Con Cine, arte y artistas se pone sobre papel la intervención de siete especialistas que participaron el pasado año en el ciclo de conferencias que con el mismo nombre organizó la Fundación Picasso-Casa Natal. Se trata de una actividad pionera en España ya que en otras ciudades se han organizado ciclos de conferencias sobre la relación entre el cine y la pintura, pero nunca hasta ahora se habían publicado de forma monográfica.

El libro aborda desde diferentes perspectivas la mirada que el cine ha fijado en la pintura y lo que ésta ha aportado al arte cinematográfico, y todo ello desde la perspectiva de la biografía de los artistas. Picasso, Vermeer, Frida Kalho, Van Gogh, Weegee o falsos artistas desfilan por las páginas de esta publicación. Además, se ha añadido un exhaustivo catálogo de las películas más relevantes que tratan esta temática, con una espacial atención a Picasso, en lo que constituye un material de gran utilidad para el estudioso o aficionado al cine y el arte.

Los participantes en el ciclo hicieron un análisis de la relación entre el cine y la pintura a través de lo que se ha denominado como el género del biopic. Pero además entraron en la difícil relación entre dos lenguajes que se hermanaron casi desde el mismo nacimiento de cine, y aunque cada uno recorre su mundo con absoluta independencia del otro, en muchas ocasiones se enriquecen mutuamente con reflexiones que como productos culturales les atañen a los dos.

José Luis Borau
José Luis Borau disertó sobre la relación entre el cine y la pintura que ya trató en su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 2002. Borau puso de relieve que la mayoría de edad del cine queda de manifiesto cuando se ve como en la actual iconografía pictórica




comienzan a tener cabida las imágenes del cine. Los rostros de los actores son ahora el sustituto de lo que anteriormente fueron los temas mitológico o religiosos. También es importante la nueva mirada que el artista adopta una vez que el cine se ha convertido en una parte intrínseca de la cultura visual. Esto fue así desde el principio, desde que los cubistas sumaron a las múltiples influencias que recibieron también la del cinematógrafo. Borau fue mostrando cómo la artificiosidad de la luz y los encuadres cinematográficos han dado lugar a una recepción de la pintura que ha integrado esas nuevas formas de la mirada a la imagen fija.

Santos Zunzunegui
Santos Zunzunegui trató sobre el filme El misterio Picasso de Henri-Georges Clouzot. Esa anatomía de la creación fue expresada por Zunzunegui cuando se refirió a la biografía de la obra pictórica por encima de la del artista, aunque éste fuera Picasso. Aquí lo que interesa es la naturaleza de la obra, todo su proceso, quedando el artista en un segundo plano.

Nekane Parejo
A algunos les sorprendió encontrar el biopic de un fotógrafo, el de Weegee, a través de una ficción, pero fue el marco ideal escogido por Nekane Parejo para mostrar como los directores recurren en ocasiones a la ficción para hacer un relato cinematográfico sin que lo verosímil se aleje ni un ápice de su referente. En definitiva es el modelo de artista que deriva en un héroe de ficción obligado por necesidades del guión.

Elisabet Martín
Esta misma línea fue la seguida por Elisabet Martín para desgranar La joven de la perla de Peter Webber y observar que en ocasiones una biografía pictórica es el marco para una narración trufada de hiperrealidades fabuladas. Además ahora nos enfrentamos en la pantalla con la adaptación de una novela, es decir, una ficción que recrea una ficción que parte de la pintura y supuestos hechos reales.

Ramón Esparza
Retórico fue el interrogante que lanzó Ramón Esparza: ¿Qué vemos cuando miramos? Y mientras responde –la imagen– realiza la pregunta de otra manera, ¿qué vemos cuando miramos la imagen? De una forma inteligente condujo la cuestión por la película El contrato del dibujante de Peter Greenaway, contrato que pasa por otro más abierto entre el productor de la imagen y su observador.

Pedro Poyato
El profesor de la Universidad de Córdoba, Pedro Poyato, reelaboró el discurso de un clásico cinematográfico, posiblemente el que fijó las características del biopic de Hollywood, El loco del pelo rojo de Vincente Minnelli. Pero su discurso estuvo centrado en dos aspectos, cómo se incorpora la pintura en la película y como la llama, la luz, se convierte en símbolo que recorre el filme y la propia obra del artista holandés.




Áurea Ortiz
El curso terminó clausurado por Áurea Ortiz, con una pintora, Frida Kahlo y el análisis de Frida de Julie Taymor. La profesora de la Universidad de Valencia, dejó claro cuáles fueron las bases en la construcción fílmica: el punto de vista subjetivo y la ilusión de un relato autobiográfico que entronca que la propia pintura de la artista.

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