de un mes de duración.
A finales de año se lanza un DVD con una selección de conciertos y entrevista con Toquinho con motivo de sus 40 años de carrera.
TOQUINHO: “40 AÑOS DE MÚSICA”
Una distraída mirada sobre la discografía de “Toquinho” -que aglutina más de 80 álbumes- nos muestra todo lo que el cantautor paulista sabe sobre guitarra, su maestría y brasilidad, en piezas propias y en las de Villa-Lobos, Joäo Pernambuco, Agustín Barrios, Garoto, Laurindo Almeida… Si “Toquinho” hubiese dirigido su carrera exclusivamente hacia la guitarra clásica, es indudable que él habría alcanzado también fama internacional. Como en música culta no se admiten apodos, él habría dejado de llamarse “Toquinho”, para convertirse en el concertista Antonio Peci Filho y en su repertorio, habrían más melodías de Sor, Ponce, Brower y otros grandes nombres internacionales de la guitarra clásica. Lo cierto es que “Toquinho” no tomó ese camino, y prefirió poner toda su habilidad y su inmenso talento, al servicio de la música de su país natal: Brasil.
En algo más de 40 años de carrera, ya sea como solista o a lado de compositores como Vinicius de Moraes, Chico Buarque, Jorge Benjor, Paulo Cesar Pinheiro y Paulo Vanzolini; “Toquinho” posee una de las obras más consistentes y bellas de la Música Popular Brasileña. Una obra que lleva siempre el sello inconfundible de su estilo: melodías nada fáciles, pero tampoco con conceptos eruditos impenetrables. Cuando “Toquinho” concibe una melodía sobre una letra terminada, parece que esta fue hecha para aquella, y no lo contrario. Como se dice en el argot guitarrístico, la pieza “se queda en los dedos”, como algo que se toca con placer y sin mayor esfuerzo. En su obra todo fluye naturalmente y sus canciones encantan desde la primera audición.
“Toquinho” es también un gran letrista, y para comprobarlo, basta con escuchar temas como: “A sombra de um jatobá”, “Um acorde solto no ar”, “Cançao para jade”, “Amor ateu” y “Receita da felicidade” por citar algunos.
Casi todo lo que compone “Toquinho” -pensando inclusive en la voz humana como medio de expresión- se adapta perfectamente a la guitarra. Esta característica, sumada a la calidad de su obra, hace extremadamente difícil resumir toda su trayectoria en pocas palabras. A final de cuentas, son más de 340 canciones creadas, 82 discos grabados y 3.000 conciertos ofrecidos a lo largo de 40 años de carrera.
Como dice el escritor Joao Carlos Pecci…” “Toquinho” se ha abrazado con la música desde hace más de 40 años, y lleva en sus hombros a su guitarra, como si esta fuera un niño, que siempre esta exigiendo cuidados especiales. La guitarra convirtió a “Toquinho” en instrumentista, en compositor y lo volvió cantante. Más que un padre, “Toquinho” se tornó en hermano y amigo de su instrumento, hasta fundirse en madera y piel, cuerdas y corazón. Así se conocieron, se entendieron y se complementaron. Esos son “Toquinho y su guitarra…”
viernes 7 21.30
WAYNE SHORTER QUARTET
Wayne Shorter – saxofón
Brian Blade – batería
John Patitucci – bajo
Danilo Pérez – piano
Durante toda su vida dedicada a la música, Wayne Shorter (Newark, New Jersey, EE.UU., 1933), ha sido uno de los grandes innovadores. Desde muy temprana edad como Director de Art Blakey Jazz Messengers, a través de los años con el magnífico Miles Davis Quintet, con el Weather Report Contemporary Ensemble, colaboraciones con Milton Nascimento, etc. Shorter ha ido consistentemente expandiendo y extendiendo los límites y el vocabulario de la música de jazz. Últimamente, Shorter ha estado componiendo música para orquesta con un grupo de jazz.
El repertorio incluye llamativos trabajados revisados y nuevas composiciones. La rica armonía de la paleta de su música y la interacción entre la orquesta y los solos hace su música irresistible para audiencias y también fuertemente interesante para los músicos de orquesta.
Se han llevado a cabo actuaciones de este proyecto en el Licoln Center, con la Detroit Symphony y con la Orquesta de la Universidad del Sur de California. La respuesta de las audiencias y los músicos en estos tres eventos fue extraordinaria; numerosas peticiones de bises y largas ovaciones. Esta temporada la New Jersey Symphony representara este programa como parte de los 3 días de festival de celebración de la música de Wayne Shorter. La orquesta funciona como una voz líder, en dialogo e interacción con las improvisaciones de Shorter y su grupo.
El Director de la orquesta para este programa es Robert Sadin el cual acredita varios premios Grammy por su trabajo con el pianista de jazz Herbie Hancock, así como un alto reconocimiento en las grabaciones de Ellington, Gershwin y otros. La trayectoria de Mr. Sadin incluye la dirección de las actuaciones del Ballet de la Ciudad de Nueva York, la grabación y los conciertos con Kathleen Battle, y actuaciones operísticas de música de Debussy, Verdi, Puccini, Stravinsky, Schoenberg y Britten, entre otros. Sadin es particularmente la persona ideal para este tipo de unión entre el vocabulario y lenguaje musical del mundo del jazz y la música sinfónica.
