Lou Reed presentará en el escenario del Teatro Cervantes de Málaga su ópera rock maldita, Berlin, que llega a Málaga 35 años después de que este intrincado y grandilocuente disco conceptual en el que el ex Velvet Underground puso muchas de sus esperanzas artísticas en 1973 viera truncada su traslación a los escenarios ante la rotunda ola de rechazo que suscitó. Berlin llega tal y como se pensó, como un gran espectáculo operístico y rockero que en directo está apoyado por más de treinta músicos, un coro infantil y una ambiciosa escenografía.
Terral 08 arranca en el mes de junio (miércoles 25) con la presencia de la banda neoyorquina The Magnetic Fields, uno de los proyectos del inquieto Stephin Merrit, un polifacético creador que ha abierto nuevos caminos en la música ‘indie’. Con Diana Krall, también en junio (día 30) en el escenario del Cervantes (todos los conciertos del ciclo se celebrarán allí), Terral cede el protagonismo a las grandes divas del jazz contemporáneo, un terreno que también pisará con la visita de Madeleine Peyroux, ya en julio (8). James Blunt ofrecerá el 6 de julio en su actuación en el Teatro Cervantes su peculiar combinado de pop maduro y alta sensibilidad, mientras que con Herbie Hancock (9 de julio). un ilustre maestro que ya ha tocado en el teatro, el certamen hace su personal homenaje a un pianista que rompió los márgenes del jazz en la segunda mitad del siglo pasado.
Los aficionados al soul contemporáneo también están de enhorabuena con el cartel de Terral 08, pues podrán contar con la presencia de dos de las más grandes renovadoras de un género en el que también caben el r&b, el hip-hop y el rock: Erykah Badu (12) y Macy Gray (20). Entre ambas divas, escanciará su popular fusión musical la canadiense Loreena McKennitt (16), una de las grandes estrellas de la hibridación entre música celta y otros varios sonidos del mundo, y penúltimo concierto del ciclo que cerrará Lou Reed.
TERRAL 2008
TEATRO CERVANTES DE MÁLAGA
Consolidado desde hace años como una referencia dentro de la programación musical estival española, Terral es un certamen con el que el Teatro Cervantes ha acercado al público malagueño a los fértiles terrenos de las músicas del mundo, al pop más sofisticado, a las grandes estrellas del rock y a la electrónica de vanguardia.
Los cálidos aires a los que alude el nombre del ciclo del Teatro Cervantes tienen su correspondencia musical en unos espectáculos que, bien en las tablas del teatro bien en las playas de la ciudad, han dejado una marca indeleble por su calidad y su capacidad de comunicación con el público. Calidez, calidad y comunicación son pues los ejes de un Terral que en esta edición de 2008 propone nueve citas con lo mejor del jazz, el soul contemporáneo, el pop independiente, los cruces de fronteras musicales y las grandes leyendas del rock.
Terral 08 arranca en el mes de junio (miércoles 25) con la presencia de la banda neoyorquina The Magnetic Fields, uno de los proyectos del inquieto Stephin Merrit, un polifacético creador que ha abierto nuevos caminos en la música ‘indie’. Con Diana Krall, también en junio (día 30) en el escenario del Cervantes (todos los conciertos del ciclo se celebrarán allí), Terral cede el protagonismo a las grandes divas del jazz contemporáneo, un terreno que también pisará con la visita de Madeleine Peyroux, ya en julio (8). James Blunt ofrecerá el 6 de julio en su actuación en el Teatro Cervantes su peculiar combinado de pop maduro y alta sensibilidad, mientras que con Herbie Hancock (9 de julio). un ilustre maestro que ya ha tocado en el teatro, el certamen hace su personal homenaje a un pianista que rompió los márgenes del jazz en la segunda mitad del siglo pasado.
Los aficionados al soul contemporáneo también están de enhorabuena con el cartel de Terral 08, pues podrán contar con la presencia de dos de las más grandes renovadoras de un género en el que también caben el r&b, el hip-hop y el rock: Erykah Badu (12) y Macy Gray (20). Entre ambas divas, escanciará su popular fusión musical la canadiense Loreena McKennitt (16), una de las grandes estrellas de la hibridación entre música celta y otros varios sonidos del mundo. El último concierto del ciclo estival es uno de los más especiales, pues presenta a un músico de honda huella en el rock con un espectáculo total que recupera más de treinta años después de crearlo: Lou Reed (21 de julio) montará en Málaga su oscuro Berlin, una suerte de ópera rock que salió en disco en 1973 y que ahora se presenta en un directo en el que más de treinta músicos y un coro infantil subirán al escenario.
TERRAL 08
Festival de verano
25 ∙ 30 junio
6 ∙ 8 ∙ 9 ∙ 12 ∙ 14 ∙ 16 ∙ 20 ∙ 21 julio
junio
miércoles 25 21.30 h. THE MAGNETIC FIELDS
artista invitado DARREN HANLON
lunes 30 21.30 h. DIANA KRALL
julio
domingo 6 21.00 h. JAMES BLUNT
martes 8 21.30 h. MADELEINE PEYROUX
miércoles 9 21.30 h. HERBIE HANCOCK
sábado 12 21.30 h. ERYKAH BADU
miércoles 16 21.30 h. LOREENA McKENNITT
domingo 20 21.00 h. MACY GRAY
lunes 21 21.30 h. LOU REED
THE MAGNETIC FIELDS
POP junio miércoles 25 21.30 h
Distortion
STEPHIN MERRIT COMPOSITOR, PRODUCTOR, CANTANTE, MULTIINSTRUMENTISTA
CLAUDIA GONSON PIANO, PERCUSIÓN
JOHN WOO BANJO, GUITARRA
SAM DAVOL VIOLONCHELO, FLAUTA
Artista invitado: DARREN HANLON
Quizá sea por sus geniales melodías –que han sido versionadas por Superchunk, The Divine Comedy, Lush o Frank & Walters–, quizá por sus brillantes letras de amor o puede que por hacer pop como nadie lo hace o, mejor, como nadie se atreve a hacerlo –oscuridad cercana a lo claustrofóbico, ritmos ochenteros, arreglos electrónicos, percusiones inclasificables y una voz definitivamente anti pop–, The Magnetic Fields es uno de los grupos más brillantes, enigmáticos y deliciosos de los últimos años.
Tras cuatro años de silencio, la banda neoyorquina liderada por Stephin Merrit –compositor, productor e intérprete– vuelve con Distortion, álbum en el que retoman la baja fidelidad de sus primeros trabajos –The wayward bus (91) y Distant plastic trees (92)– y el ruido contagiado de drama y nostalgia, alejándose de las suaves melodías orquestales que dominan en el extraordinario disco triple 69 love songs (99) y en i (04). Merritt juega con su maestría y lo mismo da lustre a sus canciones con la electrónica que con alguna variedad de folk minimalista o, como ahora, con Distortion, intoxica con guitarras sus siempre magníficas letras.
Ya desde el título se intuye que el nuevo disco es un explícito homenaje al noise de los ochenta, en concreto al seminal Psychocandy (85) de los escoceses The Jesus and Mary Chain, autores de un tratado de pop manchado de reverberación y riffs de guitarras encajonadas en túneles sonoros que ha servido a Merrit y compañía de modelo e inspiración. “Yo no quería hacer un álbum de versiones de ellos. Prefería componer mis propias canciones, aunque como homenaje a ellos”, explicó reciéntemente el prolífico músico. Distortion viene envuelto en capas ruidosas pero también deja sitio a las melodías revivalistas y luminosas (“California girls”), logrando también un sonido alegre, desenfadado y casi infantil que da lustre pop a un conjunto de canciones en el que no hay rastro de sintetizadores, como ya sucedió en i, el anterior disco de la banda.
