Gracia Querejeta expone la violencia filioparental y la fortaleza del amor con ‘La buena suerte’

Gracia Querejeta expone la violencia filioparental y la fortaleza del amor con ‘La buena suerte’

El largometraje, que compite en la Sección Oficial del Festival de Málaga, es una adaptación de la novela homónima de la escritora Rosa Montero

Este domingo 16 de marzo se ha proyectado ‘La buena suerte’, el último proyecto de la directora Gracia Querejeta que compite dentro del marco Largometrajes Sección Oficial de este 28 Festival de Málaga y que está basado en la novela homónima escrita por Rosa Montero.

En su presentación, moderada por el presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite, la directora ha estado acompañada de los reconocidos actores Hugo Silva y Miguel Rellán; la actriz coprotagonista Megan Montaner; la escritora de la novela en la que está adaptada el largometraje, Rosa Montero, así como del productor Gerardo Herrero.

Nada más comenzar, Gracia Querejeta ha querido expresar su “felicidad e ilusión” de volver a un Festival de Málaga al que ha estado acompañando desde su primera película. La directora ha explicado también el reto que le supuso adaptar al cine la novela de Rosa Montero cuando Gerardo Herrero se lo propuso: “Me entró un poco de pánico, ya que recordaba la obra muy compleja y llena de matices”. Asimismo, ha querido remarcar que no todo lo que está en la novela se plasma en la película, sino que está enfocado más en su “interés narrativo”.

De llevar a cabo esa adaptación ha detallado la facilidad y complicidad que ha tenido con Montero, de quien ha destacado su “generosidad y comprensión”. “El desafío fue enseñarle el guion y aún recuerdo la sensación de alivio cuando me dio el visto bueno”, contaba la directora del que ha sido un “proceso delicado, pero al mismo tiempo fructífero y divertido”.

Por su parte, Rosa Montero, gran aficionada al cine, ha coincidido con la directora incidiendo en la importancia de no realizar un calco audiovisual de su obra escrita: “No me interesa ser fiel a una novela, sino que esta sea el estímulo o el escalón para que un autor cree su propia obra cinematográfica en la que sea capaz de transmitir las sensaciones de esa novela”.

El productor ha destacado también la capacidad de Gracia Querejeta, a la que se ha sumado a “un buen casting y una buena financiación” para permitir un rodaje entre Navarra, La Rioja y Madrid para conseguir un producto final que asegura que “gustará al 95% de los espectadores”.

La trama, que narra la situación de un hombre que deja todo para empezar una vida nueva, combina dos vertientes temáticas, tal y como ha detallado Gracia Querejeta. Por un lado, la violencia filioparental, entendida como aquella que los hijos ejercen sobre sus padres, tan poco tratada en el cine. La fortaleza que proporciona el amor, sobre todo en las situaciones más desesperadas, es la otra base en la que este largometraje se apoya, según la directora.

“Una cosa que me gustó mucho es como el personaje huye de su situación”, ha comentado el actor Hugo Silva sobre su personaje, del que ha desgranado “ese viaje de alguien que toma una decisión pero al que su realidad se va imponiendo”. Algo en lo que ha concordado Mega Montaner, quien también ha tomado “como desafío” encarnar un papel de de un personaje transformado desde la novela con “un mundo narrativo diferente”.

‘Nunca fui a Disney’, de Matilde Tute Vissani, emociona en el Festival de Málaga con un retrato íntimo del fin de la infancia

‘Nunca fui a Disney’, de Matilde Tute Vissani, emociona en el Festival de Málaga con un retrato íntimo del fin de la infancia

La directora argentina presenta su ópera prima, un coming-of-age sobre la transición entre la niñez y la adolescencia

Este domingo 16 de marzo, el Cine Albéniz ha acogido la presentación y proyección de ‘Nunca fui a Disney’, el primer largometraje de la cineasta argentina Matilde Tute Vissani, que compite en Largometraje Sección Oficial en el 28 Festival de Málaga. La película, con la que Vissani recibió el premio a la mejor directora en el BAFICI 2024, ha conmovido al público con su historia sobre el crecimiento, la familia y el paso del tiempo en un pueblo costero.

En la presentación, que ha moderado Fernándo Méndez-Leite, presidente de la Academía de Cine, han estado presentes la directora Matilde Tute Vissani, la actriz Lucía Martínez Lag, la guionista y asistente de dirección Agustina Márquez Merlin, la directora de fotografía Florencia Barbati y la productora ejecutiva Wanelén Farías.

El filme cuenta la historia de Lucía, una niña de 11 años, que enfrenta unas vacaciones atípicas en San Bernardo junto a su madre y su hermana menor. En medio de un contexto de crisis y una separación en proceso, la niña comienza a descubrirse a sí misma y al mundo que la rodea, marcando el final de su infancia y el inicio de una nueva etapa.

Matilde Tute Vissani ha contado que ‘Nunca fui a Disney’ es “una película muy independiente, un sueño que nació en el ámbito de la Facultad de Buenos Aires. Fue la que nos permitió poder construir este proyecto, que llevó mucho esfuerzo pero también mucho amor”.

“Logramos hacerlo principalmente porque había una voluntad enorme de generar una película. Fue la primera película de todo el equipo, cada uno en su área. Fue financiada por nosotras mismas, por eso es súper independiente, obviamente, con muy poca experiencia o ninguna, tratamos de ir construyendo una película que imaginábamos posible”.

Para Lucía Martínez Lag, que grabó el filme con doce años, la historia “refleja muy bien ese momento en el que Lucía ya no es una nena, quiere su espacio y su independencia. Me sentí muy identificada porque yo lo viví un año después”. Sobre Lucía, Matilde ha aclarado que ya la tenían “muy preseleccionada” y el casting presencial lo confirmó.

Y además de un buen equipo y muchas ganas, también fue fundamental durante el proceso la música, Matilde ha contado que eran “ocho personas durmiendo en una habitación durante 20 días. Yo me levantaba a las 6 de la mañana y ponía la playlist para entrar en el ambiente de la película”. La banda sonora, a cargo de Nicolás García Médici y Mora Médici, fue clave para reforzar la atmósfera del filme.

Por su parte, Florencia Barbati ha añadido que: “muchas estamos dando la vida por estar aquí y por lo que amamos y lo que significa para nosotras hacer cine. Cuando hicimos la película éramos postadolescentes en la facultad y creo que ninguna se imaginó poder estar aquí. Esto te potencia y te da ganas de seguir haciendo cine”.

Con un guión coescrito por la propia Vissani junto a Márquez Merlin y fotografía de Florencia Barbati, ‘Nunca fui a Disney’ destaca por su mirada íntima y su capacidad de narrar lo cotidiano con una gran sensibilidad.

Actualmente, Matilde Tute Vissani se encuentra trabajando en su próximo largometraje, consolidándose así dentro del cine argentino.

La comedia romántica ‘Mensaje en una botella’ cierra la tercera jornada de proyecciones en Sección Oficial Fuera de Concurso

La comedia romántica ‘Mensaje en una botella’ cierra la tercera jornada de proyecciones en Sección Oficial Fuera de Concurso

El argentino Gabriel Nesci vuelve al Festival de Málaga para estrenar mundialmente su última película, protagonizada por Luisana Lopilato

¿Qué pasaría si pudieras enviarte un mensaje al pasado para corregir un error? Con esta reflexión parte la premisa de ‘Mensaje en una botella’, donde una sommelier descubre un método para comunicarse con su yo del pasado y lo usa para evitar una mala decisión. Sin embargo, cada intento por reescribir su historia la lleva a un presente aún más complejo, atrapándola en un ciclo donde cada ajuste la aleja más de la vida que anhela.