El programa habitual incluye pequeños grupos de improvisaciones y también una destacada reinterpretación de las Bachianas Brasileiras de Villa-Lobos. El cello de la Orquesta se une a Shorter y a su grupo durante esta selección. (La cual también es presentada por Mr. Shorter en el siguiente álbum).
La Orquesta sola presentará un arreglo de una Coral de Bach, -Preludio y Fuga- el magnífico preludio en órgano Das Alte Jahr Vergangen ist y la Fuga BWV946, seguido por la composición de Shorter Angola, que se presenta mediante una poderosísima sección metálica de percusión africana. Esta selección es seguida por Orbits, una profunda revisión del original de Miles Davis que pone de relieve una composición lírica para cuerda y una sección de Blues con un solo de Shorter acompañado por la orquesta.
Syzygy es el mayor trabajo para orquesta de Shorter, incluye una brillante sección metálica orquestal, así como varios casi hipnóticos “obstinatos” por la orquesta la cual da apoyo a una amplia gama de exploraciones melódicas de Shorter y su grupo entero.
Este programa es quizás el único que conjuga una orquesta y un grupo de jazz juntos en el mismo camino ambos de forma natural.
El programa es muy novedoso y al mismo tiempo inmensamente atractivo e interesante para las audiencias.
sábado 8 21.30
ESTRELLA MORENTE
Mujeres
El pasado 16 de mayo salió a la venta Mujeres, tercer trabajo discográfico del fenómeno jondo Estrella Morente. Casi cinco años hemos tenido que esperar para volver a escuchar una de las voces femeninas más grandes e importantes que ha dado la historia del flamenco.
A sus veintiséis años, ya ha conseguido vender más de 100.000 copias de cada uno de sus anteriores trabajos, Mi cante y un poema y Calle del aire, aupándose en la cima del cante flamenco de todos los tiempos.
En Mujeres, todo un homenaje a la mujer de ayer y de hoy, encontramos trece nuevas canciones producidas por su padre, Enrique Morente, y en las que Estrella despliega una amplísima gama de sonidos y estilos que incluyen alegría, tango argentino, fado, bulería, soleá, taranta y canción clásica. Mujeres son trece homenajes a sus mitos, mujeres artistas y luchadoras del siglo XX: “La joya” – La Gazpacha, La Repompa, La tía Concha. “Tangos de Graná” – “Zambra” – Chavela. “La noche de mi amor” – Rocío Jurado. “Vuelvo al Sur” – Yerma. “Nana” – Imperio Argentina. “Ay, Mari Cruz” – Penélope Cruz. “Volver” – Susana Rinaldi. “Nostalgias” – “La perla de Cádiz”. Bulería – Carmen Linares. “Taranta” – “Pastora”. Soleá – Nina Simone. “Ne me quitte pas”. Mujeres demuestra que Estrella Morente, además de ser una cantaora de una ductilidad y una largura fuera de lo común, una cantante sólida, convincente y convencida; una actriz creíble y una mujer valiente que arriesga al máximo en estilos de gran dificultad.
El arte de Estrella Morente llega tan lejos que resulta imposible clasificarlo; su voz, su fuerza, su precisión y pasión le otorgan el don de divinizar cualquier registro musical que se proponga.
miércoles 12 21.30
ERIC BURDON & THE ANIMALS
Soul of a man
ERIC BURDON voz
Eric McFadden guitarras, voz
Paula O’Rourke bajo, voz
Red Young teclados, voz
Wally Ingram batería, voz
Nacido en Walker, Newcastle, el 11 de mayo de 1941, en plena guerra mundial, desde niño fue aficionado a la música. A los 15 años ingresó en la Escuela de Arte de su ciudad natal para estudiar Diseño Gráfico e Industrial. Allí conoció a otros aficionados con los que empezó a tocar en bandas, la primera de ellas The Pagans Jazzmen, en la que también estaba John Steel. Desde entonces hasta 1963, Eric estuvo en diversas bandas en las que se fue formando su estilo musical y en las que a veces coincidía con otros miembros de los futuros Animals.
En 1963 se fue a Londres para intentar hacer una carrera en solitario, pero volvió a Newcastle y se unió a The Alan Price Comboen la que ya estaban Chas Chandler, Hilton Valentine y John Steel. Cambiaron su nombre por el de The Animals.
The Animals alcanzaron un gran éxito en toda la zona norte de Inglaterra y se lanzaron a conquistar Londres, la capital mundial de la música Pop en aquél momento. Hicieron una gira por Inglaterra con gente como Chuck Berry y grabaron “The house of the rising sun”, su canción mas emblemática y conocida que, poco después de su lanzamiento fue capaz de sustituir en el número uno a The Beatles en las listas de Estados Unidos, de Inglaterra y de todo el mundo. A partir de ese momento The Animals fueron famosos y el que más fama alcanzó fue su líder, Eric Burdon.
La carrera de los originales The Animals duró en realidad muy poco tiempo. Burdon ponía su poderosa garganta al servicio de unos textos crudos y unas interpretaciones descarnadas. Si algún blanco “sonaba auténtico” cantando el blues, ese era Burdon. Su reconocido mal carácter además de la afición de todo el grupo a la bebida, hizo que la vida de la banda fuese corta. Demasiadas peleas, demasiado éxito, demasiados egos. En 1964 Alan Price deja la banda y es sustituido por Dave Rowberry. Con esta formación grabaron un disco importante, Animalisms, pero poco después John Steel también se fue y en poco tiempo la banda se disolvió. Sin embargo, la cuestión no es durar, sino dejar una obra perdurable, y eso sí que lo lograron. Casi cuatro décadas después, The Animals son clásicos del blues blanco.