Stephin Merrit, de voz profunda y que a su pesar pasa por uno de los personajes más depresivos del pop norteamericano, es un genio cuyo talento escancia no sólo en The Magnetic Fields, aunque éste es su grupo más conocido, puesto que está al frente de nada más y nada menos que otros cuatro proyectos musicales distintos –The 6ths, Future Bible Heros, The Three Terrors y The Gothic Archies-, además de haber firmado bajo su propio nombre varias bandas sonoras. Adepto a la programación y a la producción musical por ordenador, Merrit graba sus propios discos y toca prácticamente todo en ellos siempre con la ayuda del chelista Sam Davol, de John Woo al banjo y segunda guitarra y de la pianista y percusionista Claudia Gonson, a los que se une en Distortion la vocalista Shirley Simms, una vieja conocida del cuarteto.
La historia de The Magnetic Fields se remonta al Nueva York de los primeros 90, ciudad en la que reside Merrit. Allí se gestaron los que serían los dos primeros álbums de la banda, The wayward bus (91) y Distant plastic trees (92), en un tiempo en el que el grupo estaba integrado por un quinto miembro, la vocalista Susan Anway. Su marcha obligó a Merrit a convertirse además en cantante, iniciando una segunda etapa a la que pertenecen Holyday (94), The charm of the highway strip (94) y Get lost (95) y que culminó con el influyente 69 love songs (99), un triple álbum conceptual en el que los derroteros del amor se elevan a lo más alto y optimista y se hunden en simas depresivas en un magistral e irregular tratado cocinado con heterodoxos arreglos musicales que incluyen ukeleles, banjos, acordeones, chelos, mandolinas, pianos, flautas, xilófonos y percusiones, además de los usuales sintetizadores, guitarras, voces y efectos. A 69 love songs, que superó los márgenes de los circuitos independientes llegando a vender 130.000 copias en todo el mundo y que supuso el reconocimiento de Merrit con uno de los mejores compositores de nuestro tiempo, le sucedió cinco años más tarde i, otro disco intimista y conceptual –todas las canciones comienzan por la letra que le da nombre- que mostraba las señas de identidad de The Magnetic Fields: grandes melodías, letras honestas hirientes y delicadas aun tiempo, y canciones agridulces que combinan romanticismo y cinismo.
Darren Hanlon. Artista invitado
Darren Hanlon es un cantautor australiano que ha editado tres álbumes en solitario y varios singles desde que dejara, en 1999, los Simpletons. Además, ha tocado la guitarra y los teclados para Mick Thomas y en grupos como Lucksmiths o Deerhunters. Ha teloneado a Billy Bragg, Violent Femmes y, ahora, a The Magnetic Fields, grupos y solistas con los que musicalmente tiene lazos en común.
Página oficial: www.houseoftomorrow.com (página oficial de Stephin Merritt, The Magnetic Fields, The 6ths, Future Bible Heroes y The Gothic Archies)
Página en Myspace: www.myspace.com/themagneticfields
Otras páginas interesantes: http://69lovesongs.info/wiki/ (información sobre el célebre disco 69 love songs); www.futurebibleheroes.com (página grupo paralelo de Stephin Merritt y Claudia Gonson), http://stephinsongs.wiw.org (página no oficial de textos y música de Stephin Merritt).
Página oficial de Darren Hanlon: www.darrenhanlon.com
Página en Myspace de Darren Hanlon: www.myspace.com/darrenhanlon
DIANA KRALL
JAZZ junio lunes 30 21.30 h
The very best of Diana Krall
DIANA KRALL voz y piano
ANTHONY WILSON guitarra
JEFF HAMILTON batería
ROBERT HURST bajo
“Quería hacer que estas canciones sonaran como si estuvieron escritas ayer”, dice Diana Krall de los 15 temas que constituyen The very best of Diana Krall, su primer disco recopilatorio. La colección selecciona éxitos de los primeros quince años de la carrera de Krall. Durante este tiempo, su voz suave y expresiva junto a su gran sensibilidad al piano le han hecho ganar a la cantante/pianista canadiense fama internacional. Su éxito internacional sin precedentes ha redefinido las reglas del mercado del jazz, pero Krall sigue fiel a sus raíces de bop y swing. Utilizando material de las tradiciones del pop y jazz de América, ha creado una música irresistible y distinta al añadir su propio talento, musicalidad y carisma a canciones clásicas.
The very best of Diana Krall incluye versiones personalizadas de grandes clásicos de compositores como George e Ira Gershwin, Cole Porter, Irving Berlin, Rodger y Hart, Van Heusen y Cahn, y Bacharach y David. El material incluye el rico romanticismo de “S’Wonderful”, el humor seductor de “Peel me a grape” y el canturreado anhelo de “I’ve got you under my skin”. Krall también demuestra su versatilidad con arreglos del swing de “Frim fram sauce” y la bossa nova íntima de “The look of love”. La colección incluye tres actuaciones inéditas: una versión evocadora del clásico de Frank Sinatra “Only the lonely”; una versión ensoñadora de “You go to my head”, la canción que Sinatra y Billie Holiday hicieron famosa; y una versión novedosa de “The heart of saturday night” de Tom Waits que demuestra la habilidad que tiene Krall para aplicar su talento de interpretación al material contemporáneo.
Diana Krall nació en una familia musical en Nanaimo, British Columbia, y empezó en su infancia su viaje musical. Su madre cantaba en la iglesia y su padre, un pianista con conocimientos extensos de jazz y clásicos de Tin Pan Alley, tenía una enorme colección de discos que le introdujo a muchas de las grandes canciones del jazz y pop que contribuirían al desarrollo musical de Krall. “Estaba involucrada en la música durante mi infancia”, recuerda Krall. “Mi padre tiene una colección enorme de vinilos, con la que escuché por primera vez a Fats Waller, Bing Crosby y Louis Armstrong. Conecté con la música en un nivel tan emocional que no fue un caso de ‘Eso lo que quiero hacer,’ sino de ‘Eso es lo que tengo que hacer’”.
La cantante canadiense comenzó a aprender piano cuando tenía cuatro años y, más tarde, tocó en la banda de su instituto. Cuando tenía 15 años, empezó a actuar en restaurantes y bares cerca de su pueblo. Con 17 años, ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en el Berklee College of Music en Boston. Al mismo tiempo, sus actuaciones le granjearon la admiración del legendario bajista Ray Brown, que le sugirió que se trasladara a Los Ángeles para estudiar con el famoso pianista Jimmy Rowles. Durante este periodo Krall empezó a cantar además de tocar. En 1990, después de tres años en LA, se trasladó a Nueva York, donde comenzó actuando con su propio trío.
Krall empezó su carrera discográfica en 1993 con el sello canadiense Justin Time. Lanzó a la venta su primer álbum, Stepping out, que grabó con el bajista John Clyton y el baterista Jeff Hamilton, un par de expertos del jazz que se quedarían como colaboradores suyos durante muchos años. El disco logró el número tres en la lista de éxitos de jazz de Billboard. También llamó la atención del célebre productor Carl Griffin y el veterano productor y ejecutivo de discográfica Tommy LiPuma, quienes le contrataron en GRP Records y produjeron su segundo disco, Only trust your heart, de 1995. Este álbum se grabó con un grupo de músicos muy prestigiosos, incluso Ray Brown y Stanley Turrentine, y marcó el principio de una larga y productiva asociación con LiPuma, quien continuaría produciendo los álbumes de Krall para GRP, Impulse! y Verve.
El tercer disco de Diana fue el aclamado homenaje a Nat “King” Cole All for you: a dedication to the Nat “King” Cole Trio (1996), que estuvo 70 semanas en la lista de éxitos de jazz de Billboard y con el que ganó su primera nominación al Grammy. En 1997, Love scenes, grabado con el guitarrista Russell Malone y el bajista Christian McBride, fue un éxito aún mayor, ya que alcanzó el número uno de la lista de éxitos de jazz y llegó al mercado mayoritario.
Con su disco de 1999, When I look in your eyes, Krall realizó un gran avance musical y también marcó un hito comercial. El álbum amplió su sonido, utilizando un conjunto instrumental más amplio y arreglos orquestales de Johnny Mandel. When I look in your eyes llegó a ser una sensación internacional, fue platino en los EEUU y fue número uno en la lista de éxitos de jazz de Billboard durante un año. El disco ganó un Grammy por Mejor Actuación Vocal de Jazz y también llegó a ser el primer álbum de jazz en 25 años al ser nominado al Grammy por Álbum del Año. El éxito de Krall en varios géneros se demuestra por su participación en el histórica gira de Lilita Fair en 2000, y la presencia de sus canciones en la banda sonora de la serie Sexo en Nueva York y de películas como Midnight in the garden of good and evil.