El director argentino Gabriel Nesci ha vuelto al Festival de Málaga tras estrenar en 2013 ‘Días de vinilo’ y se ha mostrado entusiasmado de poder presentar su nueva obra al público de España. “Esta historia explora el arrepentimiento, el remordimiento y la eterna pregunta de qué habría pasado si hubiéramos tomado un camino diferente en la vida.”

Durante la presentación y posterior coloquio de la película, el director, acompañado de los productores y el reparto de la cinta, ha destacado la importancia simbólica del vino en la película como una metáfora del tiempo: “El vino evoluciona dentro de una botella, igual que nosotros con el paso de los años. Me pregunté qué ocurriría si, como un náufrago, pudiéramos enviarnos mensajes a nosotros mismos en el tiempo”.

Luisana Lopilato, protagonista del film, ha expresado su entusiasmo por el desafío de interpretar por primera vez a un personaje que viaja en el tiempo. La actriz se ha mostrado privilegiada de poder seguir haciendo cine en su país y emocionada por el cariño recibido del público en España.

Por su parte, Benjamín Vicuña ha confesado que al recibir el guion sintió vértigo ante la complejidad de su personaje: “Siempre creo que los personajes tienen más capas de las que parecen al principio. Afortunadamente, Gabriel nos guió para construirlos dentro del universo de la película, donde el vino no es solo un elemento narrativo, sino un símbolo de las conexiones humanas.”

En este sentido, Nesci ha profundizado en la elección del vino como elemento clave para posibilitar los viajes en el tiempo dentro de la historia. Más allá de su pasión personal por este producto, el director reconoce que se sintió atraído por su simbolismo: “esa idea fue el punto de partida para desarrollar la historia y reflexionar sobre cómo cada año está marcado por una experiencia diferente”.

El actor Benjamín Vicuña ha destacado que tanto su personaje como el de Benjamín Amadeo cumplen un rol fundamental en la trama, que aporta elementos clave que podrían haber alterado el curso de la historia. Los dos intérpretes han mostrado su gratitud hacia el director reconociendo el desafío que supone hacer cine en Argentina. Por su parte, Benjamín Amadeo ha coincidido con su compañero en manifestar la alegría de presentar la película en primicia al público español.

En la parte productora, Rocío Gort e Ignacio Rey han destacado que esta es su tercera colaboración con Nesci, con quien comparten un mismo universo cultural. Han subrayado la complejidad del rodaje, ya que en un solo día se recreaban distintas épocas, lo que supuso un gran desafío logístico. Además, han señalado que presentar la película ante el público representa el cierre de un proceso significativo, que marca el encuentro final entre la obra y su audiencia.

‘Mensaje en una botella’ es una historia de segundas oportunidades, de vínculos que trascienden el tiempo y del eterno dilema de qué cambiaríamos de nuestro pasado si tuviéramos la posibilidad.

Iván Morales presenta en el Festival de Málaga ‘Esmorza amb mi (Desayuna conmigo)’, una historia que ha tardado 20 años en sacar adelante

Iván Morales presenta en el Festival de Málaga ‘Esmorza amb mi (Desayuna conmigo)’, una historia que ha tardado 20 años en sacar adelante

El largometraje de la sección Zonazine cuenta con Anna Alarcón, Álvaro Cervantes, Marina Salas, Iván Massagué y Oriol Pla en el casting

Hoy se ha presentado en el Cine Albéniz la tercera película de la sección Zonazine del Festival de Málaga, la ópera prima de Iván Morales ‘Esmorza amb mi (Desayuna conmigo)’, un relato muy personal que ha tardado 20 años en materializarse.

La cinta cuenta la historia de cuatro personajes que luchan por recuperar la fe en sí mismos y en el amor. Natalia, madre separada con problemas económicos, sufre un accidente y se reencuentra con Salva, quien quiere dejar el pasado atrás en busca de redención. Él desea un nuevo comienzo con Carlota, quien enfrenta su pasado y su obsesión por Omar, un compositor en crisis.

Tras la proyección de la película en la sala 3 del Cine Albéniz, ha tenido lugar la rueda de prensa con la presencia de su director, Iván Morales; la actriz Marina Salas, y los actores Álvaro Cervantes, Iván Massagué y Oriol Pla.

El director ha explicado ante el público y los periodistas el origen de la película: “Hace 20 años que quería hacerla, intenté levantar el proyecto sin mucho éxito después de escribir algún corto, así que empecé a hacer teatro y de golpe me encontré con una carrera teatral con la que yo no contaba. Años después, en torno a 2016, recuperé el guion y lo convertí en una obra de teatro. Fue vista por un productor que quiso convertirla en una película y se ha materializado en lo que acabáis de ver”.

Durante la rueda de prensa, Álvaro Cervantes ha relatado cómo conoció a Iván Morales con 17 años grabando un corto. Desde entonces ambos habían soñado con rodar una película juntos. Por su parte, Marina Salas ha destacado la facilidad que hubo desde el principio en la forma de trabajar del director: “nos dio mucho espacio para la escucha a todos los actores’.

A Oriol Pla e Iván Morales también les unió el mundo del cortometraje, según ha explicado el actor: “Nos conocimos hace 15 años, cuando rodaba cortos en el backstage de una telenovela de TV3. Me fichó para hacer teatro y desde entonces ha sido un mentor, un amigo, un compañero y una gran inspiración’.

El actor Iván Massagué ha destacado la gran cantidad de referencias que recibió para prepararse el papel de su personaje, y Marina Salas ha desvelado que incluso recibió una biografía detallada de su personaje desde la infancia.

Respecto a sus próximos proyectos, el director ha desvelado que actualmente se encuentra en el proceso de escritura de una segunda película, pero no ha querido dar detalles de la historia.

Iván Morales ha destacado como actor durante más de 30 años, trabajando con reconocidos directores como Isabel Coixet o Agustí Villaronga. Debutó como guionista con ‘Mi dulce’ y ‘El truco del manco’, además de ser showrunner de la serie animada ‘Heavies tiernos’. En el cine, su trayectoria en dirección de cortometrajes empezó con ‘Ha llegado la hora de contarte mi secreto’, estrenado en el Festival de Gijón, y ‘Dibujo de David’, que recibió el premio a mejor guion en el Festival de Cortometrajes de Madrid. Su corto más reciente, ‘Sushi’, ha sido seleccionado en más de 40 festivales de prestigio. Como director teatral, ha estrenado obras en teatros de renombre, dirigiendo tanto textos propios, como ‘Esmorza amb mi’, ‘Jo mai’ o ‘Sé de un lugar’; y adaptaciones de otros autores, como el reciente éxito ‘El día del Watusi’.

Documentales para curar heridas y para reencontrarse con el pasado se proyectan en la Sección Oficial del Festival de Málaga

Documentales para curar heridas y para reencontrarse con el pasado se proyectan en la Sección Oficial del Festival de Málaga

La tercera jornada del certamen acoge la proyección de 7 títulos de no ficción

El 28 Festival de Málaga proyectó este domingo 16 de marzo siete obras de no ficción en su sección competitiva. En el primer pase de la tarde se proyectaron en el Centro Cultural María Victoria Atencia los documentales: ‘Músicas’, de la directora Lila Áviles; ‘La Palmera’, de Maryam Harandi y ‘Deus-e-meio’ de Margarida Assis. A continuación, en el segundo pase, el público asistió a la presentación de ‘Portales’ de Elena Duque y  ‘On eres quan hi eres?’ de Jana Montllor. Finalizando la jornada tuvo lugar el visionado de ‘Cómo ser pehuén pedre’ de Federico Luis y ‘Burnout’, de los directores Ander Duque y Felipe Almendros.


