Rosa Mª Augusta disecciona los sistemas del poder de Brasil con su último trabajo o processo. Una historia de traición y corrupción sobre el juicio de destitución de la primera mujer presidente de Brasil. La realizadora brasileña, que ha cerrado las jornadas de Málaga Docs con una masterclass sobre el proceso de filmación y montaje del género documental, ha presentado su trabajo en el Teatro Echegaray como primera proyección de la tarde en un pase especial.

El segundo pase especial de la tarde lo ha protagonizado el documental dirigido por Isabel Gemio y Julieta Cherep, Jóvenes invisibles. Una historia protagonizada por jóvenes afectados por enfermedades poco comunes. Gemio ha presentado la cinta en el Auditorio Museo Picasso para dar visibilidad a los jóvenes que representan a los tres millones de españoles que en silencio sufren alguna de estas enfermedades sin cura.

El primer largometraje a concurso de la tarde ha sido presentado por Pablo Briones, director del proyecto Baracoa. Una coproducción entre Suiza, Estados Unidos y España que muestra la relación de amistad entre dos niños de 9 y 12 años y cómo desde su condición de mejores amigos exploran íntimamente su universo, al margen de los demás niños del pueblo. El director argentino ha presentado su película, y ha manifestado que surge de la inspiración de momentos vividos de su propia infancia. Para el realizador, trabajar con los niños de Cuba le ayudó a transportar su memoria a los recuerdos más lejanos de la realidad cotidiana.

El cortometraje Estereotipia y el largometraje Una corriente salvaje han finalizado la jornada con dos trabajos de producción española y mexicana. La primera proyección del último pase de la tarde estudia en profundidad la cautividad animal. Un patrón de conducta aparentemente invisible pero a la vista de cualquiera, según adelanta la sinopsis de este proyecto dirigido y presentado por Inés Espinosa. La realizadora y fotógrafa se adentra en la “decisión del ser humano” y cuestiona la privación de libertad a través de una coreografía paranoide. Por su parte, el largometraje de la madrileña afincada en México Nuria Ibáñez, ha sido presentado por la propia directora y cuenta la historia de de Chilo y Omar, dos hombres que viven en una playa desierta y cada día buscan pescar para poder sobrevivir. Su amistad, rodeada de sensualidad, recuerda a una relación de pareja que intenta retratar la condición humana.

El guionista sevillano Rafael Cobos ha recibido hoy el Premio Ricardo Franco del 22 Festival de Málaga. Cine en Español, un galardón que reconoce su destacada aportación al mundo del cine dando forma a algunas de las películas más relevantes de nuestro celuloide. Cobos es uno de los guionistas andaluces con más proyección en la actualidad y así lo pone en valor este premio,que otorga el Festival en colaboración con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, por undécimo año consecutivo.

Tras un repaso íntimo y personal por su filmografía, los actores Blanca Romero y Julián Villagrán, ambos compañeros y amigos del homenajeado, comenzaban su discurso poniendo el acento en importancia de la profesión del guionista. “Directores de casting, maquilladores, jefes de vestuario, directores de fotografía, músicos… todos ellos son parte esencial de un proceso que surge de la parte más individual y solitaria, esa que venimos a reconocer hoy, la de conductor de historias”, destacaba Romero. Aunque, asegura la actriz, Rafael no cumple exactamente con esos clichés de guionista solitario y encerrado entre arcos dramáticos y personajes en busca de objetivos.

Villagrán ha continuado haciendo un recorrido por la destacada trayectoria de Cobos junto a su inseparable Alberto Rodríguez: Juntos han firmado algunos de los mejores guiones de los últimos años, las películas coescritas por ambos han estado nominadas al Goya al mejor guión original o adaptado y se han llevado uno de cada: La Isla Mínima en 2014 y El hombre de las mil caras en 2016”. Para el actor, “Falete”, como le llaman sus amigos cariñosamente, destaca también por su particular forma de implicarse: “Él además de escribir el guion, asiste a los castings, participa en los ensayos y forma activa del equipo de rodaje”, comenta.

Al reconocimiento han querido acompañarle compañeros de profesión, familiares y amigos más allegados como Antonio Acedo, con quien le unen 20 años de amistad y que ha hecho mención al afán constante de su amigo de contar historias desde siempre.

También Antonio de la Torre le ha dedicado unas palabras al guionista: “Cuando conocí a Falete, nunca me había pasado que el guionista se sentara junto al director. Me pareció muy peculiar su manera de rodar. Siempre pendiente de cada frase, de cómo se decía…descubrí que es un guionista que retrata la vida, que es un apasionado, que le pone alma y corazón a todo lo que hace”.

El broche final lo ha puesto su compañero Alberto Rodríguez, con un mensaje directo y sincero dedicado a los años de trabajo conjunto: “16 años escribiendo juntos, Falete. Lo único que tengo que decirte es que me alegro de haber estado haciéndome muchas preguntas estos 16 años contigo. Lo único que hacemos es intentar entender el mundo”, ha confesado.