Diana Krall mantuvo su abierto enfoque musical en ‘The Look of Love’ (2001), una rica colección de baladas y bossa novas con arreglos de Claus Ogerman y canciones grabadas con la Orquesta Sinfónica de Londres. El álbum confirmó el estatus de Krall como fenómeno de la cultura pop, fue platino y llegó a la lista de las 10 canciones más exitosas de pop de Billboard. Su actuación de 2001 en el Olimpia de París se lanzó a la venta como su primer disco en vivo. Live in Paris también alcanzó el número uno en la lista de éxitos de jazz y le hizo ganar su segundo premio Grammy.
En 2004 salió a la venta The girl in the other room, el primer álbum en el que Krall añadió sus propias composiciones a su repertorio de clásicos y versiones. La canadiense escribió la mitad de la docena canciones del disco, con contribuciones de letras de Elvis Costello, con quien se casó en diciembre de 2003. Su nuevo rol de compositora fue motivado en parte por el fallecimiento de su madre y también por la pérdida de sus mentores Ray Brown y Rosemary Clooney. Diana Krall describe The girl in the other room como “una experiencia muy intensa y artísticamente gratificante”. “Después de la pérdida de mi madre –añade- no podía volver a muchas canciones que antes amaba porque no podía identificarme con ellas. Entonces, necesitaba otra manera de expresarme”. También en 2004 se publicó el DVD Live at the Montreal Jazz Festival y también apareció con Ray Charles en su exitoso Genius loves company, en un dúo del clásico de Charles ‘You Don’t Know Me’. En 2005, Krall lanzó a la venta Christmas songs, una colección de clásicos navideños. Grabado con el aclamado grupo de John Clayton y Jeff Hamilton (el Clayton/Hamilton Orquesta de Jazz), el álbum fue su primera aventura con arreglos de big-band.
Krall volvió al ‘Great American Songbook’ y mantuvo el formato de big-band en su disco de 2006 From this moment on, una mezcla atractiva de baladas y animadas canciones de swing. El álbum fue otro éxito del Top 10 y también demostró su empeño por abrazar nuevos retos musicales. También en 2006, se unió con Tony Bennett para grabar una versión de “The best is yet to come” en el disco de Bennett de dúos con estrellas de la música: An american classic. Krall y su marido, Elvis Costello, culminaron el año con el nacimiento de sus hijos gemelos.
The very best of Diana Krall nos ofrece una pista de sus anteriores logros musicales, pero Diana se está centrado en el futuro. “Puedo cantar canciones distintas ahora, porque soy madre y esposa y he tenido experiencias diferentes”, dice. “Hay unos temas que no puedo cantar ahora porque eran apropiados para mí en el pasado pero no son pertinentes ahora. Ha sido interesante crear un disco recopilatorio y echar la mirada atrás, y revivir todas las emociones. Pero prefiero adelantarme”.
Página oficial: www.dianakrall.com
Página en Myspace: www.myspace.com/dianakrall
Otras páginas interesantes: www.dianakrallfans.com (página no oficial de fans); www.dkrall.de (página de Diana Krall en Alemania).
JAMES BLUNT
POP julio domingo 6 21.00 h
All the lost souls
James Blunt regresa a los escenarios con la gira de su segundo trabajo discográfico, All the lost souls, un disco brillante en el que se expresa desde lo más profundo de su alma, en el que reúne canciones sobre la vida y la muerte, y con el que demuestra la enorme madurez musical adquirida en estos tres años. Lo suyo son composiciones sencillas, letras cargadas de sensibilidad y dulzura que apuntan directas al corazón, y temas universales –“canciones muy personales, muy privadas y, precisamente por eso, muy honestas”, afirma–, con los que mantiene los parámetros que lo convirtieron en fenómeno discográfico y que resume en una paradoja: la soledad de tantos en un mundo lleno de gente.
En 2003, James Blunt (Salisbury, Inglaterra, 1974) deja de ser capitán del ejército británico en Bosnia (“No bravery”, la primera canción debut de su álbum debut, Back to bedlam, fue escrita en el año 1997, en un campo militar de Kosovo) para consagrarse a lo que se sentía llamado desde los catorce años, la música. En 2002 comenzó a buscar discográfica armado con algunos demos, hasta que conoce a Linda Perry (cantautora y productora de Christina Aguilera), quien le abre las puertas para plastificar sus temas. Se traslada a Los Ángeles para grabar su álbum debut, Back to bedlam (2005), cuyo primer single, “High”, aunque sin repercusión mediática alguna, llama la atención de Elton John, quien lo invita de telonero en su gira de 2005. Es el tercer single de este disco, “You’re beautiful”, el que lo da a conocer en todo el mundo –catorce millones de copias vendidas hasta la actualidad y cinco nominaciones a los premios Grammy– y el que arrebata el número uno de las listas de venta ni más ni menos que a los todopoderosos Coldplay.
Sin embargo, tal éxito, de un calibre inusitado para un principiante, le dejó perplejo: “Fue algo totalmente inesperado. Eran canciones que componía para mí, en privado. El siguiente paso fue conseguir un contrato discográfico para enseñarle a la gente mis sueños personales, pero en ningún momento me esperaba que su repercusión fuera tan grande”. La paradoja de pasar de ser un capitán al frente nada menos que de treinta mil hombres en un polvorín a un cantautor melancólico llama poderosamente la atención, aunque él insiste en quitarle importancia: “No creo que antes y después de la guerra fuera dos personas diferentes. Me siento más influido por cualquier experiencia humana en relación con los demás”. Tampoco creía, en ese tiempo en el que acababa de editar su debut, que se reflejara su pasado en el ejército en su música: “De los diez temas, sólo dos hablan de la guerra. Sitúo mi carrera militar como un trabajo”. A pesar de haberse convertido en el hijo rebelde en una familia de larguísima tradición castrense, Blunt puso distancias con los que veían su ascenso como producto del pacifismo creciente, y prefería buscar la explicación de su éxito en la sensibilidad que transmite su trabajo: “En mis canciones la gente puede percibir esa honestidad, una manera de contar unos sentimientos que son muy similares a todo el mundo. Lo que sí se puede encontrar son unas melodías creadas sin ninguna intención pretenciosa, fáciles de adoptar por el oído aficionado al pop más sensible”.
Dicha atención por la exploración de los sentimientos se recoge también en All the lost souls, aunque ahora enfocado en la dualidad vida-muerte. De este segundo disco de Blunt, lanzado oficialmente el 18 de septiembre del 2007 y que había superado en marzo de 2008 la cifra de 3.000.000 de copias vendidas, se destacan canciones como “1973” (primer single), “Carry you home”, “Same mistake” o “Annie”.
Página oficial: www.jamesblunt.com
Página en Myspace: www.myspace.com/jamesblunt
Otras páginas interesantes: www.youtube.com/santiagoblunt (página de youtube monográfica de James Blunt)
MADELEINE PEYROUX
JAZZ julio martes 8 21.30 h
Half the perfect world
MADELEINE PEYROUX voz y guitarra acústica
JOHANNES WEIDENMULLER contrabajo
JOCHEN RUCKERT batería
JIM BEARD piano y órgano
Madeleine Peyroux no se limita a interpretar canciones: las posee… y viceversa. Peyroux posee un alma antigua, tiene un don que parece haber nacido con ella, lo que se puso de manifiesto en 1996 con la publicación de su primer álbum, un trabajo de una extraordinaria inteligencia en el que la cantante aportaba una gran intuición interpretando temas asociados a grandes del jazz vocal (Billie Holiday), blues (Bessie Smith) o country (Patsy Cline). Su decisión de interpretar “La vie en rose” de Edith Piaf reflejaba además la década que Peyroux, nacida en Georgia (EEUU), había pasado viviendo en París, de los 13 a los 22 años. En los dos lustros transcurridos desde entonces, ha aportado una enorme experiencia vital a sus afinidades personales, que se manifestaron por primera vez en segundo álbum que se hizo esperar mucho, Careless love (2004), y que han cristalizado en su nuevo álbum, Half the perfect world.