My secret life, presentado en su día en el Teatro Cervantes de Málaga es un trabajo elegante, con grandes dosis de Jazz, Blues y Rock; en el que Burton no pierde un ápice de su creatividad ni de su inmenso talento. La producción y arreglos del disco son de calidad exquisita.
Después de su disco en directo, Athens Traffic-Live (2005), Eric Burdon vuelve con un nuevo trabajo en estudio, Soul of a man. Y lo hace de la misma manera que su colega Leslie West, quien hace unos meses firmaba un trabajo de versiones de rock and roll de todos los tiempos, incluidos también algunos himnos de hard primigenio. Por el contrario Eric Burdon se ha metido de lleno en sus influencias soul, blues y gospel, además de la música tradicional, para crear un disco de versiones en los que mete su voz, su inigualable voz, que lleva más de cuarenta años grabando discos, desde el lejano 1964, cuando grababa el primer single con su banda The Animals. Es este un disco para recrearse en el buen hacer de un artista que se ríe de las modas, que las ve pasar a su alrededor como si se tratara de extrañas corrientes musicales que poco o nada tienen que ver con la auténtica creatividad musical.
Es de agradecer que aún existan músicos con talento y con ganas de mostrarlo. Vuelve Burton y vuelven The Animals.
jueves 13 21.30
WYNTON MARSALIS &
THE LINCOLN CENTER JAZZ ORCHESTRA
WYNTON MARSALIS – Trompeta
THE LINCOLN CENTER JAZZ ORCHESTRA
Carlos Henríquez
Joe Temperley
Walter Blanding
Ted Nash
Sherman Irby
Víctor Goines
Vincent Gardner
Andre Hayward
Ryan Kisor
Marcus Printup
Sean Jones
David Robinson
Daniel Nimmer
Susan John
Raymond Murphy
Andre Guess
Eric Wright – Tour Manager
Fernando Do Couto
Frank Stewart
Marsalis ha posibilitado que el jazz estuviera en primer plano en la cultura americana gracias a sus magníficas actuaciones, grabaciones, composiciones, esfuerzos en la enseñanza y a su visión como Director Artístico de la conocida organización Jazz at Lincoln Center de Nueva York. La posición de Wynton Marsalis se afianzó definitivamente cuando en abril de 1997 recibió el prestigioso Premio Pulitzer de la música por su trabajo Blood on the fields, encargo del Jazz at Lincoln Center.
(Nueva Orleans, Louisiana, 1961) Wynton Marsalis comenzó a los doce años su educación clásica con la trompeta. Empezó tocando con bandas locales, grupos de jazz y funk, y jóvenes orquestas clásicas con las que fue ganando experiencia. Ingresó en la Juilliard School en 1979 a los diecisiete años y se le reconoció pronto como el más destacado trompetista en este prestigioso conservatorio. Ese mismo año también se unió a Art Blakey y The Jazz Messengers, la conocida banda en la que generaciones de jóvenes artistas de jazz habían desarrollado su destreza. Marsalis hizo debutó en 1982 y en las siguientes dos décadas produjo un incomparable catálogo de unas cuarenta grabaciones de jazz y clásica para Sony Classical y Columbia Jazz, por las que ha ganado nueve Grammys. En 1983 se convirtió en el primer y único artista en ganar tanto un Grammy por la categoría en música clásica como por el jazz en el mismo año y, extraordinariamente, repitió esta hazaña en 1984. En 1999, lanzó ocho grabaciones nuevas en su serie “Swinging into the 21rst.”, que incluye una caja de con siete discos compactos.
Marsalis es el Director Musical de la afamada The Lincoln Center Jazz Orchestra, que se dedica medio año a estar de gira. Marsalis también le dedica mucho tiempo a la composición de nuevos trabajos, muchos de los cuales son encargados y estrenados en el Lincoln Center. Los trabajos de Marsalis incluyen Them Twos, de la segunda colaboración entre Jazz at Lincoln Center y el New York City Ballet en 1999; Big Train, encargada y estrenada en 1998 por Lincoln Center; Sweet release, una pieza de ballet escrita en 1996 para el Lincoln Center y coreografiada por Judith Jamison para el Alvin Ailey American Dance Theater; At the Octoroon Balls, una pieza de 1995 estrenada por el Orion String Quartet con la Chamber Music Society del Lincoln Center; Jazz: Six syncopated movement, colaboración en 1993 entre el Lincoln Center y el New York City Ballet; Jump Start, una composición para el bailarín y coreógrafo Twyla Tharp; City Movement/Griot New York, una composición de tres movimientos compuesta para un septeto de jazz, creada en colaboración con el coreógrafo Garth Fagan;In This House, On This Morning, una pieza basada en el gospel tradicional, encargada por el Lincoln Center en 1992. Su último trabajo, All Rise, es una composición con doce partes que fue encargada y estrenada por la New York Philharmonic con Lincoln Center Jazz Orchestra y el Morgan State University Choir en Diciembre de 1999, cuya grabación fue lanzada en Septiembre de 2002.