 
‘Músicas’: El empoderamiento de mujeres indígenas
 
‘Músicas’, nuevo documental de la consolidada directora, guionista y productora mexicana Lila Avilés, aborda la trayectoria de Leticia Gallardo, la visionaria directora de Viento Florido,
una banda femenina regional reconocida por ser una de los pocos grupos de mujeres en un género tradicionalmente interpretado por hombres. Compuesto por más de cuarenta músicas talentosas, Viento Florido toca instrumentos tradicionales transmitidos de generación en generación. Acompañando la rutina de este grupo de mujeres indígenas provenientes de la región montañosa de Tlahuitoltepec, en el sur de México, Lila Avilés captura la profunda conexión entre las mujeres y cómo la música les sirve de inspiración para luchar por sus sueños.


 
´La Palmera´: Inmigración y nostalgia se estrelazan       
 
Maryam Harandi, cineasta iraní afincada en Asturias, ofrece en el Festival de Málaga su primer cortometraje con su historia personal: una joven que observa obsesivamente la palmera frente a su casa. Resuenan en su corazón las historias de su madre sobre la similitud entre las palmeras y los humanos, y siente que el árbol sufre. Enraizadas en dos mundos, una palmera es el testigo silencioso de la sociedad y la historia.
“Mi documental no es una historia predeterminada. Empecé a grabar y la idea fue surgiendo. Ahora ‘La palmera’ es un pedazo de mi alma. Compartir mi alma con vosotros es muy emocionante”, confesaba la cineasta novel al público asistente. 


 
`Deus-e-meio’: Reencuentro para curar heridas
 
Un médico vaga por un hospital abandonado. Años después de su último encuentro, alguien a quien él salvó la vida lo busca en su antiguo despacho, para que juntos reconstruyan un recuerdo del pasado compartido. Así es como la joven directora portuguesa Margarida Assis relata su propia experiencia con una enfermedad grave en la infancia. “Es un documental cargado de originalidad. Margarida tiene una forma muy peculiar de pensar y ella no quería que fuera un corto sobre el cáncer, sino sobre historias”, explicaba Luis Costa, productor de documental que, además, tiene música de Daft Punk.


 
‘Portales’: La magia de viajar a otros mundos
 
‘Portales’ sigue el curso del río Guadalete en Cádiz, España, desde la sierra hasta el mar. Un catálogo de paisajes que esconden otros paisajes, una colección de portales (y postales) interdimensionales que fusiona acción real y animación, creando una fauna y flora imposibles e inventando una nueva geografía para un humilde curso de agua.
 
Dirigido por Elena Duque, cineasta, programadora, crítica y profesora, ‘Portales’ es otra de sus piezas experimentales y animadas. “Trabajo mucho el collage porque es como reunir muchos mundos en un pedacito de mundo”, comentaba la directora.


 
´On eres quan hi eres?’ (¿Dónde estabas cuando estabas?): Un viaje en busca del pasado
 
La directora Jana Montllor Blanes, hija del conocido actor y cantautor valenciano Ovidi, ha perdido la única fotografía que le tomó a su padre en un viaje que hicieron a Mallorca. Navegando a través del Mediterráneo entre imágenes familiares, objetos, olores, canciones, recortes de prensa y programas de televisión, Jana emprende otro viaje a través de la memoria para intentar encontrar el recuerdo de su padre, una persona conocida por el gran público y, sin embargo, lejana para ella. “Yo tenía muchas ganas de acercarme a mi padre. Yo era muy joven cuando él murió, y quería entender dónde estaba. Era una necesidad vital para mí”, relataba así Jana Montllor la idea principal de su trabajo.
 


´Cómo ser Pehuén Pedre’: Una reflexión sobre la discapacidad
 
Pehuén Pedre es un joven con discapacidad que entrena a dos actores para un examen en el registro civil, donde ambos tendrán la oportunidad de conseguir sus propios certificados de discapacidad. Este es el argumento principal del documental ‘Cómo ser Pehuén Pedre’, una coproducción entre Argentina, Alemania y Francia y dirigida por Federico Luis, y que se ha proyectado hoy en el 28 Festival de Málaga.


 
´Burnout’: Un manual de resistencia para artistas
 
Felipe es un reconocido artista de Barcelona que, para sobrevivir, decide trabajar a doble turno descargando cajas y como mensajero. Desde ese momento, la expresión artística se minimiza, el entorno se distancia y la congestión se asoma en una combustión lenta. Mezclando realidad y ficción, el documental ‘Burnout’ narra el cotidiano de Felipe Almendros, protagonista y uno de los directores de su propia película. “Para mí es como un documental de confesión y de rendición donde intentamos enseñar el artista resentido, reflejo de tantas frustraciones”, contaba Felipe en compañía del codirector Ander Duque, que resaltó la profunda amistad que les une.

Cinco documentales exploran la tradición, la música, el teatro y el arte en el Festival de Málaga

Cinco documentales exploran la tradición, la música, el teatro y el arte en el Festival de Málaga

La sección Documentales Pases Especiales ofrece un recorrido por la creatividad y la identidad cultural a través del cine

El Festival de Málaga ha acogido este domingo 16 de marzo la proyección de cinco documentales que abordan la tradición teatral, la música, la ópera, la pintura y la dedicación artística. Estos han ofrecido al público una perspectiva sobre el proceso creativo y el valor de las distintas disciplinas.

‘La Festa’: la tradición medieval del Misteri d’Elx

Dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón y Pablo Más Serrano, ‘La Festa’ sumerge al espectador en el Misteri d’Elx, la única muestra de teatro medieval que se conserva en Europa. Este documental, producido por Maspeliculas, muestra cómo, cada mes de agosto, los habitantes de Elche se convierten en guardianes de una tradición que refuerza su identidad y memoria colectiva. En su presentación en el Festival de Málaga, el documental ha contado con la asistencia del presidente de la Academia de Cine, Fernando Méndez-Leite; el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar; el alcalde de Elche, Pablo Ruz Villanueva, y distintas autoridades de la ciudad alicantina.

“El Misteri sigue siendo algo muy transgresor, algo rarísimo, porque han hecho de la muerte una fiesta. Y esto es lo que hemos pretendido retratar: una película que hable del Misteri porque para conocer el Misteri de verdad, hay que ir allí”, explicaba el reconocido director de cine y guionista Manuel Gutiérrez Aragón en compañía del codirector Pablo Más Serrano; quien también quiso resaltar la importancia de la gente de Elche: “Es todo un trabajo colectivo. Unos lo hacen por la fe, otros no, pero todo el pueblo se involucra con ello. Es emocionante.”

‘Kraus, el último romántico’: la vida y legado de una leyenda de la ópera

Dirigido por Laura Bueno Cabrera y Germán Roda Amador, ‘Kraus, el último romántico’ narra la trayectoria del tenor Alfredo Kraus, explorando su meticulosa dedicación al canto y su impecable técnica vocal. A través de material de archivo, testimonios y su propia voz, la película reconstruye la historia de un artista cuya vida terminó pareciéndose a las grandes óperas románticas que interpretó.

A la proyección han asistido los directores Laura Bueno y Germán Roda. Bueno comentaba que la idea de este documental surge con el interés de dar voz a otra parte de la vida de Kraus, “contar lo que opinaban los demás de él”. Fue en ese proceso de búsqueda donde se dieron “cuenta de esa historia de amor increíble”.