Half the perfect world, una vez más impecablemente producido por Larry Klein, sirve tanto de complemento como de contrapunto de Careless love, que desató elogios generalizados y que vendió más de un millón de copias en todo el mundo. Mientras que gran parte del trabajo anterior de esta artista de 35 años se basaba en compositores y cantantes de la primera mitad del siglo XX, el grueso de Half the perfect world se centra en artistas y compositores hoy en activo, como Leonard Cohen, Tom Waits, Fred Neil y Joni Mitchell. La habilidad de Peyroux para elegir la canción perfecta es de nuevo la clave del impacto emocional del álbum, pero el ininterrumpido protagonismo de su rol como compositora es igualmente importante, y las cuatro canciones originales del nuevo álbum saben defenderse solas, elevando con ello el nivel de disfrute. Peyroux, Larry Klein y Walter Becker, de Steely Dan, colaboraron para escribir el primer tema del álbum, el maravillosamente pegadizo “I’m all right”. Las otras canciones originales del álbum reúnen al equipo de compositores de Peyroux, Jesse Harris y Larry Klein (que escribió el single “Don’t wait too long”, de Careless Love). Completando el nuevo álbum encontramos interpretaciones de Peyroux de standards de Johnny Mercer, Charlie Chaplin y Serge Gainsbourg.
“Estas canciones de amor proceden todas de un lugar extraordinariamente personal, y me permitieron, por tanto, una lectura más intimista”, dice la intérprete del repertorio de un álbum en el que su voz aporta grandes dosis de intuición, tanto a las versiones como a los temas propios, unas piezas que exploran relaciones románticas desde una perspectiva claramente femenina. El nuevo álbum refleja también la creciente confianza de Peyroux en su apuesta creativa, consecuencia en parte de la sinergia que había conseguido en Careless love con Larry Klein y los principales instrumentistas: el guitarrista Dean Parks, el bajo David Piltch y el batería Jay Bellerose. En Half the perfect world se les unen el teclista Sam Yahel, el percusionista Scott Amedola y un reparto estelar de músicos de apoyo entre los que figuran el saxofonista Gary Foster, el guitarrista pedal steel Greg Leisz, el trompetista Till Bronner y Larry Goldings en la celesta.
El álbum está lleno de momentos sublimes. Cantada por una mujer desde el punto de vista de un hombre, “Blue alert” (escrita por Leonard Cohen y Anjani Thomas) es psicológicamente compleja y con una gran carga erótica. Este entrelazamiento de géneros “añade una profundidad a la canción que de otro modo no estaría ahí”, dice Peyroux. La mezcla de las voces tan peculiares de Peyroux y K.D. Lang en “River” introduce un deje enteramente nuevo en el clásico de Joni Mitchell. Y la interpretación vocal de Peyroux en “Smile” de Chaplin encuentra reflejo en la trompeta con sordina de Till Bronner, formando el equivalente musical de una sombra proyectada por una farola. Realzando dos de las canciones del álbum, el standard de Serge Gainsbourg “La javanaise” y la composición original “Once in a while”, encontramos intensos arreglos para cuarteto de cuerda cortesía de Mark Orton.
Half the perfect world es un álbum en el que el tiempo se detiene. Está repleto de interpretaciones en las que los espacios entre los sonidos son tan cruciales para el efecto conseguido como los propios sonidos. Como señala la cantante y guitarrista, “el silencio no es sólo una ausencia de sonido”. Klein se hace eco de este sentimiento al comentar el talento concreto de Peyroux: “Consigue ese tipo de poesía casi indescriptible, inefable. Lo ves en la obra de Picasso, lo oyes cuando toca Miles. Diría que el 90 por ciento de lo que hace es insinuado”.
Los conocedores de las interpretaciones elocuentes, comedidas, tienen ahora una artista esencial en Madeleine Peyroux, y aunque Half the perfect world supone una prueba extraordinaria de su altísimo poder para sugerir, es también difícil evitar la impresión de que este álbum es simplemente la punta del iceberg.
Página oficial: www.madeleinepeyroux.com
Página en Myspace: www.myspace.com/officialmadeleinepeyroux
Otras páginas interesantes: www.madeleinepeyroux.org (página no oficial)
HERBIE HANCOCK
JAZZ julio miércoles 9 21.30 h
River: the Joni letters
HERBIE HANCOCK piano
VINNE COLAIUTA batería
DAVE HOLLAND bajo
CHRIS POTTER saxófono
LIONEL LOUEKE guitarra
SONYA KITCHELL voces
AMY KEYS voces
Dependiendo del día, Herbie Hancock podría interpretar una gran variedad de papeles. Es el gran embajador de jazz de Estados Unidos, un defensor de la tecnología futurista, un educador entregado y, por supuesto, una luminaria de la música americana. Como todos los grandes artistas, hace que las cosas vuelvan a presentarse como nuevas. Lo hizo con The new standard (96), cuando encontró el swing en los clásicos del pop. Lo hizo con su toma caleidoscópica en Gershwin’s world (98) y se llevó por ello a casa tres Grammy. Pero a pesar de todos los logros de Hancock dentro y fuera de la música, hay una cosa que no había hecho nunca. “Antes nunca había pensado en las letras”, dice. “Nunca”.
River: the Joni letters es el viaje de Hancock al mundo de las palabras, su iniciación como hombre de letras. “Quería que las letras fueran la base de todo este proyecto, que todo surgiera de las letras y su significado. Lo que he hecho antes en otros proyectos es tomar la canción de alguien que me gustara y rearmonizarla”, dice Hancock, un pionero del post-bop jazz, en el que las letras son generalmente un punto de partida creativo. “Antes de ponerme a hacer eso en este disco, pensé que sería mejor descubrir lo que Joni hizo y por qué. Porque si las melodías tomaban una dirección determinada, conociéndola, ella daba esos giros y vueltas y utilizaba ciertos procedimientos basados en lo que sucedía en la letra. Ella es una maestra en eso”.
Para entender la conexión entre melodía, armonía y poesía en la obra de Mitchell, Hancock se hizo con los servicios del productor Larry Klein, colaborador durante años de la compositora de “Chelsea morning”. “Nos sentamos juntos mucho tiempo, meses antes de grabar el disco”, dice Klein. “Simplemente oímos las canciones y miramos juntos las letras. Hablamos de los orígenes de las canciones, material alegórico del que me había hablado Joni, y en otros casos dejamos la interpretación nebulosa, tal y como estaba pensado que fuera”.
Hancock reunió luego un grupo con varios de los mejores músicos del mundo, incluidos el incomparable Wayne Shorter en los saxos soprano y tenor, el brillante contrabajista y compositor Dave Holland (un compañero de viajes musicales de Hancock y Shorter que comparte su amor por la aventura, así como un estrecho colaborador de Miles Davis), el batería Vinnie Colaiuta (un miembro reciente de la banda de Hancock, además de haber tocado profusamente con Mitchell y Sting), y el guitarrista originario de Benin Lionel Loueke, también un miembro de la banda de Hancock. Cuando llegaron al estudio, Hancock y Klein emprendieron otro seminario literario. “Antes de grabar ninguna canción, dimos una copia de la letra a cada uno de los chicos del grupo”, dice Hancock. “Nos sentamos en la cabina del ingeniero de sonido y discutimos el significado de las letras palabra por palabra, frase por frase, y entramos en sus matices”. Así, después de que se dedicaran mentes musicales tan avanzadas a la poesía de Mitchell y de que se elegiera para las selecciones vocales a algunos de los cantantes más destacados del mundo, River: the Joni letters no resultó ser el disco de homenaje habitual. Al valorar el talento de Mitchell, los músicos crearon una tercera entidad en la que el sonido transmite la palabra, la palabra transmite el sonido, y escuchar es una feliz confusión de una y otro.