Marsalis es respetado a nivel internacional como profesor por su educación musical, y ha recibido el Doctorado Honoris Causa de más de una docena de Universidades. También ha intervenido en la producción de televisión, Music for the Public Broadcasting System y la serie “Making the music” para la Radio Pública Nacional, por el que ganó el Peabody en 1996. Marsalis también ha escrito un libro para PBS, así como Sweet swing blues on the road en colaboración con el fotógrafo del Lincoln Center, Frank Stewart.
Marsalis ha sido nombrado uno de los “25 americanos más influyentes” por la revista Time. En Marzo de 2001 Marsalis fue nombrado por las Naciones Unidas Mensajero de la Paz por el secretario Kofi Annan y en Junio de 2002 recibió el Horizon Award del Congreso.
En 2005 presenta Live at the house of tribes, un monumento sonoro al Jazz más puro. Un directo reeditado ahora para deleite de los aficionados al jazz donde es posible observar la evolución de un género en sí y de un instrumento que mandado por Marsalis nunca deja de sorprendernos.
El bajo de Nakamura es toda una lección para quienes empiecen a aficionarse a este instrumento y a quienes siempre disfruten con él. Magníficos todos cuantos intervienen en una grabación legendaria. Jazz por amor al jazz.
sábado 15 21.30
THE CHIEFTAINS
Paddy Moloney gaita y silbato
Seán Keane violín
Matt Molloy flauta
Kevin Conneff percusiones
Triona Marshall arpa
Clem O´Brien guitarra
Jon Pilatzke violín y baile
Cara Butler baile
Ivonne McMahon vocalista
Nathan Pilatzke baile
Ganadores de Grammy en seis ocasiones, The Chieftains, son conocidos por atraer la atención del mundo hacia la música tradicional irlandesa. Han descubierto la riqueza de esta música acumulada durante siglos, haciendo de esta suya.
The Chieftains se formaron en 1962 por Paddy Moloney, de las filas de lo más importantes músicos de folk de Irlanda. Paddy reunió músicos como el violinista Martín Fay, el flautista Michael Tubridy, el virtuoso Sean Potts y David Fallon. Registraron a un álbum instrumental, cinco años después se reunieron pero añadiendo algunos músicos el violinista Sean Keane y Peader Mercier reemplazando a Fallon. El arpista Dereck Bell se les unió en 1973. Pero no fue hasta 1975 que The Chieftains empezaron a tocar juntos durante largo tiempo y marcaron un acontecimiento histórico con su actuación en el Albert Hall de Londres. Unos años después vieron partir a Mercier, y se unió a ellos Kevin Conneff. Ente el 78 y 79 surgió otro cambio en la formación del grupo con la marcha de Potts y Tubridy, contaron con nuevo flautista, Matta Mohillo.
Aunque su público en principio eran seguidores del folk, la gran gama y variaciones que abarca su música captó rápidamente la atención de un público más amplio, haciendo de ellos la banda irlandesa más conocida del mundo.
Nunca les preocupó el choque con los puristas, en sus 40 años juntos The Chieftains se han involucrado en eventos como un viaje a China, (el primer grupo occidental que actuó en el Great Wall), Roger Waters “The Wall” actuación en Berlín en 1990, se convirtió en el primer grupo que dio un concierto en el Capitol Building de Washington, y más recientemente, Paddy actuó en un homenaje en Octubre en Nueva York por las victimas del 11-S. Han actuado con muchas orquestas sinfónicas y de folk de todo el mundo y han roto límites musicales por colaboraciones y actuaciones con algunos de los más importantes nombres del rock, pop y música tradicional en Irlanda y del resto del mundo.
Con seis Grammys en su haber, han sido reconocidos oficialmente en su país por el nombramiento de Embajadores Musicales de Irlanda, actuando durante la visita del Papa a Irlanda en 1979 frente a un público de 135.000.000 personas.
Los atavíos de la fama no han alterado el amor y la lealtad a sus raíces, tocan de forma cómoda y espontánea sesiones Irlandesas dando título un concierto en el Carnegie Hall. Después de todos estos años de realizar la mas hermosa música del mundo, su música permanece fresca y relevante como en sus comienzos.
martes 18 21.30
CHRISTOPHER CROSS
Christopher Geppert (San Antonio, Texas, EE.UU., 1951), mundialmente conocido como Christopher Cross fue, sin ninguna duda, una de las más grandes superestrellas de 1980, definiendo un estilo de suaves y sofisticadas baladas, que tienen como emblema el éxito mundial “Sailing”, gracias a la que Cross saltó a la fama. Sin embargo, su popularidad descendió a pesar que continuó grabando y haciendo giras en los años que le sucedieron.
Cross primero formó parte de la banda de covers de Austin, Flash, antes de firmar su contrato como solista con Warner Bros. en el otoño de 1978. Su primer álbum, Christopher Cross, apareció dos años después con el primer sencillo “Ride like the wind”, que llegó de inmediato al puesto dos de las listas musicales; pero el éxito masivo, como ya hemos comentado, lo alcanzó con el segundo, “Sailing”; gracias a éstos y otros temas como “Never be the same” y “Say you’ll be mine” obtuvo cinco premios Grammy en 1981, incluyendo Mejor Nuevo Artista y Canción del Año por “Sailing”. Además, obtuvo un Óscar de la Academia por “Best you can do (Arthur’s Theme)” que co-escribió junto a Burt Bacharach, Carole Bayer Sager y Peter Allen para la comedia cinematográfica de Dudley Moore Arthur, el millonario seductor.