Por su parte, Rafael Cobos ha comenzado su discurso citando a Marc Twain: “decía el escritor que existen dos clases de oradores: los que tienen miedo y los que mienten. Yo normalmente no suelo mentir en público”. El guionista se ha mostrado satisfecho por lo que significa este premio:“por el cine, porque tiene el refrendo de la Academia, porque lleva un nombre especial, el de Ricardo Franco, un guionista que he admirado siempre profundamente y porque se lo entregan a un guionista, a ese ser que vive en la sombra y en la oscuridad y creo que son motivos más que suficientes para sentirme orgulloso de representarlo y de recogerlo en nombre de todos ellos”, ha destacado.

Cobos ha querido finalizar sus palabras haciendo alusión a la visibilidad de la figura del guionista: “En los tiempos que corren es difícil darle la palabra a los que, normalmente, no suelen tenerla. Es un acto muy revolucionario, muy inteligente y con mucho futuro”, ha concluido.

UN GUIONISTA CON RAÍCES TEATRALES

Aunque su faceta más conocida es la audiovisual, Rafael Cobos ha escrito más de una docena de textos teatrales y ha ganado varios premios nacionales como guionista de teatro (entre ellos, el Premio Marqués de Bradomín, con Probablemente Manaña).

En cine ha sido coguionista, junto a Alberto Rodríguez, de la premiada 7 vírgenes, (nominado al Goya al mejor guion original en 2006). Su colaboración con Rodríguez continuó con la película After, por la que estuvo nominado a los Premios Goya 2009 y ganador del Premio Asecan al mejor guion), Grupo 7 (nominado a los Premios Goya 2013 y ganador del Premio Asecan al Mejor Guión), La Isla Mínima (Premio Asecan al mejor guion, Medalla Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor guion y Goya a mejor guion original 2015) y El hombre de las mil caras, por la que recibió el Premio Asecan a mejor guion, la Medalla Círculo de Escritores Cinematográficos a mejor guion adaptado y el Goya a mejor guion adaptado en 2017.

También ha coescrito el guion del largometraje Ali, junto a Paco Baños; Toro, con Fernando Navarro y ha sido cocreador y guionista de La Peste 1 junto a Alberto Rodríguez, además de showrunner y guionista de La Peste 2, serie de televisión original de Movistar+ en colaboración con Atípica Films.

La banda es el la ópera prima del director Roberto Bueso basada en una historia de iniciación que plasma la frustración generacional y el conflicto emocional entre lo que la sociedad espera de uno mismo y lo que realmente quiere ser. Bueso ha descrito de esta forma su largometraje para referirse a Edu, su protagonista interpretado por Gonzalo Fernández, un joven músico que vive en el extranjero, pero vuelve a casa para asistir a la boda de su hermano. El reencuentro con amigos, familiares y su amor platónico por la novia eterna de su colega, le harán ser consciente de dónde está su lugar en el mundo.

Bueso ha destacado en rueda de prensa que intentó en todo momento buscar un casting joven, fresco, que conociera la realidad de la que querían hablar. Por lo que ha apostado por actores debutantes. Ha huído de rostros excesivamente conocidos para que la historia que narra cobre toda la fuerza a través de un guion también escrito por él que guarda numerosos pasajes personales de su adolescencia.

Hay mucho de timidez en el personaje principal, tanto en la vida real del actor Gonzalo Fernández como en su papel interpretado para este largometraje. Este aspecto ha sido fundamental para reflejar que Edu cuando vuelve a Valencia al inicio de la película lo hace prácticamente anestesiado. Va a tener que encontrarse poco a poco con gente de su pasado para que despierte de su letargo y se muestre tal y como es, hasta que por fin regrese emocionalmente a su zona de confort.

Aunque está rodada íntegramente en Valencia, la historia podría asociarse a cualquier provincia española por la naturaleza de la relación entre los amigos, que refleja mucha idiosincrasia de las bandas de música municipales. No obstante, el director ha aclarado que es una película muy valenciana, en la que se ha tenido en cuenta que los actores hablen valenciano y que la banda transmitiera el legado cultural e histórico que caracteriza a estas agrupaciones. Ha añadido que partió de un contexto muy concreto que él conocía bien para contar una historia universal.

El guión despierta muchas preguntas existencialistas en el protagonista que el espectador hará suyas, ha explicado la actriz Charlotte Vega. Es muy fácil que todos nos sintamos identificados con el relato de los personajes. Todos llegamos a un momento de nuestra vida en el que nos planteamos si realmente estamos donde queremos estar, si queremos seguir luchando por un sueño o de lo contrario frustrarnos porque aún no hemos encontrado lo que estábamos buscando, ha argumentado. Es justamente lo que le ocurre a Edu, que se creía que por vivir en Londres estaba en la pista de salida para alcanzar la meta de sus sueños, pero de repente cuando vuelve a su tierra se da cuenta que es donde quiere estar.