Un evocador cromatismo caracteriza la introducción pianística de Hancock en la canción inicial de River, “Court and spark”, que da título al disco de 1974 de la compositora y cantante. En esta versión, la letra familiar de “Court and spark” consigue un nuevo impacto poético, especialmente con la matizada ambivalencia de la interpretación vocal de Norah Jones. Hay una dosis similar de imágenes líricas en las pintorescas frases al teclado de Hancock en “Amelia”, que canta con su voz oscura la brasileña Luciana Souza.
Pero Hancock puso cuidado de no tomar las adaptaciones líricas demasiado literalmente. “Una cosa en la que todos estuvimos de acuerdo era ser cinematográficos y dramáticos en nuestra interpretación de las letras”, explicó. “Era en muchos sentidos como si estuviéramos haciendo una banda sonora. Porque cuando estás escribiendo una banda sonora, no escribes cada pequeño matiz que se ve en la pantalla. Si haces eso queda un poco como de dibujos animados. Así que a veces decidimos simplemente dejar que la letra sonara. La música debería ser el cojín, en todo caso, por debajo de la letra, que la sostiene, de modo que el centro es la letra”. Los músicos dejaron ciertamente que “la letra sonara” cuando apoyaron la optimista interpretación vocal de Corinne Bailey Rae en “River”. En otro momento, captando el estado de ánimo de una melodía dirige a la banda a perspectivas enteramente diferentes. Mientras Tina Turner encarna los personajes negruzcos de la vida nocturna de “Edith and the kingpin”, Wayne Shorter responde con el saxo tenor desde una posición estratégica periférica. Hancock explica cómo Shorter encontró una nueva personalidad en la canción: “Cuando estábamos hablando de la canción, Wayne dijo, ‘Voy a ser como uno de los tipos en la barra que está hablando con algunas de las chicas o algo así, o formar parte del barullo que hay organizado en la barra del club’. Eso no está en la letra, pero me di cuenta de que es un papel brillante que hay que representar. Porque la canción no trata sólo de los personajes de la letra: Edith y el gran capo. Trata también de las personas que están en el entorno o escena en que se basa la letra”.
La propia Joni Mitchell canta “Tea leaf prophecy”, una canción autobiográfica basada en la historia del noviazgo de sus padres. El reciente fallecimiento de su madre facilitó una interpretación emocionante. “Esta es una canción de cómo se conocieron sus padres y es una especie de historia de amor en la Segunda Guerra Mundial, pero debido al momento es también una plegaria, pues se acercó a su madre vocalmente como si estuviera enviándole algo ahí arriba”, afirma Klein”.
Otras canciones necesitaban ser instrumentales, según Klein, y ninguna más que “Both sides now” (“No hay motivo para presentar al mundo otra versión vocal de la canción”, asegura el productor). Hancock le da a la canción más versionada de Mitchell su interpretación más trascendental, dejando hueco para su propia invención armónica: “Hay lugares que decidí que serían sitios de descanso antes de que yo fuera a la siguiente frase, que Joni no tiene en su grabación de la canción. Rearmonizar por completo ‘Both Sides Now’ parecía algo adecuado a la letra”. La perspectiva lírica de Mitchell se amplía estrofa tras estrofa mientras va desplazándose alegóricamente desde mirar a las nubes “desde ambos lados” hasta considerar el amor y finalmente toda la vida como “ese camino”. La versión instrumental de Hancock se desarrolla en paralelo a la letra, ganando dimensión cada vez que resurge la melodía. “La melodía está ahí -explica Klein- pero la banda está recontextualizándola por completo cada vez que llega a ella, del mismo modo que Joni recontextualiza la experiencia con cada nueva estrofa”.
“Lionel Loueke posee un asombroso sentido de la ubicación”, dice Hancock. “En “Sweet bird” acentúa la melodía con estas notas tranquilas, largas, mantenidas que se quedan flotando en el aire y se desvanecen. Puede que no se oigan la primera vez que se escuchan, pero se te acercan sigilosamente”. “Tocar lo que es adecuado es también tocar mínimamente”, añade Hancock, muy satisfecho con la conexión con sus músicos: “Dave Holland es una persona muy generosa y abierta y su música lo refleja, así que cuando está en un entorno su instinto es contribuir a mejorar ese entorno. Vinnie Colaiuta mantiene el tempo y hace todas esas cosas a contratiempo. Toca casi como dos personas diferentes, dividiéndose él mismo en dos mitades”.
Los golpes finales en el retrato que hace Hancock del mundo de Mitchell incluyen dos composiciones que no fueron realmente escritas por ella pero que fueron importantes en su desarrollo musical. “Solitude”, de Duke Ellington, la llevó al disco porque, dice Hancock, la versión de Billie Holiday “fue directamente al corazón de Joni, incluso a los nueve años, que es cuando la oyó por primera vez. Puede oírse realmente cómo Joni se vio influida por Billie, en su fraseo e incluso en el sonido de su voz: compruébese simplemente ese pequeño vibrato al final de las notas de Joni”. La obra maestra asimétrica de Wayne Shorter “Nefertiti” fue grabada por primera vez por Hancock y Shorter en el clásico álbum homónimo de Miles Davis. En River: The Joni letters, estos músicos recrean generosamente su propia composición del modo tan emocionante en que lo vivió Mitchell la primera vez, como si estuvieran oyendo la canción a través del prisma de su idiosincrásica imaginación.
Con una musicalidad tan sagaz, la banda no se limitó a tocar las obras de Mitchell canción tras canción, sino que improvisó generosamente sobre su obra completa. A lo largo del disco las inflexiones guitarrísticas de Loueke recuerdan los experimentos de Mitchell con la world music mucho antes de que el término se hubiera incluso acuñado: en 1975, por ejemplo, utilizó percusionistas de Burundi en “The jungle line”, de The hissing of summer lawns. En la versión de Hancock de “The jungle line”, sin embargo, reduce la instrumentación de Mitchell al piano en solitario, con un recitado a modo de encantamiento de Leonard Cohen iluminando el surrealismo de la letra.
Adaptando libremente toda la obra de Mitchell y expandiendo su propuesta musical y lírica, Hancock crea nuevas asociaciones metafóricas en su sonido y aporta a sus palabras una vida renovada. Hancock no sólo rinde homenaje al genio de la cantautora estadounidense. Nos ofrece el regalo de oír sus canciones renacidas. Herbie Hancock, el infatigable innovador, ha producido un tipo original de homenaje: River: the Joni letters es una pasión musical sobre el arte total de Joni Mitchell.
Dos exploradores de caminos musicales
Joni Mitchell y Herbie Hancock, junto con Miles Davis, Wayne Shorter, Pablo Picasso y otros grandes artistas de nuestro tiempo, comparten una inquietud creadora incesante y profunda. Cada uno de ellos ha tenido siempre el deseo y la necesidad de abrir nuevos caminos con cada nota que tocaban o con cada pincelada que daban. Fue exactamente este tipo de curiosidad la que hizo que David contratara a Hancock en 1963 para tocar junto con Wayne Shorter, Ron Carter y Tony Williams, probablemente uno de los grupos de músicos más importantes del siglo XX. Fue de hecho Miles quien le dijo a Hancock que “no terminara nada”. Hancock, al igual que Joni Mitchell, ha seguido explorando muchos géneros y medios diferentes para expresar su incesante curiosidad, trabajando en el contexto del jazz, la música electrónica, el funk, la música orquestal y la música de cine.
Hancock trabajó por primer vez con Joni Mitchell en el álbum de la cantante y compositora Mingus (1979), un álbum integrado por colaboraciones entre la cantautora y el gran contrabajista y compositor Charles Mingus. Junto con Wayne Shorter, Hancock formó parte de un pequeño grupo con el que Mitchell intentó moldear un nuevo enfoque “conversacional” para acoplar las letras al jazz instrumental.