Por su parte, Roda ha expresado que fue esta “historia de amor” la que impulsó el filme y “luego se unió lo demás”. Compartía que Laura y él se vieron “con el legado personal de Kraus“ y esto les dió “mucho miedo y respeto”, pero que estos, les impulsaron a hacer “algo que estuviera a la altura” del compositor.

‘Alexina B. Vides en composició’: música e identidad

Alexis Borràs Izquierdo sigue el proceso creativo de la compositora Raquel García-Tomás en la construcción de su ópera sobre Alexina B., una persona intersexual del siglo XIX. Coproducido entre España y Francia por Digital Films y Les Films Figures Libres, el documental muestra cómo la música y la narrativa pueden convertirse en herramientas de empatía e inspiración.

“Este documental nace en Málaga cuando Raquel García-Tomás, Premio Nacional de Música 2020, me cuenta su proyecto: crear una ópera inspirada en la historia de Adélaïde Herculine Barbin, también conocida como Alexina B., una persona intersexual. Así empezó todo.”, confesaba el director Alexis Borrás, acompañado de la productora Maria Serralvo y de la guionista Anna Casacuberta.

‘Gypsy en el Soho. El sueño de Antonio Banderas’: el arte como transformación

Dirigido por Enrique García, ‘Gypsy en el Soho. El sueño de Antonio Banderas’ explora la dedicación de Antonio Banderas a la producción del musical Gypsy, estrenado en octubre de 2024 en el Teatro del Soho CaixaBank. A través de las reflexiones y testimonios de sus colaboradores más cercanos, la película ofrece una mirada íntima al proceso creativo del actor y director malagueño, destacando su compromiso con la cultura y el impacto de su teatro en la ciudad de Málaga.

La presentación ha reunido a los responsables del documental, Enrique García, Javier Hernández, Nacho Lagos, Pablo Antón y Pedro Luis Gómez. Finalmente no se ha contado con la presencia del propio Antonio Banderas, pero la familia ha estado representada por su sobrino, Javier Hueso, y su hermano, Javier Banderas, quien ha aprovechado el coloquio para mostrar su satisfacción con el documental: “Antonio está en Madrid con el musical de Gypsy, pero queremos dar la enhorabuena porque se nota el cariño y el gran trabajo que hay detrás de la película”.

‘Luis Gordillo. Manual de instrucciones’: explorando la mente de un artista

El documental ‘Luis Gordillo. Manual de instrucciones’, dirigido por Sema D’Acosta y Antonio García Jiménez, ofrece un acercamiento inédito a la vida y obra de Luis Gordillo, una de las figuras más relevantes del arte abstracto en España. La película profundiza en su proceso creativo, sus reflexiones sobre la pintura, el color y el psicoanálisis, así como su influencia en las nuevas generaciones de artistas.

Sema D’Acosta aseguró en la presentación que el documental nació de la inquietud de hacer un retrato audiovisual de la figura de Gordillo: “Es una figura de referencia desde hace medio siglo y sigue siéndolo, pese a los cambios que ha sufrido la sociedad o incluso adelantándose a ellos. El objetivo era hacer una aproximación sin exageraciones en la que él nos contara sus dudas y sus inseguridades”. En palabras del propio D’Acosta, la proyección es un “antidocumental” y los espectadores del Museo Picasso pudieron descubrir por qué.

Tras su estreno en el Festival de Málaga, estos documentales iniciarán su recorrido por salas y festivales internacionales.

Cinco documentales exploran la tradición, la música, el teatro y el arte en el Festival de Málaga
La tercera jornada de Cinema Cocina pone en valor la importancia del mar como fuente de alimento

La tercera jornada de Cinema Cocina pone en valor la importancia del mar como fuente de alimento

Cinema Cocina ha continuado este domingo en el Festival de Málaga con una sesión dedicada al mar y su impacto en la gastronomía

La tercera jornada de Cinema Cocina ha incluido dos obras centradas en la riqueza del mar como fuente de alimento. El Teatro Echegaray ha acogido la proyección del cortometraje ‘Percebes’, de Alexandra Ramires y Laura Gonçalves; y el largometraje ‘1’17’, de Javier Linares Cadenas de Llano.
 
Mientras que ‘Percebes’ explora la vida de este apreciado marisco, desde su formación hasta su llegada al plato; en ‘1’17’ se plantea una reflexión sobre la dependencia global de los océanos, destacando su papel esencial en la alimentación de casi la mitad de la población mundial.
 
Tras las proyecciones, los asistentes han participado en un coloquio moderado por Álvaro Muñoz, director de Lumen Proyectos Gastronómicos, en el que han participado Julio Morón y Rubén Casas, director y guionista respectivamente de ‘1,17’; y Mayela Cárdenas, cocinera. Los ponentes han tenido un objetivo claro: poner en valor el pescado y el oficio de los pescadores.
 
En palabras de Julio Morón, el documental nace como una necesidad de defender la pesca industrial, que es “atacada” desde muchos sitios: “Nosotros llevamos muchos años de trabajo por la mejora de nuestra forma de pescar, somos los custodios del mar porque somos los más interesados en que se mantengan las poblaciones de peces en buen estado”. Y ha añadido: “Lo único que se ve de la pesca industrial es lo malo. El papel del pescador hay que dignificarlo, es un proveedor de alimentos”.
 
Por su parte, Rubén Casas ha valorado el trabajo de los marineros, “que pasan 24 horas al día juntos durante cuatro meses en condiciones muy duras”. Por lo que ese 1,17 precio medio de una lata de atún, de donde sale el título del filme, no se justifica en ocasiones con todo lo que hay detrás.
 
Mayela Cárdenas, siguiendo con la importancia del mar como fuente de alimento, ha presentado el proyecto ‘Pesca con futuro’, que fomenta el consumo responsable y sostenible de productos pesqueros, garantizando la preservación de la biodiversidad marítima en México.
 
En palabras de Álvaro Muñoz, “el mundo de la mar, el oficio de la pesca, probablemente no hay ninguno que requiera más esfuerzo, peligro, exigencia, dejar a una familia…”.
 
“Y los comensales no somos conscientes”, asegura Mayela Cárdenas, y ha añadido: “Pero los cocineros podemos acercar esa conciencia en el día a día al cliente”.
 
La degustación de esta jornada ha tenido como protagonista el atún. Los asistentes han podido disfrutar de una cerveza Victoria Diez, una edición especial, y una empanadilla criolla de atún CUCA con mejillones en escabeche CUCA.
 
Cinema Cocina continuará este lunes 17 con la proyección del cortometraje ‘L’Interpretazione’, de Jorge Colomer, y el largometraje ‘El Mago del Vino’, de David Moncasi Argilés.

Manuel Ríos San Martín presenta ‘La huella del mal’ como una mirada cinematográfica a los orígenes de la humanidad

Manuel Ríos San Martín presenta ‘La huella del mal’ como una mirada cinematográfica a los orígenes de la humanidad

La película, presentada en la Sección Oficial Fuera de Concurso del Festival de Málaga, está basada en su propia novela y rodada en el yacimiento de Atapuerca

‘La huella del mal‘, el esperado thriller de Manuel Ríos San Martín, ha tenido su estreno oficial en la 28ª edición del Festival de Málaga. La película, basada en la novela homónima del propio director, cuenta con un reparto encabezado por Blanca Suárez y Daniel Grao, quienes interpretan a los investigadores encargados de resolver un enigmático crimen en un entorno prehistórico. Junto a ellos, completan el elenco Aria Bedmar, Víctor Palmero, Daniel Horvath, Cosimo Fusco, Fernando Cayo, Pablo Rivero y Juanma Cifuentes, entre otros.