El segundo trabajo discográfico de Cross, Another page, no logró el éxito de su predecesor a excepción del tema “Think of Laura” (popularizado a través de su constante presencia en la serie de televisión General Hospital), pero más sorprendente resulta el hecho de que nunca volviera a las listas de los más vendidos. Every turn of the world apareció sin a penas repercusión en 1985. En 1988 con Back of my mind concluye su colaboración con la Warner. Tras cambiar de discográfica, en 1993 publicó Rendezvous (BMG), un álbum en el que se incluía “In the blink of an eye”, tema que le hizo sonar de nuevo en todas las emisoras del mundo. Le siguió Window en 1995 y, en 1998, firma con el sello CMC International con el que lanza Walking in Avalon, un disco doble que combina material nuevo grabado en estudio con sus éxitos del pasado cantados en vivo. Cross regresó en la primavera de 2000 con The red room… y, en 2002, apareció una recopilación de sus grandes éxitos The very best of Christopher Cross, de momento su último trabajo discográfico.
jueves 20 21.30
ERYKAH BADU
Dallas, EE.UU., 1971, donde sigue viviendo, Erykah salió por primera vez al escenario cuando tenía cuatro años con su madre, actriz profesional, y escribió su primera canción a los siete.
El encuentro con un manager mientras trabajaba en un cine local le permitió encauzar su trabajo en vivo asiduamente, teloneando a estrellas del hip-hop. Con 19 años, atrajo a los grandes sellos discográficos, y un acto con D´Angelo la puso en contacto con su manager y ahora presidente de Motown, Kedar Massenburg, con el que firmó un contrato para grabar en solitario.
Mucho se ha dicho sobre la brillante síntesis de estilos de Badu, desde Billie Holiday y Bessie Smith hasta Marvin Gaye, Curtis Mayfield y Chaka Khan. “Hay millones y millones de átomos de fuerza de su música en mi música,” dice Badu.
Cuando un artista cambia minuciosamente las normas hasta el punto que es difícil recordar como eran esas normas antes de que ella saltara a la escena. Con su tercer álbum Mama´s gun, la artista del sello Motown es otra vez en la cumbre de la creatividad.
Erykah fusiona jazz, R&B y hip-hop, influencias con las que ha crecido toda su vida.
El single del disco “Bag Lady”, y su correspondiente vídeo-clip, dirigido por ella misma, devolvió a Erykah un número uno en ventas, siendo emitido por las radios antes de la venta de su disco.
Su primer trabajo discográfico, Baduizm, fue tanto un triunfo personal como un hito en el R&B, llegando hasta el numero dos de las listas, siendo el debut más importante para un músico novel en el mercado y anunciando un talento maduro y completamente formado.
Badu dijo ese año: “mientras escribía y componía esta música, continué creciendo como persona, tanto como mujer como africana-americana”. Su amor a la creatividad y su autoconfidencia eran palpables, todo eso mostraba su irresistible magnetismo mientras iba cantando cada canción de su disco.
“On and on” era un canción perfecta para una apertura. La canción fue comparada vocalmente con Billie Holiday, y el video clip, mostrando escenas de la película El color púrpura, introdujo un estilo personal y visual tan coherente que parecía que Badu hubiera estado trabajando en la gran pantalla regularmente.
Baduizm vendió un millón de copias en dos meses, alcanzando los tres millones poco después. Tan pronto como su puesta en escena impacto al mundo con su gira “Smokin´ Grooves Tour”, le llevó a publicar un disco en directo que vendió otros dos millones de copias.
Después llegarían los premios: dos Grammy Mejor Disco R&B y Mejor Cantante femenina de R&B, cuatro premios Soul Train, cuatro premios Lady of Soul, dos NAACP y un American Música, todo en su primer año. Volviendo en 2000 al podio de los Grammy con su grupo colaborador The Roots.
viernes 21 21.30
THE DIVINE COMEDY
Victory of the comic muse
Neil Hannon voces y guitarra
George McCullagh bajo
Kevin Traynor batería
Joby Talbot piano
The Divine Comedy es el proyecto de pop orquestal del galán Neil Hannon. El grupo que originalmente nació como un trío de guitarras influenciado por R.E.M., pronto se convirtió en una exquisita formación que pretendía inundar de romanticismo un mundo falto de exuberancia emocional. Formados en 1989 en Londonderry (Gran Bretaña) por Hannon, George McCullagh y Kevin Traynor, estos casanovas del pop de cámara se reducen hoy a un proyecto casi personal de su líder, quien se acompaña de su inseparable Joby Talbot para seguir predicando sus mandamientos de romanticismo inmortal.
Demostrando su gusto por el estilo de grandes galanes como Burt Bacharach o Scott Walker, The Divine Comedy no han parado de editar discos refinados y sobresalientes, obras maestras del pop sofisticado de los noventa como Promenade (1994) y Casanova (1996). Ambos álbumes confirmaron las excelentes críticas de sus primeros lanzamientos, propiciaron la formación de una audiencia más numerosa y definida, y les llevaron a alcanzar ventas de escándalo. En otras palabras, The Divine Comedy fueron como un elegante balón de oxígeno en medio de la maraña brit-pop que protagonizaban Blur, Oasis, Pulp y Suede. Grandiosos y dulcemente irónicos, ponían al día las melodías operísticas de Jacques Brel con un nuevo y ampuloso romanticismo que les llevaba, por ejemplo, a entregar su próximo disco el día de San Valentín de 1997. A short album about love confirmaba la genialidad de Hannon a la hora de facturar estilizadas y atemporales viñetas poéticas y se convertía en su mayor éxito de ventas, además de suponer la transición hacia Regeneration (2001), una obra producida por el habilidoso Nigel Godrich y que significaría la despedida de los siete miembros oficiales que se habían unido a la banda.