Página oficial: www.herbiehancock.com
Página en Myspace: http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=107944521 (no oficial)
Otras páginas interesantes: www.warr.org/hancock.html (página con críticas de todos los álbumes de Herbie Hancock)
ERYKAH BADU
SOUL julio sábado 12 21.30 h
New Amerykah, Pt. 1: 4th World War
ERYKAH BADU voz
KEISHA WILLIAMS coros
KORYAN WRIGHT coros
CHERISH ROBINSON coros •
RACHEL YAHVAH coros
JAMES CLEMONS percusión
RC WILLIAMS teclados y director musical •
STEPHEN BRUNER bajo
MICHAEL FEINGOLD guitarra
CHRIS DAVE batería
BURTON SMITH dj
DWAYNE KERR flauta
Entre las grandes vocalistas de la música negra contemporánea, Erykah Badu es una de las artífices del movimiento que renueva el soul clásico aunque, paradójicamente, su voz poco tiene que ver con las de las habituales del género. Frecuentemente comparada con Billie Holiday, lo destacable no es tanto discutir si es o no su sucesora, sino constatar que su manera de cantar bebe del jazz y del soul clásico, no del hip hop ni del r&b, con los que los fusiona, lo que otorga un grado extraordinario de originalidad a su música. Por eso, entre otras cosas, además de haber seducido a los amantes del r&b, es respetada por los amantes del jazz y convence a los incondicionales del soul. Y es que mucho se ha dicho sobre la síntesis brillante de estilos por parte de Badu, pues además de Billie Holiday, su propuesta vocal y sonora ha sido comparada con la de Bessie Smith hasta Marvin Gaye, Curtis Mayfield y Chaka Khan. “Hay millones y millones de átomos de fuerza de su música en mi música,” dice la vocalista.
Su afro-excentricidad, su audaz combinación de soul, blues, jazz y hip-hop, y una extraordinaria habilidad para convertir las experiencias de la vida en preciosas canciones, la colocan en una categoría única con la que sienta las bases para explorar nuevos e ilimitados terrenos interpretativos. Y es que ella no es sólo una imponente voz de soul contemporáneo, puesto que su talento se expande para escribir, producir y dirigir, para abordar disciplinas como la poesía, la danza, el teatro y las artes visuales.
Nacida Erica Abi Wright (Dallas, EE.UU., 1971), cambió su apellido de esclava por Badu, dos sílabas que solía cantar a modo de scat. Erykah salio por primera vez al escenario cuando tenía cuatro años con su madre, que era actriz profesional, y escribió su primera canción a los siete años. Un encuentro con un manager mientras trabajaba en un cine local le permitió actuar en vivo asiduamente, teloneando estrellas del hip hop. Una demo grabada cuando tenía 19 años atrajo a los grandes sellos discográficos, y un concierto con D’Angelo le puso en contacto con el manager de esta estrella del hip hop, el ahora presidente de Motown, Kedar Massenburg, con el cual firmó un contrato para grabar en solitario. Así nació su debut en la escena discográfica, un Baduizm que fue tanto un triunfo personal como un hito en el r&b. El disco llegó hasta el numero dos de las listas, anunciando un talento maduro y ya completamente formado que fue reconocido por sendos Grammy al mejor álbum de r&b y a la mejor cantante del género y otros galardones de relevancia (cuatro premios Soul Train, cuatro premios Lady of Soul, dos premios NAACP y un premio de American Musica, todo en el año de edición del álbum; en 2000 volvió al podio de los Grammy con su grupo colaborador, The Roots).
Baduizm, que se abría con la impresionante aunque desnuda canción “On and on” (a la que acompañó un videoclip con un personal estilo visual en el que se mostraban escenas de la película El Color Púrpura), vendió un millón de copias en dos meses, hasta alcanzar los tres millones al poco tiempo. Tras ese exitoso arranque, la tejana editó el directo Live (97), Mama’s gun (00), Worldwide underground (03) y, en 2007, Baduizm (special edition) al cumplirse el décimo aniversario de su aparición.
En New Amerykah, Pt. 1: 4th World War, su cuarto álbum de estudio, a la venta desde el pasado febrero, encontramos a una Erykah fiel a sus raíces, eludiendo las superproducciones y complaciéndonos con sonidos crudos y mensajes llenos de significado. Este primer álbum desde Worldwide underground no sólo refleja el estado de ánimo Erykah, sino el estado del país, en un imaginativo proyecto de estudio en dos partes que ella describe como “la guerra interior. La guerra que luchamos con nosotros mismos para convertirnos en personas mejores y más fuertes”. Aunque las raíces musicales soul, jazz y hip hop de Badu chocan generando un dulce caos, su personal aproximación del género de las bases y las rimas es el que domina en este disco, como se puede comprobar en “Soldier”. No obstante, entre los once temas que incluye el álbum se encuentran sorpresas como un par de bossas (“Me”) al lado de las reconocibles referencias jazz (“Telephone”), funk (“The cell”) y soul (“Master teacher”).
Página oficial: www.erykah-badu.com
Página en Myspace: www.myspace.com/erykahbadu
Otras páginas interesantes: www.erykahbadu.com (información último disco) www.rockonthenet.com/artists-b/erykahbadu_main.htm (información cronológica de su trayectoria)
LOREENA McKENNITT
MÚSICAS DEL MUNDO julio miércoles 16 21.30 h
Live in concert 2008
An ancient muse
LOREENA MCKENNITT voz, arpa y piano
BRIAN HUGHES guitarra
ZOLTON LANTOS violín
CAROLINE LAVELLE violonchelo
SIMON EDWARDS bajo
BEN GROSSMAN Hurdy Gurdy y percusión
CLIVE DREAMER percusión
STRATIOS PSARADELLIS lira
DONALD QUAN teclados
RICK LAZAR percusión
Después de nueve años y más de 13 millones de discos vendidos en todo el mundo, Loreena McKennitt (Morden, Canadá, 1957) presenta An ancient muse, en el que hermana sonidos celtas, melodías escocesas y baladas irlandesas con música tradicional griega, turca, española y escandinava.
Loreena quedó impresionada con el sonido celta a fines de los 70 pero, incansable investigadora de la música, las gentes y la historia de los pueblos, nunca ha puesto límites a su talento natural y se ha internado también en caminos ajenos a este ámbito, convencida de que la música juega un papel decisivo en la fisiología y el autoconocimiento. El resultado, fusión celta para algunos, new age para otros y música del mundo para la gran mayoría. Su estilo, de hecho, es tan rico en matices que no soporta ninguna etiqueta, no reconoce fronteras geográficas ni culturales y sus discos se venden por igual en todo el mundo. En su amplia discografía ocupa un lugar determinante La trilogía –The visit (91), The mask in the mirror (94) y The book of secrets (97)– álbumes conceptuales cuyo hilo conductor es un viaje en el tiempo por regiones que la inspiraron, con los que definitivamente encontró su estilo.
El último volumen de este proyecto que ella describe como “la escritura sobre un viaje musical” y séptimo álbum de su carrera es An ancient muse, que fue editado en 2006 y seguido por un DVD del concierto grabado en vivo en Granada Nights from the Alhambra, inicialmente producido para la serie Great Performances de PBS y difundido por ese canal. En esta ocasión, la búsqueda la conduce por senderos más hacia el este del territorio celta, desde los llanos de Mongolia hasta el reino del Rey Midas y el Imperio Bizantino, que la invitan a reflexionar sobre los conceptos de hogar, el propio viaje en todas sus variedades, la mixtura cultural que es la base de la historia humana y nuestros patrimonios universales de conflicto y esperanza.
La cantautora canadiense comenzó su carrera musical tocando su arpa en la vía pública y luego lanzó su propio sello discográfico, Quinlan Road, desde la mesa de su cocina. Más de dos décadas después, esta oriunda de la provincia de Manitoba puede estar orgullosa de que su música celta ecléctica, mezcla de pop, folclore y música internacional, esté registrada en ocho grabaciones en estudio, más un disco doble grabado en vivo y dos DVD, de los cuales se han vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo, además de haber recibido discos de oro, platino y multi platino en Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Brasil, Argentina, Chile, Alemania, Francia, Italia, España, Grecia y Turquía.