Rodada en escenarios naturales e históricos, ‘La huella del mal‘ es el primer largometraje de ficción filmado en el yacimiento arqueológico de Atapuerca, un enclave declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 2000. La historia se sitúa en este entorno sobrecogedor, donde un grupo de niños encuentra el cuerpo de una joven en el Centro de Arqueología Experimental (CAREX), colocado en posición fetal en el lugar donde debería estar la réplica de un enterramiento neandertal. Este macabro hallazgo recuerda a un crimen cometido seis años atrás, lo que lleva a los investigadores Silvia Guzmán (Blanca Suárez) y Daniel Velarde (Daniel Grao) a sumergirse en una intrincada investigación llena de misterio y peligro.

En el coloquio posterior al pase oficial de la película, Manuel Ríos San Martín, que se estrena por primera vez en el certamen como director de largometraje, ha destacado el valor narrativo y simbólico del filme: “Es una película policíaca, pero completamente diferente a lo que estamos acostumbrados. El escenario de Atapuerca, con su atmósfera prehistórica, le aporta un barniz único. Los escenarios originales, la trama peculiar y el especial cuidado en la construcción de los personajes hacen que esta historia se desmarque dentro del género”.

El director, acostumbrado a moverse entre la literatura y la televisión, da con este largometraje su primer paso en la escritura de guiones cinematográficos. Respaldado en la producción por la confianza de La Charito y el apoyo en la escritura de Victoria Dal Vera, espera que la adaptación haya sido acertada.

En cuanto a los desafíos de la dirección, ha ensalzado el trabajo del reparto artístico, especialmente la química interpretativa entre Blanca Suárez y Daniel Grao, cuya conexión en pantalla permitió que “se miraran y pasaran cosas”. Por su parte, Suárez ha agradecido a Ríos San Martín su generosidad por brindarles espacio para aportar sus ideas y propuestas, permitiéndoles crear junto a él, apropiarse de sus personajes y darles vida desde su propia interpretación.

Los actores Daniel Grao y Cosimo Fusco han expresado su emoción por ver la película por primera vez en pantalla grande. Para ambos, más allá del impacto visual, la historia les ha conmovido profundamente por su poderoso mensaje filosófico. Aria Bedmar se ha sumado a la emoción del primer visionado y ha querido destacar la labor de Pepe Herrero, artífice de la banda sonora, quien “sin duda ha contribuido a intensificar esa emoción”.

Daniel Horvath, en el patio de butacas, ha recibido el reconocimiento de su compañero Víctor Palmero, quien ha elogiado su trabajo. Además, Palmero se ha mostrado muy agradecido por la confianza que la productora La Charito ha depositado en todo el elenco artístico.

Sobre las localizaciones de rodaje en Atapuerca y el desfiladero de La Yecla, el director ha explicado que filmar en el yacimiento ha sido una experiencia inolvidable. Además ha destacado los retos que supuso el entorno, marcado por la geografía de montañas y abismos, lo que añadió un desafío adicional al rodaje.

Los productores Diego Rodríguez y Coque Serrano también han expresado su orgullo por llevar esta historia al público y han dedicado palabras de agradecimiento a todos los que han hecho posible el proyecto, resaltando el apoyo de entidades como RTVE, Netflix, Peter Lederman (Nadcon) Navarra, así como la labor al frente de la producción de La Charito. Además, han destacado el esfuerzo colectivo de un equipo de más de 200 personas que han trabajado en la producción.

Tras su paso por el Festival de Málaga, la película tendrá su estreno comercial en salas el 4 de abril, llevando al público un thriller policíaco que combina investigación criminal, drama humano y una atmósfera visualmente impactante.

Los cortometrajes del Festival de Málaga se han presentado este fin de semana en Sección Oficial en el cine Albéniz

Los cortometrajes del Festival de Málaga se han presentado este fin de semana en Sección Oficial en el cine Albéniz

En total se han proyectado más de 25 obras divididas en cuatro programas.

Los cortometrajes de Sección Oficial iniciaron ayer su andadura en el 28 Festival de Málaga, con la proyección de los dos primeros programas. Hoy se han presentado los programas 3 y 4 en un Cine Albéniz repleto de público. Antes del inicio de las sesiones, los equipos han presentado sus películas al público asistente. En total, se han proyectado 27 cortos agrupados en cuatro programas.
 
El Programa 1, con una duración total de 109 minutos, incluía los cortos ‘Yaya’, de Sara Sálamo, que cuenta la historia de una pareja que contrata a una mujer para cuidar de su abuela; ‘Urtajo’, de Miguel Ángel Marqués Bordoy, sobre un político que se encuentra ante un dilema moral; ‘Solo Kim’, de Javier Prieto de Paula y Diego Herrero, que acompaña a un adolescente transgénero en sus miedos; ‘Insalvable’, de Javier Marco, sobre una cena en la que un hombre se encuentra con un extraño al que salvó la vida hace unas semanas; ‘On no ji ha llum (Donde no hay luz)’, de Julia García, en la que una chica consigue llevar la luz a la habitación en penumbra de una amiga a través de un juego de espejos; ‘Hormiguilla’, de Fran Granada, en el que un picnic entre padre e hijo hace estallar un secreto oculto durante años; y ‘Ajar’, de Atefeh Jalali, que narra una relación extramatrimonial en el complicado contexto de Irán.
 
Por su parte, el Programa 2 (112 minutos), ha contado con las piezas ‘El otro’, de Eduard Fernández, que habla sobre la soledad y las adicciones; ‘Vida o teatre (Vida o teatro)’, de Guillem Manzanares, que refleja la tensión entre una madre y su hija; ‘Polígono X’, de Néstor López, cuenta la historia de la rivalidad en una cancha de fútbol de barrio; en ‘La fuerza’, de Cristina Martín Barcelona y María José Martín Barcelona, un debate escolar sobre la película ‘La guerra de las galaxias’ se convierte en una valiosa lección; ‘Judoka (Judoca)’, de Ander Iriarte, donde somos testigos de una agresión racista en el mundo del judo; ‘Una cabeza en la pared’, de Manuel Manrique, que habla sobre el mundo del toreo tras la abolición de los toros en España; y ‘El cuento de una noche de verano’, de María Herrera, que muestra una pareja durante una primera cita.
 
Los cortometrajes proyectados en el Programa 3 (108 minutos) han sido: ‘De sucre (De azúcar)’, de Clàudia Cedó, donde conoceremos a una mujer con discapacidad intelectual que desea ser madre; ‘Planetagatik (Por el planeta)’, de Eneko Muruzabal Elezcano, que habla sobre la normativa medioambiental en un laboratorio de investigación alimentaria; ‘Nens (Niños)’, de Anna Martí Domingo, sobre la masculinidad tóxica; ‘Instinto paternal’, de Nacho Martínez, que acompaña a una pareja de hombres en su búsqueda de una agencia para vivir una experiencia de paternidad; ‘El norte’, de Cordelia Alegre, en el que una abuela y su nieta se pierden; ‘Còlera (Cólera)’, de José Luis Lázaro, que cuenta la historia de dos chicos en una playa que deben pedir ayuda a un desconocido; y ‘Marciano García’, de Luis Arrojo, que nos presenta a un hombre con síndrome de Down que quiere ser astronauta.
 