Cuando se cumplen 15 años de su inicio como formación, el romance que comenzara con Liberation (1993) se cierra a día de hoy con el fantástico Absent friends (EMI, 2004), un regreso por todo lo alto a las majestuosas formas de antaño. En él, Neil Hannon ha colaborado de nuevo con Nigel Godrich y se rodea de personalidades musicales como el genio Yann Tiersen. Y, ¿cuál es su sentencia?, ¿cielo o infierno?. Pues directamente, y aunque no forme parte del mapa de Alighieri, le colocamos en el olimpo de los crooners más refinados e irónicos del pop actual.
El 19 de junio de 2006 presentan nuevo disco, Victory of the comic muse.
precios
A B C D
BOB GELDOF 24 € 18 € 13 € 9 €
KEVIN JOHANSEN + THE NADA 21 € 16 € 12 € 7 €
TOQUINHO 30 € 22 € 16 € 11 €
WAYNE SHORTER QUARTET 45 € 35 € 25 € 16 €
ESTRELLA MORENTE 24 € 18 € 13 € 9 €
ERIC BURDON & THE ANIMALS 45 € 40 € 35 € 30 €
WYNTON MARSALIS &
THE LINCOLN CENTER JAZZ ORCHESTRA 48 € 36 € 26 € 16 €
THE CHIEFTAINS 45 € 35 € 25 € 16 €
CHRISTOPHER CROSS 30 € 22 € 16 € 11 €
ERYKAH BADU 60 € 45 € 30 € 30 €
THE DIVINE COMEDY 18 € 18 € 18 € 18 €
Todos los conciertos se celebrarán en el Teatro Cervantes.
Este avance de programación tiene carácter informativo, pudiendo ser objeto de posteriores modificaciones.
venta de localidades
TEATRO CERVANTES Ramos Marín, s/n, 29012 Málaga
De lunes a sábado, de 11.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h.
En julio, de lunes a sábado, de 11.00 a 14.00 y de 18.30 a 21.30 h.
Domingos, una hora antes de cada concierto
Venta telefónica 952 224 100
PLAZA DE LA MARINA (Sede central de UNICAJA)
De lunes a viernes, de 11.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h.
En julio, de lunes a viernes, de 11.00 a 14.00 y de 18.30 a 21.30 h.
TEATINOS Bv. Louis Pasteur
De lunes a viernes, de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00 h.
Punto de venta cerrado en el mes de julio
UNITICKET
Teléfono 902 360 295
INTERNET
www.teatrocervantes.com
aparcamientos
En calles Tejón y Rodríguez, Refino, Granados y Alcazaba
TERRAL NOCHE
Auditorio Municipal
miércoles 19 22.00 h. CHRISTINA ROSENVINGE
21 € Continental 62
MERCURY REV
The secret migration
BELLE & SEBASTIAN
The life pursuit
TERRAL NOCHE
Auditorio Municipal
CHRISTINA ROSENVINGE
Continental 62
Christina Rosenvinge es hija de una familia de daneses afincada en Madrid. En los años ‘80 descubre el pop frecuentando los primeros conciertos de los grupos de la movida. Forma su propio grupo mod a los quince años, Ella y los Neumáticos, junto a Lars (Décima víctima), Rodrigo (Ciudad Jardín) y Edi Clavo {Gabinete Caligari}. El grupo se disuelve en el 81 sólo con una maqueta grabada después de unas cuantas actuaciones memorables en los clubs míticos de la movida.
Después de algunos proyectos oscuros que no llegan a tener nombre conoce a Álex de la Nuez con el que forma Álex y Christina, grupo de influencia francesa que llegará a tener un enorme éxito con sus dos discos, Álex y Christina (87) y El ángel y el diablo (89).
Tras abandonar el grupo, comienza su propio proyecto “Christina y los subterráneos” con el que graba dos discos, Que me parta un rayo (92) y Mi pequeño animal (94), de nuevo con gran repercusión, y después otros dos como Christina Rosenvinge, Cerrado (97) y Flores raras (98). En los últimos discos, según con su desarrollo como compositora y arreglista, inicia un camino más personal dentro de su estilo con el que pierde el éxito masivo, pero se convierte en una figura de culto respetada por la crítica y el público especializado.
En 1999 Christina se traslada a Nueva York donde inicia una nueva carrera en el mundo anglosajón. Tras actuar en Nueva York durante unos meses graba un disco, Frozen pool (01), que la sitúa en la constelación indie americana. Va de gira por EE.UU. y Europa, tocando en algunos festivales como All tomorrows parties en Los Angeles, Les femmes s`melent en París y Poitiers y South by southwest music media en Texas. El disco se publica en Japón.
Foreign land (02) es su segundo disco mayoritariamente en inglés. Se publica en España en la colección del Europeo junto con un libro de imágenes realizadas por Ray Loriga. En USA se publica un año más tarde.