McKennitt, que llegó al Top 20 de Billboard por éxitos en single y álbum con The book of secrets y su tema principal, “The mummers’ dance”, ha tocado por todo el mundo, haciendo presentaciones para dignatarios como la reina Isabel II y el príncipe Felipe en honor del Jubileo de Oro de la Reina en 2002.
Como compositora, y además de sus temas, McKennitt ha compuesto música para producciones del Stratford Shakespeare Festival en Ontario, para el National Film Board of Canada y para diversas películas y programas de televisión.
En 2007, fue nominada para un premio Grammy y recibió el premio North American Folk Alliance. También ganó dos Junos, el premio a la música más importante de Canadá, además de un premio a la trayectoria de Billboard International.
Como fundadora de The Cook-Rees Memorial Fund for Water Search and Safety, ha sido reconocida por su servicio cívico y comunitario, ya que recaudó casi cuatro millones de dólares a través de la venta de Live in Paris and Toronto para fomentar la educación y la investigación en materia de seguridad del agua. McKennitt también ha creado TheThree Oaks Foundation, un fondo que apoya grupos familiares, de cultura, medioambiente e historia. Por su importante trabajo caritativo y comunitario recibió la Orden de Canadá, la Orden de Manitoba y los doctorados honorarios de la University of Manitoba, Wilfrid Laurier University y Queen’s University. En 2006 asumió el papel de Coronel Honorario del Escuadrón 435 de Transporte y Rescate de la Fuerza Aérea Canadiense.
En 1981, McKennitt se mudó a Stratford, Ontario, Canadá, donde vive hoy y es un miembro activo de su comunidad.
Página oficial: www.quinlanroad.com
Página en Myspace: www.myspace.com/loreenamckennitt (en construcción)
MACY GRAY
SOUL julio domingo 20 21.00 h
Big
Desde “I try”, incluido en su álbum debut On how life is (99), con el que llegó a lo más alto de las listas de ventas, Macy Gray (Canton, Ohio, EE.UU., 1967) se convirtió en una de las estrellas más admiradas y originales de la escena pop mundial, dejando claro que representaba la explosiva síntesis entre Janis Joplin, Betty Davis, Billie Holiday y Aretha Franklin. Pero lo cierto es que su fusión casi divina de funk, soul, r&b, hip hop, gospel, y la personalidad de su voz, rasgada y con sabor a jazz, lejos de encasillarla le permite un abanico interpretativo tan abierto y característico que casi no tiene precedente. Y es que esta artista extraordinaria aprovecha las raíces de la vieja escuela del funk y el soul, las mezcla con influencias contemporáneas y crea algo totalmente distinto.
La cantante y compositora ganó un Grammy a la mejor Cantante Vocal Femenina por su “I try”, que también recibió nominaciones a la mejor canción del año y al disco del Año, un On how life is que vendió mas de 7 millones de copias en todo el mundo. Su segundo trabajo, The id (01), fue más ecléctico, incorporando sintetizadores, loops y fraseos de hip hop, y contenía temas tan contundentes como “Psychopath”, “Sexual revolution” y “Sweet baby”. Gray inició una larga gira internacional en la que visitó países como Israel, Australia, España, Italia, Alemania y Holanda, y sus canciones empezaron a poblar bandas sonoras de filmes taquilleros: Hora Punta 2 (con Fatboy Slim, Slick Rick y Black Eyed Peas, donde conoció a Will.I.Am), La sonrisa de Mona Lisa, 8 Millas, Chicago (con Queen Latifah y Lil’ Kim) y más recientemente, la película de Denzel Washington Dejà vu.
The trouble with being myself (03) la mostró insistiendo en el soul freak y en sus “demonios” habituales: familia, muerte, sexo, relaciones, felicidad…; es decir, “el problema de ser ella misma”. En Big (07), todo esto, entre otras cosas, se hizo presente con una sobredosis de intensidad y grandeza. En este último disco de estudio, que ella presenta como el más “sofisticado” y más suyo de su carrera, concede especial relevancia al contenido de las canciones, que define como narraciones cinematográficas y que son un reflejo de lo que ha vivido en los últimos dos años, desde la muerte de su padre a sus fracasos amorosos.
Desde el primer tema del nuevo álbum de Macy, Big, el primero con Will.I.Am Music Group/Geffen Records, se reconoce al instante esa voz única, una de las más especiales de la música pop, que planea sobre su lado más clásico pero también deja ver su dinamismo y diversidad de influencias: balada, soul, beat funk, dance… Con Will.I.Am y Ron Fair (presidente de Geffen) detrás de la mesa de mezclas durante casi todo el álbum, Big va desde los sencillos y conmovedores “What I gotta do”, “Finally made me happy” y la balada “One”, al backbeat funk de “Ghetto love” o los modernos temas para pistas de baile “Okay” y “Get out”, creados por el equipo recientemente creado por Will y Justin Timberlake: JAWbreakers production.
Macy, que trabajó con el nuevo equipo de Whiteleaf Productions en el tema “Shoo bee doo”, estaba por primera vez deseando colaborar con otros artistas, compositores y productores. Ademas de Will.I.Am y Timberlake, Natalie Cole (“Finally made me happy”) y Fergie (“Glad you’re here”) proporcionando armonías y coros, también ha contado con la artista de TVT Records Teedra Moses para co-escribir las letras en varios temas (“Finally made me happy” y “Ghetto love”). “Will me convenció para que lo intentará, y después de lo que he pasado con la antigua compañía [Epic], me mostré bastante humilde”, dice Macy. “Estaba mucho mas abierta a otras sugerencias. Descubrí la energía que la gente te puede proporcionar, sus ideas y lo que pueden aportar al proceso artístico.”
El álbum refleja las experiencias vividas por Macy en los últimos años. Muestra a la intérprete soportando la separación de su marido (“Finally made me happy,” “Shoo be doo,” “Get out”), siendo madre soltera (“What I gotta do”), recordando los viejos tiempos (“Ghetto love,” “Glad you’re here”), esperando encontrar al hombre adecuado (“One”), y soñando con la posibilidad de envejecer junto a alguien (“Slowly”). También hay un par de piezas irónicas en las que se burla de la preocupación de la sociedad por el materialismo: “Treat me like your money” y “Strange behavior,” esta última un cuento lúgubre en el que una mujer mata a su marido para cobrar la póliza de seguros. Irónicamente, otra canción que trata el tema de la paternidad, “Okay”, fue escrita por Will.I.Am y Justin Timberlake, lo que le parece significativo a Macy: “Lo que es interesante es que ambos fueron criados por madres solteras. Justin es muy inteligente, intenso y decidido. Diferente a todas las personas con las que he trabajado antes”.
Macy atribuye la diversidad de estilos del álbum al rasgo que comparte con Will.I.Am: “Ambos escuchamos muchos tipos de música. Will quería hacer un disco que tuviese una gran variedad de sonidos e interpretaciones”. Big incluye arreglos innovadores como las cuerdas de “Nature boy”, de Nat King Cole, que abre el tema “One”, el sample de la intro de James Brown “It’s a man’s man’s man’s world” en “Ghetto love” o la cita juguetona que hace Macy del clásico del grupo new wave de los 80 Dead or Alive “You spin me round (like a record)” en “Treat me like your money”. “Mientras estaba escribiendo la melodía, simplemente ajustó” explica de su referencia al único hit de la banda inglesa. “Podía oír el cambio en los coros en mi cabeza. Ni siquiera lo pensé. Fue muy natural. Tenía todo el sentido del mundo.”
Aunque Big es su primer álbum desde 2003, Macy no ha estado parada. Como actriz ha aparecido con Denzel Washington en Training day, en el taquillero Spiderman, en Scary movie 3 y en La vuelta al mundo en 80 días de Jackie Chan. Más recientemente ha participado en Domino junto a Keira Knightley, Lucy Liu, Mickey Rourke y Christopher Walken, con Cuba Gooding Jr. en Shadowboxer y con un papel importante en la película musical de OutKast Ritmo salvaje. También consiguió una nominación a la mejor actriz secundaria en la película Lackawanna blues, ha sido estrella invitada en Desapariciones, interpretó a una cantante a la que diagnostican una enfermedad de garganta en el drama de la ABC MDs y de nuevo fue estrella invitada interpretando a Carla Thomas en la serie de NBC American dreams.