Por último, el Programa 4 (104 minutos) ha proyectado los cortometrajes: En ‘Pipiolos’, Daniel Sánchez Arévalo se acerca a los nuevos modelos de familia; ‘Abril’, de Alexandra Iglesias, muestra el cambio de niña a mujer de su protagonista; ‘Maruja’, de Álvaro G. Company, habla sobre la soledad de una mujer mayor que se ha quedado viuda recientemente; ‘La idea de una isla’, de Carmen Pedrero, retrata a una madre que intenta que su hija de 9 años no se dé cuenta de la guerra que les rodea; en ‘Kokuhaku’, de Adrià Guxens, un joven actor japonés volverá al pasado para revivir sus recuerdos más íntimos; y ‘Lo que no se ve’, de María Algora y Mikel Bustamante, que recorre la historia de Ane, que se entera de un oscuro secreto familiar en su 30 cumpleaños.


 

Los cortometrajes del Festival de Málaga se han presentado este fin de semana en Sección Oficial en el cine Albéniz

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AECINE y Egeda organizan un debate sobre el código deontológico en IA para cine y audiovisual

AECINE y Egeda organizan un debate sobre el código deontológico en IA para cine y audiovisual

La industria cinematográfica busca establecer límites y criterios para un uso responsable de la Inteligencia Artificial.

En el marco de la 28ª edición del Festival de Málaga, la Asociación Estatal de Productoras de Cine Independiente (AECINE), con el apoyo de EGEDA, ha organizado una mesa de debate sobre la necesidad de un código deontológico que marque las bases de un uso ético y responsable de la inteligencia artificial en el sector audiovisual. El encuentro, al que ha asistido Juan Antonio Vigar, director del Festival de Málaga, se ha celebrado este domingo 16 de marzo en el Museo Carmen Thyssen Málaga.
 
Se han abordado cuestiones clave como la propiedad intelectual, la gestión de derechos y las implicaciones éticas del uso de la IA en la producción audiovisual. La mesa ha tenido como moderadora a María Luisa Gutiérrez, presidenta de AECINE y CEO de Bowfinger International Pictures; con la participación de expertos como Ignasi Camós, Director General del ICAA; Clara Ruipérez de Azcárate, Directora de Estrategia Jurídica de Contenidos de Telefónica; y Eduardo Jiménez, socio fundador de Free Your Mind y productor de Quexito Films.
 
Juan Antonio Vigar ha dado comienzo al coloquio señalando la importancia de debates como estos, para conocer “cómo nos va a incidir la inteligencia artificial en el futuro a corto y medio plazo y qué claves nos da para que el sector sea capaz de reinventarse una vez más”. Por su parte, Rafael Sánchez, director de Relaciones Institucionales y Comunicación de Egeda, ha recalcado cómo “la IA abre unas posibilidades en las que creemos que los productores necesitan cierta regulación”.
 
Eduardo Jiménez ha puesto el ejemplo de un spot que crearon con catorce inteligencias artificiales diferentes, un proyecto que de manera tradicional habría costado “más de un millón de euros, pero de esta forma costó quince veces menos”. Sin embargo, ha señalado que “el gran reto que tenemos por delante a nivel técnico es tener una IA que sea capaz de entender lo que hace”.
 
Sobre si la IA puede acabar con puestos de empleo, los tres ponentes lo tienen claro, tal y como ha añadido Ignasi Camós: “Las revoluciones vinculadas a procesos de creación destruyen y crean empleo”. Todos han asegurado que la IA no viene para quitar empleos, porque siempre habrá falta personas especializadas en su funcionamiento.
 
Clara Ruipérez, al igual que Jiménez, ha señalado que la IA es perfecta para los trabajos tediosos: “Ahora lo que hay que hacer es humanizarla, y para eso hacen falta nuevos profesionales”. Asimismo, en palabras de Eduardo Jiménez: “Los profesionales no quieren hacer trabajos repetitivos, son artistas digitales y quieren retos”.
 
Ignasi Camós ha adelantado que desde el ICAA van a exigir declaraciones de responsabilidad sobre el uso íntegro de Inteligencia Artificial para los certificados de culturalidad: “De haberse utilizado modelos de IA, tendrán que especificarlos y hacerse responsables de haber cumplido la normativa vigente”. En el caso de los guionistas, además, “se usará una herramienta para analizar cuánto del guión se ha hecho con esta tecnología”.
 
En varios países de Europa, ya se exige a los creadores que especifiquen en un cuestionario qué IA han utilizado, cuáles son los motivos de uso y si se han respetado los derechos de autor y de propiedad intelectual. Los ponentes han explicado que “aquí vamos a utilizar la declaración responsable, porque nos parece más operativo”.
 
Para Clara Ruipérez el control debe centrarse más en la parte de la educación de la IA: “han salido una serie de inteligencias artificiales generativas que se han entrenado sobre muchísimos datos quedando desprotegida la propiedad intelectual”. Y ha añadido: “Como la regulación no va a llegar rápido y los productores necesitamos utilizarla, hay que saber qué podemos hacer para que todo el mundo esté tranquilo y no nos vinculen con el hecho de que esas IAs se hayan entrenando vulnerando derechos de autor”, ha añadido Clara Ruipérez.
 
El coloquio ha dejado claro que la Inteligencia Artificial es una herramienta con un enorme potencial para la industria audiovisual, pero su implementación debe ir acompañada de una regulación clara y un uso ético que proteja los derechos de los creadores. El desarrollo de un código deontológico es un paso esencial para garantizar que la IA no solo optimice procesos, sino que también respete la integridad artística y laboral del sector.

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El Festival de Málaga inaugura la séptima edición del Espacio Solidario con actividades para promover la integración y la inclusión

El Festival de Málaga inaugura la séptima edición del Espacio Solidario con actividades para promover la integración y la inclusión

La Plaza de la Merced acoge nuevamente esta ventana del certamen en la que participarán hasta el sábado más de 50 colectivos sociales en actividades de acceso libre y gratuito.

Esta mañana se ha inaugurado el Espacio Solidario del 28 Festival de Málaga en la Plaza de la Merced, lugar que acogerá la séptima edición de esta ventana a los colectivos sociales organizada por el Ayuntamiento de Málaga, a través del Área de Derechos Sociales, Diversidad, Igualdad y Accesibilidad, en colaboración con la Fundación ”la Caixa”. Hasta el próximo sábado 22 de marzo, el Espacio Solidario contará con la participación de 51 entidades con el objetivo de promover la integración y la inclusión.
 
En el acto de inauguración del Espacio Solidario han estado presentes el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; la concejala de Cultura y Patrimonio Histórico, Mariana Pineda; el concejal de Derechos Sociales, Diversidad, Igualdad y Accesibilidad, Francisco Cantos; el director territorial de CaixaBank Andalucía, Ceuta y Melilla, Juan Ignacio Zafra; el responsable territorial de Andalucía, Ceuta y Melilla de Fundación “la Caixa”, Juan Carlos Barroso; y el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar.
 
“Me atrevo a decir que esta Plaza de la Merced va siendo poco a poco la plaza de la solidaridad”, ha afirmado Francisco de la Torre sobre la que le parece “una actividad hermosa con un gran crecimiento” de este séptimo año que se está desarrollando esta ventana del Festival. Asimismo, ha remarcado el compromiso que tiene Málaga en el ámbito educativo, refuerzo escolar, cooperación, desarrollo y tantísimos aspectos: “Una de las fortalezas de la ciudad es la inquietud sana y dedicación generosa con la solidaridad que, junto a la cultura, crean una sinergia esencial”.
 
“Hoy estamos donde estamos y estaremos mejor”, se ha referido Juan Ignacio Barroso haciendo hincapié en el recorrido en el que CaixaBank, junto a Fundación ”la Caixa” están acompañando a una Málaga y un Festival que avanzan paralelamente al desarrollo de “una sociedad que quiere ser rica en valores y que piense en su gente”. Paralelamente, el director territorial de CaixaBank Andalucía, Ceuta y Melilla ha recordado el proyecto de CaixaForum, que está proyectado para este 2025 en Málaga, donde se pretende acercar la cultura a toda la ciudad y que sirva “como puente de unión y para sumar como evento al Festival de Málaga”.
 