Continental 62 es el vuelo que conecta Newark, NY, con Barajas, y es también la tercera parte de la trilogía iniciada con los trabajos anteriores, Frozen pool y Foreign land. En este nuevo disco, con el que se estrena Soster, el nuevo sello de Christina Rosenvinge, colaboran de nuevo los músicos neoyorquinos Steve Shelley (Sonic Youth, Two Dollar Guitar), Jeremy Wilms (Chin Chin, Antibalas), Tim Foljahn (Two Dollar Guitar, Cat Power) y Lee Ranaldo (Sonic Youth, Text of Light), además de los músicos españoles Charlie Bautista (Melusa) y Suso Sáiz, quien además firma la producción junto a Rosenvinge.
La grabación se ha realizado a lo largo de más de un año en sucesivas visitas de sus músicos a Madrid, periodos de reflexión y colaboraciones vía internet con estudios neoyorquinos.
En este nuevo trabajo de pop vanguardista se encuentran conexiones entre el pop intelectual europeo y el underground neoyorquino. Las letras, en inglés y en español, están cuidadosamente escritas para encajar en unas melodías originales a la vez que adherentes. Piezas de corte experimental junto a canciones de estructura clásica reinventadas a través de un sonido rotundo, audaz e innovador, en el que se entretejen la melancolía hermosamente oscura y la infinita fragilidad que caracterizan el sonido de Christina Rosenvinge en los últimos tiempos. Sofisticación y sencillez. Refinamiento y visceralidad. Juntar extremos contrarios es algo que se le da bien a esta cantautora llena de contradicciones La calidez de la improvisación acústica se abre inesperadamente para dar lugar a paisajes sonoros tridimensionales.
Rosenvinge sigue expandiendo su creatividad sin complejos ni presiones. Libre y feliz, estratégicamente situada en el siglo 21.
MERCURY REV
The secret migration
Jonathan Donahue – voz y guitarra
Sean Mackowiak “Grasshopper” – guitarra y clarinete
Jeff Mercel – batería y piano
Dave Fridmann – bajo
Banda estadounidense con resonancias de la Velvet Underground, los Pixies, los Pink Floyd con Syd Barrett, Dinosaur Jr., Pere Ubu, Sonic Youth, Flamin’ Lips, Beatles, Brian Wilson o Curt Boettcher, que tras unas primeras e interesantes manifestaciones sonoras dentro del noise psicodélico evolucionó hacia músicas más conceptuales y sofisticadas, pop psicodélico o, dentro de éste, dream pop, siempre con una significativa búsqueda de texturas lisérgicas y un sutil tacto en el desarrollo melódico. El grupo se creó en la ciudad de Buffalo (Nueva York). Estaba compuesto en esta primera formación por el cantante y guitarra David Baker, el cantante y guitarrista Jonathan Donahue, el bajista Dave Fridmann, la flautista Suzanne Thorpe, el guitarra y clarinetista Sean Mackowiak, llamado por sus colegas Grasshopper, y el batería Jimy Chambers.
En sus inicios y cuanto todavía sus actuaciones y tejemanejes eran más un experimento que otra cosa, como realizar bandas sonoras para películas independientes que veían sus amigos y sus familiares a lo sumo, los diferentes miembros del grupo también hacían sus diferentes pinitos por aquí y por allá dentro de la industria del rock.
Jonathan Donahue trabajaba como promotor de conciertos y, en 1990, tocó con los Flaming Lips bajo producción de su amigo Dave Fridmann, quien se convertiría en pieza clave para el sonido de Mercury Rev por su prestigio en el trabajo en el estudio. También sería importante en varios discos de otros grupos interesantes como Luna, The Delgados o Mogwai, a los que produjo en varias ocasiones.
En 1991 los Mercury Rev, casi sin actuar en vivo y después de que su demo fuese ignorada por las compañías discográficas de su país, consiguieron llamar la atención del sello británico Rough Trade, logrando grabar allí su primer LP, Yerself is steam (1991), un disco neopsicodélico con ínfulas art-rock y temas como la extensa y velvetiana “Chasing a bee”, la abrasiva “Syringe mouth” o “Coney Island cyclone” que fue celebrado de manera notable por la prensa inglesa pavimentando una carrera que depararía una buena pléyade de discos meritorios. Por esa época también grabaron uno de sus temás más importantes, el single “Car wash hair”, que también aparece incluido en algunas ediciones del Yerself is steam.
Los choques de ego y varios sucesos hinchados de manera sensacionalista hicieron tambalear la consistencia de la banda a pesar de que se reuniesen para grabar la continuación del disco debut, Boces (1993), otro grato muestrario noise con dosis de experimentación y piezas como “Something for Joey”, “Meth of a Rockette’s Kick” o “Trickle down”.
Después de este álbum se produjo un cambio bastante notorio en el grupo. El problemático David Baker, en constantes conflictos con los demás miembros del grupo por su antojadizo comportamiento, dejó el grupo y dio comienzo a un nuevo proyecto denominado Shady. Por su parte sus compañeros publicarían See you on the other side (1995), un disco que se orientaría hacia acomodos más sofisticados, más conceptuales y más enfocados en las texturas, tanto vocales como instrumentales. El single “Everlasting arm”, “Empire State” o la rockera “Young man’s stride” son algunos de los temas de este estupendo trabajo.