La actividad de la cantante de “I try” se ha desarrollado también en el mundo de la moda. Tiene su propia marca de ropa femenina con la colección Natalie Hinds, y SNAC es el nombre de su colección de hombre. Su último proyecto es HUMPS, ropa diseñada para mujeres voluptuosas. La intérprete ha establecido también su propia escuela de música, la Gray Music Academy, en el NoHo Arts District del norte de Hollywood, que ha pasado de tener 12 a 150 estudiantes en poco mas de un año.
Después de que el Huracán Katrina devastara Nueva Orleáns, Macy visitó Houston y fue al Superdome, donde seleccionó a ocho familias a las que instaló en apartamentos durante todo un año, hasta que fueron capaces de mantenerse por s mismos. Estas ayudas fueron parte del plan de una organización llamada One by one (Uno a uno) creada por ella después del desastre. Siguiendo esta línea solidaria, Macy planea donar una porción de las ganancias de su tour a la fundación que coopera con la Cruz Roja proporcionando ayuda a las víctimas del desastre.
En cuanto a la promoción, Macy nos promete otra vez mucha sensualidad, tanta como reflejan sus agitados ritmos y arreglos: “Quiero comprarme un sujetador realmente sexy, escribir el nombre del álbum en él, y caminar por ahí con la camisa abierta”.
Página oficial: www.macygray.com
Página en Myspace: www.myspace.com/macygray
Otras páginas interesantes: www.geffen.com/macygray (página de la discográfica)
LOU REED
ROCK julio lunes 21 21.30 h
Berlin
Berlin, la ópera rock maldita de Lou Reed, llega a Málaga 35 años después de que este intrincado y grandilocuente disco conceptual en el que el guitarrista y cantante puso muchas de sus esperanzas artísticas en 1973 viera truncada su traslación a los escenarios ante la rotunda ola de rechazo que suscitó. Fue una de sus decepciones más grandes. El ex Velvet Underground no pudo conquistar Broadway ni Hollywood con este álbum, como planeaba hacer con la ayuda de Andy Warhol y de Bob Ezrin, productor del disco, después de que la crítica le negara su habitual beneplácito y el público lo relegara a la condición de fracaso comercial.
Pero el músico se propuso resarcirse tres décadas después con una gira mundial que desde diciembre de 2006 por fin dio cobijo sobre un escenario a su obra más incomprendida -y la más exigente en lo instrumental-, pasando por Estados Unidos, Australia y parte de Europa, pero no entonces por España. Lou Reed se alió con Bob Ezrin y Hal Willner para el nuevo montaje, que presentaron en diciembre de 2006 en un serie de conciertos en el St. Ann’s Warehouse, en su amado Brooklyn neoyorkino. Como testimonio del histórico momento, Julian Schnabel filmó un documental con imágenes de esas primeras actuaciones, una película en la que Ellen Kuras, que ya había trabajado en Neil Young: Heart of gold, trabajó como asistente y que se ha paseado por diferentes festivales, desde Toronto a, obviamente, la Berlinale.
“Siempre tuvimos un plan Bob Ezrin y yo. Nunca lo hicimos, pero la idea original era llevar Berlin a los escenarios, y teníamos muchas ideas sobre cómo sería el montaje. Era muy parecido a lo que Julian Schnabel tenía en mente”, reconoció Lou Reed hace unos días en el Austin Chronicle. Además del impresionante conjunto de músicos, el montaje de Berlín incluye la proyección de una película durante todo el concierto, Caroline, que versa sobre uno de los personajes del álbum y que ha sido dirigida por la hija de Schnabel y protagonizada por Emmanuelle Seigner.
Málaga es ahora el primer puerto del breve aterrizaje del espectáculo en nuestro país, en una nueva gira en la que participarán un conjunto de 30 músicos, además de la banda habitual de Lou Reed –el nuevo talento Antony, Fernando Saunder o su antigua mano derecha, el guitarrista Steve Hunter-, secciones de cuerda y viento y un coro infantil, acompañados de la escenografía del artista y cineasta Julian Schnabel. Es decir, un grandioso espectáculo operístico en las tablas del Teatro Cervantes, distinto y mucho más ambicioso que el aplaudido y recordado concierto que Reed dio en el año 2000 en el Palacio de los Deportes Martín Carpena.
Con Berlin, Reed se alejó de la obviedad y esquivó a conciencia el éxito musical y crítico de su anterior trabajo, el aclamado decálogo del glam rock llamado Transformer, aunque nunca pensó que el rechazo hacia su obra fuera a ser de tal magnitud. Y es que este trabajo discográfico es una pieza oscura, emocional y de profunda carga psicológica que relata a través de diez piezas musicales la autodestructiva relación amorosa en la que se ve inmersa una pareja de drogadictos en el Berlín de los años 70. El autor de “Walk on the wild side” abandonaba así de forma momentánea la inspiración de su Nueva York natal para centrarse en una ciudad a la que nunca había viajado: un Berlín aún dividido por el muro que aún sirve como metáfora acerca de la permanente discordia en la que vive el género humano, y que en estas canciones lleva al extremo la decadencia que siempre ha definido a la pulsión creativa del neoyorquino.
Orfandad, depresión, adicción y suicidio son algunos de los temas tratados en este disco conceptual, obsesiones que ayudaron a fomentar la leyenda del que es “el disco más depresivo de la historia”, tal y como lo bautizaron sus creadores. De esta sensación de tristeza también son responsables la mortuoria “Sad song”, maqueta recuperada de su época con Velvet Underground, y los desesperados -y censurados por la España de Franco- lloros infantiles del tema “The kids”, fruto de un juego macabro con los propios hijos del productor Bob Ezrin, responsable de un hito como el “Comfortably numb” de Pink Floyd.
Las melodías de Berlin conforman una estética sonora propia de una pesadilla de difícil huida, que completan títulos como “Oh Jim” o “The bed” y que ahora viven una nueva vida gracias a la pertinaz pasión de su creador, un Lou Reed que llegará a España con la buena nueva de su reciente enlace matrimonial -12 de abril- con la también artista Laurie Anderson, una figura de la Nueva York más vanguardista con la que el rockero desde los años noventa compartiendo apartamento con vistas al Hudson y numerosos proyectos profesionales. De hecho, Lou Reed y Laurie Anderson, artista multidisciplinar cuya carrera musical está muy vinculada a los minimalistas neoyorkinos y los rockeros de vanguardia de la Gran Manzana, acaban de actuar juntos en el concierto contra la guerra de Irak celebrado en marzo en Brooklin, además de que se escuchara el violín de Anderson en el disco The raven de él y la guitarra de Reed en los álbumes Bright red y Life on a string de ella.
Página oficial: www.loureed.com
Otras páginas interesantes: www.loureed.8m.com (página no oficial en español, con letras traducidas); www.loureed.it (en italiano); www.repriserec.com/loureed (página Reprise, discográfica editora de su disco Ectasy).
Precios de los espectáculos de Terral 08
A B C D
DIANA KRALL 100 € 80 € 70 € 60 €
MADELEINE PEYROUX 40 € 30 € 24 € 16 €
HERBIE HANCOCK 80 € 60 € 48 € 32 €
ERYKAH BADU 80 € 60 € 48 € 32 €
LOREENA McKENNITT 50 € 38 € 30 € 20 €
MACY GRAY 50 € 38 € 30 € 20 €
A Patio, plateas y 1er piso (excepto palco principal)
B 2º piso
C 3er piso
D Paraíso
A B
THE MAGNETIC FIELDS 30 € 20 €
JAMES BLUNT 70 € 45 €
LOU REED 100 € 60 €
A Patio, plateas y 1er piso (excepto palco principal)
B Palcos y 2º piso, 3er piso y paraíso