Por su parte, Juan Antonio Vigar ha recalcado que este Espacio Solidario “forma parte del corazón del Festival, que se hace con el esfuerzo de los diferentes colectivos y desde el certamen intentan visibilizar”. Además, el director del Festival ha enumerado las cuatro palabras que empiezan por ‘C’ sobre las que trabaja el certamen: cine, comunicación, contexto y compromiso. “Nuestra intención es hacer de la ciudad más grande, no en extensión sino en valía, para lo que es fundamental el compromiso con la igualdad, con la sostenibilidad y con la acción social”, ha concluido.
 
A través del Espacio Solidario, el Festival de Málaga persigue conectar con diferentes colectivos sociales para abordar, mediante una variada programación de actividades divulgativas, temáticas que giran en torno a la igualdad de género, la tercera edad, la violencia o la integración social, entre otras.
 
En esta séptima edición, medio centenar de asociaciones y colectivos sociales formarán parte del Espacio Solidario, desarrollando actividades de todo tipo como proyecciones, mesas redondas o talleres, con una programación que abarca una semana desde el sábado 15 hasta el sábado 22 de marzo con sesiones de acceso libre y gratuito.
 
Durante la jornada inicial desarrollada ayer sábado 15 de marzo, se ha proyectado el audiovisual ‘Personas que cambian vidas’ de la ONG Crecer con Futuro y la Asociación Cultural Bollywoomanía Málaga ha realizado un espectáculo de danza. Esta primera sesión del Espacio Solidario ha servido también para abordar la violencia de género a través de un coloquio propuesto por el Colegio Oficial de Psicología de Andalucía Oriental, que ha sido seguido de las proyecciones ‘Diversidad’ y ‘Los guardianes del agua, Tekuanaes’, de la Asociación Cultura Antonio Montes y OXFAM Intermón, respectivamente.

‘Embrujo’ rememora el cine de vanguardia de los años 40 en La Cápsula del Tiempo

‘Embrujo’ rememora el cine de vanguardia de los años 40 en La Cápsula del Tiempo

La última sesión de este ciclo del Festival de Málaga ha concluido con una actuación musical y teatral de Manolo Supertramp y Roberto Aragón.

La Cápsula del Tiempo ha presentado este domingo 16 de marzo en este 28 Festival de Málaga su última sesión, en la que ha resaltado la figura de Lola Flores a través de la proyección de ‘Embrujo’ (1947). Reconocido como uno de los largometrajes más importantes del cine español de la década de los 40, este clásico de género musical ha sido rescatado dentro de la segunda edición de esta ventana del certamen que este año ha girado en torno a la temática “Biografías de ficción” sobre reconocidos personajes de España en la época de la posguerra.
 
Dirigido por Carlos Serrano de Osma y escrito por Pedro Lazaga, el filme tuvo una gran repercusión al juntar a dos estrellas del momento: al cantaor Manolo Caracol y a la bailaora y cantante Lola Flores, de cuyo surrealista romance gira la trama. Una película que tampoco estuvo exenta de críticas, puesto que creó una gran expectativa en un público que esperaba presenciar un despliegue artístico por parte de unos protagonistas que desarrollaron un papel desconocido hasta la fecha.
 
“El nombre de la película se debe al director”, ha explicado el comisario de La Cápsula del Tiempo, Luis E. Parés, quien en la presentación de esta sesión ha situado al público en el contexto de los años 40 en el que se rodó y presentó el largometraje: “Carlos Serrano de Osma pertenece a una serie de directores autodenominados renovadores, que propusieron  un cine más ambicioso para darle la vuelta a los tópicos españoles”. Además, ha desgranado el esquema clásico de “auge y caída” que sigue el filme con dos de los intérpretes y artistas más relevantes de aquel periodo, así como ha desvelado la decepción de Lola Flores por encarnar un personaje que no exaltaba lo que ella realmente significó para la cultura musical de nuestro país.
 
Como broche final de esta sesión, la Compañía Manolo Supertramp y Roberto Aragón han recuperado la esencia de ‘Embrujo’ a través de la actuación ‘Se rueda…¿o qué?’. El público presente ha podido presenciar una puesta en escena que no ha dejado indiferente a nadie a modo de conclusión para esta edición de La Cápsula del Tiempo.

‘Embrujo’ rememora el cine de vanguardia de los años 40 en La Cápsula del Tiempo

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Una emocionada Carmen Machi recibe el Premio Málaga-SUR del 28 Festival de Málaga

Una emocionada Carmen Machi recibe el Premio Málaga-SUR del 28 Festival de Málaga

La actriz considera este reconocimiento como una expresión del cariño del público “con el que me siento muy cómoda”

La actriz Carmen Machi ha recibido este sábado 15 de marzo el Premio Málaga-SUR como reconocimiento a la extraordinaria carrera de una de las actrices más queridas del cine español. La intérprete madrileña ha recibido este galardón en una gala presentada por la actriz Melani Olivares, su compañera de reparto en la popular serie ‘Aída’, y del actor Pepón Nieto, con el que protagonizó la película ‘Un efecto óptico’.

La intérprete madrileña ha estado arropada en el escenario del Teatro Cervantes por el actor y director Paco León, el director y dramaturgo Miguel del Arco, el director de casting Luis San Narciso, el director Nacho García Velilla y Laura Fernández Espeso, CEO de The MediaPro Studio, quien ha entregado a una emocionada Carmen Machi este premio que, en palabras de Melani Olivares, “reconoce el talento, la capacidad de trabajo y la calidad humana de una actriz inmensa”.

Carmen Machi ha agradecido al Festival de Málaga un premio que, para ella, es una expresión más del cariño que recibe del público desde hace décadas, “un cariño con el que me siento muy cómoda” y que percibe “como algo muy hermoso”. Haber ganado este lugar en el corazón del público viene, según la actriz, de haber tenido la oportunidad de “interpretar personajes muy cercanos a la gente”. En concreto, Aida García en las series ‘7 vidas’ y ‘Aida’, y de Merche de ‘Ocho apellidos vascos’, que le proporcionó su premio Goya a la Mejor Actriz de Reparto.

Precisamente, en el encuentro con el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, celebrado unas horas antes de la Gala Premio Málaga-SUR, Machi analizaba lo que significaron estos trabajos para su trayectoria. “La televisión es una manera de entrar en las casas de la gente y eso te da popularidad, pero el fenómeno de ‘Ocho apellidos vascos’ fue tan bestia que fue como haber hecho una serie de un lustro”, ha recordado.

En este encuentro, la actriz ha repasado su trayectoria en teatro, cine y televisión. “En contra de lo que pueda parecer, no he hecho tanta televisión como parece”, ha señalado la actriz, quien ha explicado que ‘7 vidas’ y ‘Aida’ eran sitcoms que “se grababan del tirón y con público en cada capítulo; es lo más cercano al teatro que te puedas imaginar, que es mi hábitat natural”. Respecto a sus últimos trabajos en ‘La mesías’ o ‘Celeste’ para Movistar+, Machi los considera “más cercanos al cine que a la televisión”. Sin embargo, ha reconocido que en el teatro “tienes una responsabilidad enorme, te aporta rigor y disciplina; eso te conecta con la realidad y con la vida”.