Esta nueva dirección fue proseguida con tino en su siguiente disco, uno de los mejores de su carrera, el hipnótico, hermoso e imprescindible Deserter’s songs (1998), con delicadas gemas como “Holes”, “Tonite it shows”, “Opus 40” o “Endlessly”, con ecos de Curt Boettcher, Brian Wilson, Pink Floyd e incluso del pop tradicional del Tin Pan Alley, no en vano el grupo haría una versión, encontrada en “The Dark is rising”, del “Blue Skyes” de Irving Berlin. Otra gente versionada en su carrera por los Mercury Rev fueron maestros como Neil Young (“Motion Pictures” o “Philadelphia”), Bob Dylan (“He was a friend of mine”), John Lennon (“Isolation”) o Burt Bacharach/Hal David (“Raindrops keep falling on my head”). En Deserter’s songs hubo dos colaboraciones de lujo: Levon Helm y Garth Hudson de The Band.
Previamente a este álbum habían grabado, en contraste con el sonido de “See you on the other side” y con el seudónimo de Harmony Rockets, el disco Paralyzed mind of the archangel void (1995). Tras Deserter’s songs Mercury Rev llegó un acuerdo para trabajar nada más y nada menos que con el mismísimo y gran Jack Nitzsche. Lamentablemente el proyecto no llegó a puerto a causa de la muerte de éste. El grupo, sin embargo, no se amilanó y presentó All is dream (2001), imaginativo disco que prorrogaba el dream pop anterior con temas “The dark is rising”, “Lincoln’ eyes” o “Tides of the moon”.
Su último trabajo es The secret migration (2005), álbum que vuelve a deparar otra gran colección de piezas llenas de delicadeza y sutileza como “Secret for a song”, “Diamonds”, “Vermillion” o “Across yer ocean”.
BELLE & SEBASTIAN
The life pursuit
Stuart Murdoch – voces, guitarra y teclados
Stevie Jackson – voces y guitarra
Chris Geddes – teclados
Sarah Martin – violín y voces
Mick Cooke – trompeta y bajo
Bobby Kildea – guitarra y bajo
Richard Colburn -batería
Belle & Sebastian es un grupo de pop escocés formado en Glasgow en enero de 1996 bajo la tutela de un curso de negocio musical y formado apoyándose principalmente en el talento creativo de Stuart Murdoch. Su primer álbum, Tigermilk, fue grabado como parte de dicho curso y lanzado por el sello independiente Electric Honey.
Tras haber firmado con un sello ligeramente más grande, Jeepster Records, lanzaron el álbum If you’re feeling sinister en 1996 y una secuencia de sencillos a lo largo de 1997. Su tercer álbum, The boy with the Arab Strap (1998), entró en la lista de los top 20 en el Reino Unido y la banda fue entonces proclamada “Mejor Banda Revelación” en los premios Brit Awards de 1999. Ese también fue el año del Bowlie Weekender, un festival musical lanzado por Belle & Sebastian.
En julio de 2002 anunciaron nuevo cambio de sello, esta vez a Rough Trade Records y, en 2003 lanzaron nuevo trabajo, Dear catastrophe waitress, que fue nominado para los premios Mercury Music Prize de 2004. Aunque las canciones de Belle & Sebastian se han convertido en relativamente habituales en las emisoras de radio británicas, aún les queda por pegar con fuerza en el mercado estadounidense.
Aunque presentando una imagen de grupo alternativo al gran público, las canciones agridulces de Belle & Sebastian inspiran una lealtad fanática entre sus seguidores, similar a la experimentada por The Smiths durante sus días de gloria. Parte de esta lealtad es debida a que, hasta 2003, la banda no incluía sencillos en sus álbumes. Así pues, estar en posesión de su discografía completa se puede considerar como una distinción de pura devoción.
En enero de 2005 Belle & Sebastian fueron votados mejor banda escocesa en una encuesta realizada por la guía escocesa de entretenimiento The List, llegando a superar a Simple Minds, Idlewild, Travis, Franz Ferdinand and The Proclaimers, entre otros.
El nombre del grupo proviene de Belle et Sébastien, un libro infantil escrito por el francés Cécile Aubry y en el que se relatan las aventuras de un chico (Sébastien) y su perro (Belle). Dicha obra fue llevada a la televisión en formato de serie en 1965 y en formato de dibujos animados en 1981.
Entre sus antiguos miembros se encuentran Isobel Campbell (voces y cello) y Stuart David (bajo). Para algunos proyectos paralelos incluyen las bandas Gentle Waves, V-Twin, y Looper.
Su nuevo albúm, The life pursuit fue presentado en febrero de este año en sólo tres en lugares del mundo, Nueva York, Londres y Málaga (Teatro Cervantes), donde ahora repiten.
Los conciertos de julio
1 ∙ 21 julio
sábado 1 21.30 BOB GELDOF
ÚNICO CONCIERTO EN ESPAÑA
martes 4 21.30 KEVIN JOHANSEN + THE NADA
City Zen
miércoles 5 21.30 TOQUINHO
viernes 7 21.30 WAYNE SHORTER QUARTET
sábado 8 21.30 ESTRELLA MORENTE
Mujeres
miércoles 12 21.30 ERIC BURDON & THE ANIMALS
Soul of a man
jueves 13 21.30 WYNTON MARSALIS &
THE LINCOLN CENTER JAZZ ORCHESTRA
sábado 15 21.30 THE CHIEFTAINS
martes 18 21.30 CHRISTOPHER CROSS
jueves 20 21.30 ERYKAH BADU
viernes 21 21.30 THE DIVINE COMEDY