El homenaje a Carmen Machi comenzó este sábado con el descubrimiento del monolito con la huella de sus manos en el paseo marítimo Antonio Banderas, un acto multitudinario al que acudieron el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; la concejala de Cultura y Patrimonio Histórico, Mariana Pineda; la redactora jefa del Diario SUR, Ana Pérez-Bryan; y el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar.

Carmen Machi comenzó su carrera teatral a los 17 años en la compañía Taormina de Getafe y, a los treinta, se unió a La Abadía, donde destacó en obras como ‘Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte’. Tras salir de la serie ‘Aida’ en 2008, Machi consolidó su carrera en cine y teatro, participando en ‘Los abrazos rotos’ (2009) y obteniendo papeles destacados en películas como ‘Pájaros de papel’ (2010) y ‘Ocho apellidos vascos’ (2014).

A lo largo de los años, Carmen Machi continuó alternando entre cine, teatro y televisión, con papeles en películas como ‘Villaviciosa de al lado’ (2016) y ‘Ocho apellidos catalanes’ (2015), y destacándose en montajes teatrales como ‘Antígona’ (2015-2017). En 2017 recibió la Medalla de Oro de la ciudad de Madrid, y continuó con proyectos cinematográficos como ‘La tribu’ (2018) y ‘El Cover’ (2021). En televisión, participó en ‘Criminal: España’ (2019) y ‘Vida perfecta’ (2020), además de protagonizar ‘Amor de madre’ (2022). En 2023, formó parte de la serie ‘La mesías’ y en 2024 interpretó a la protagonista de la miniserie ‘Celeste’ para Movistar Plus+.

Los directores Cristina Galán y David Suárez presentan la comedia ‘A nadie le importas’ en la sección Zonazine

Los directores Cristina Galán y David Suárez presentan la comedia ‘A nadie le importas’ en la sección Zonazine

La cinta cuenta la historia, basada en hechos reales, de la cancelación del cómico protagonista por un polémico tuit

La sala 3 del cine Albéniz ha sido testigo hoy del estreno de la película ‘A nadie le importas’, enmarcada en la sección Zonazine del 28 Festival de Málaga. Cuenta la historia de David, un cómico obsesionado con ser famoso. Tras la publicación en redes sociales de un polémico chiste, ve cómo su carrera y estatus se ven amenazados. Presionado por la idea de perderlo todo, pide perdón públicamente. Esto le catapulta automáticamente a presentar el programa más visto de la televisión. Pero, poco después, otro chiste provocará su despido y destierro social.

A la rueda de prensa posterior a la proyección han acudido su director y protagonista, David Suárez; la directora, Cristina Galán; y otro de los actores, Santi Alverú.
El germen de esta película podemos encontrarlo en una situación real que vivió el cómico David Suárez, director y protagonista de la cinta. A raíz de un polémico tuit en el año 2019, fue despedido del programa en el que trabajaba. En ‘A nadie le importas’ se cuenta una realidad paralela: qué habría pasado si nunca se hubiese disculpado.

En palabras de su directora, Cristina Galán: “Decidimos hacer una mezcla entre realidad y ficción, algo que solemos hacer en muchos de nuestros proyectos. Por eso todas las personas que son públicas hacen de sí mismos, una versión distorsionada, con su nombre y apellidos”.

Otro de los protagonistas de la película es el cómico y actor Santi Alverú. En rueda de prensa ha explicado cómo todos los que se dedican a la comedia en España, no pueden evitar pensar en Estados Unidos como un referente: “A nivel de presupuestos y producción no tiene nada que ver con España, pero a nivel teórico hay algo espiritual que nos conecta con ellos. Si David estuviera en Estados Unidos, con lo que le ha pasado, habría tenido un documental, una película o al menos una reflexión. Por eso creo que el haber hecho esta película contando esta situación tiene todo el sentido del mundo”.
“La película explica muy bien que la cancelación es un término utilizado para definir cómo un sistema te aparta, pero muchas veces esta cancelación se queda sólo en lo ético y la parte industrial o comercial no se resiente”, ha afirmado el actor Santi Alverú.

En cuanto a los referentes de la película, David Suárez ha querido destacar historias de personas que están perdidas como El graduado, Lost in translation o American Beauty. Pero ante todo, lo que querían los directores era hacer una película divertida y entretenida.

Cristina Galán es realizadora, fotógrafa y productora. David Suárez es cómico, realizador y guionista. Ambos escriben y dirigen este proyecto tras más de 10 años haciendo juntos diversos trabajos audiovisuales de ficción y fotografía. Con su primer proyecto, Vincent Finch, consiguieron más de 4 millones de visualizaciones en YouTube y el premio al mejor actor en el festival FEW de 2014.

Respecto a la distribución de la película, Galán nos cuenta que aún están en proceso de búsqueda. Es una película totalmente autofinanciada, con una inversión mínima. El Festival de Málaga ha sido la primera proyección con público de A nadie le importas.

‘Uno equis dos’ ha sido presentada en el Festival de Málaga como un retrato de ambición y consecuencias

‘Uno equis dos’ ha sido presentada en el Festival de Málaga como un retrato de ambición y consecuencias

La cinta de Alberto Utrera nos sumerge en una historia inspirada en hechos reales donde la promesa de riqueza desvela los miedos más profundos de sus protagonistas

El cineasta Alberto Utrera ha presentado en la segunda jornada del Festival de Málaga ‘Uno equis dos’ en la Sección Oficial Fuera de Concurso. Se trata de una comedia negra basada en una historia real que cuenta cómo dos amigos de 40 años se replantean sus vidas cuando están a punto de conseguir un pleno al 15 en el mismo juego en el que juegan desde la universidad. La película, protagonizada por Paco León y Raúl Tejón, cuenta también con Kimberley Tell, Stéphanie Magnin y Adam Jeziersky en su elenco principal.

La cinta sumerge al espectador en una historia donde la promesa de riqueza actúa como catalizador de tensiones, desvelando los miedos y deseos más profundos de sus protagonistas. Entre la sátira y la crítica social, ‘Uno equis dos’ plantea la pregunta de si realmente estaríamos dispuestos a cambiar nuestra vida ante la posibilidad de ganar una fortuna.

Durante el coloquio posterior al pase oficial de la película el público ha participado de la presencia de su director, acompañado del equipo artístico formado por Paco León, Adam Jezierski, Kimberly Tell, Stephanie Magnin y Raúl Tejón.

El director ha destacado la labor interpretativa del elenco actoral por el nivel de tensión que debían mantener durante las jornadas de grabación para conseguir el tono apropiado para sus personajes. Además, ha revelado al público que la inspiración para la trama principal surgió hace una década, cuando conoció la historia real de una pareja que, tras un largo debate sobre qué harían con una hipotética fortuna en caso de acertar un pleno al 15, terminó divorciándose, sólo para descubrir después que, efectivamente, habían ganado el premio.

El equipo artístico presente ha elogiado las dinámicas propuestas por el director para conseguir llevarlos al tono dramático necesario y sacar la peor versión de cada uno de los personajes, así como la conexión que hubo entre ellos desde el primer momento y durante las cuatro semanas que se alargó el rodaje.

La cinta que ha bebido de la inspiración de películas como ‘Los odiosos ocho’ o ‘Perfectos desconocidos’ ha contado con la música de Fede Pájaro que, en palabras del director, “ha sido clave para generar la atmósfera apropiada a través de los acentos y sonidos”.

El tercer largometraje de Alberto Utrera es una producción de Garajonay Producciones junto a Buendía Estudios que invita a reflexionar sobre las decisiones tomadas a lo largo de la vida, con una mezcla de humor, violencia y ternura durante todo el relato.

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