Por otra parte, el miedo a defraudar a su padre también cobra relevancia en el conflicto del protagonista con el que se escenifican las cadenas de nuestra vida hacia lo establecido por encima de nuestra necesidad emocional. El cineasta ha asegurado que es un trabajo muy personal en el que hay mucha parte de sus propios sentimientos en todas las secuencias.

Junto a Gonzalo Fernández y Charlotte Vega, Pepo Llopis, Xavi Giner, Hugo Rubert, Imma Sancho, Enric Benavent y Carlo Blanco terminan de completar el reparto.

Tras su estreno en Texas, el largometraje Siete razones para huir de los directores Esteve Soler, Gerard Quinto y David Torras ha aterrizado en Sección Oficial del Festival de Málaga para remover al público y hacerles reflexionar a través de siete episodios de humor negro sobre los problemas actuales de la sociedad. Cuenta con una alta dosis de reivindicación social.

Soler ha indicado que el objetivo de este largometraje consiste en generar un debate crítico sobre la deshumanización, el egoísmo y la falta de empatía del ser humano con los dramas ajenos. Y todo ello con una clara estrategia destinada a romper el género de la comedia. Para conseguirlo introducen elementos de horror en las historias. Con ellas quieren provocar una distancia crítica que despierte una reflexión. Por último, esa reflexión desembocaría en un debate.

Sus directores han explicado que desgranaron el guion en siete episodios para aportarle fluidez. No obstante, han reconocido que la ordenación ha sido compleja y laboriosa hasta desencadenar en una historia de humor negro irritante y delirante. Aseguran haberse inspirado en Buñuel y Berlanga.

El actor David Verdaguer ha destacado que el humor no es solo una vía sino que es la mejor vía para tomarse las cosas en serio. Una broma te puede hacer gracia o no, pero no deja de ser una broma, por lo que no se debería juzgar al humor, ha esgrimido. Con esta afirmación ha defendido la forma de retratar problemas serios y graves desde la comedia. En la misma línea, la actriz Aina Clotet ha explicado que la película podrá hacer gracia o no, pero lo que tienen claro es que hace plantearse una visión crítica de los problemas cotidianos y a cuestionarse esos pequeños gestos cotidianos que hacemos a diario de una forma normalizada. Por ejemplo, cuando la gente cambia de canal mientras come porque aparece una noticia desagradable.

Es una llamada a ser consecuentes con lo que nos rodea y a no aislarnos de los dramas de ahí fuera. Los directores aclaran que intentan transmitir estrés en sus secuencias continuas que cuentan con esencia teatral. Sus directores se nutren de situaciones surrealistas para que contribuyan a remover conciencias.

Por su parte, el actor Sergi López ha valorado que la cinta es especial y un poco ‘rarita’. Considera que para hacer comedia no hay nada más dinámico que la propia realidad. Para él la fuerza de la película radica en que es un humor difícil de encontrar y que a veces no se entiende, como la vida misma. Es una forma de acercar al espectador a los problemas de la vida con una mezcla de humor negro y absurdo.

En total, son siete episodios surrealistas que recrean escenas reales de la vida. Desde un matrimonio que quiere abortar a su hijo adulto a un agente inmobiliario que quiere vender una vivienda con el cadáver del anterior dueño en su interior. Una escalera de vecinos, un matrimonio que tiene a 700 esclavos trabajando en el subsuelo de su casa y hasta una mujer que considera que no es importante llamar a la ambulancia con un hombre atropellado frente a ella. Todos ellos son una metáfora de la sociedad estancada, que no progresa y que solo se mira el ombligo.

El reparto cuenta con el trabajo de Emma Suárez, Lola Dueñas, Francesc Orenlla, Jordi Sánchez, Pepe Viyuela, Alain Hernández, Vicky Peña, Ramón Fontseré, Àgata Roca, Nuria Gago, Borja Espinosa, Pol López, Rosa Cadafalch y Albert Ribalta, además de los actores Sergi López y David Verdaguer. Su estreno en España tendrá lugar el 5 de abril.

Tras ganar la Biznaga de Oro a la mejor película del Festival de Málaga por 10.000 km hace ahora cinco años, el director Carlos Marques-Marcet ha vuelto a la Sección Oficial para presentar su nuevo largometraje Los días que vendrán, protagonizado por los actores María Rodríguez Soto y David Verdaguer, quien ha hecho doblete este miércoles con su papel en Siete razones para huir, presentada también en rueda de prensa.

Es una historia realista que intenta escenificar cómo el embarazo inesperado condiciona la vida de Vir y Lluís, una pareja de treintañeros que salen juntos desde hace solo un año. El contenido tiene una gran parte documental, ya que fue rodada durante algo más de un año, de forma simultánea al propio embarazo de la actriz Rodríguez Soto en la vida real, aunque para la grabación necesitaron un total de 50 días. Para dotar a la cinta de verosimilitud, la vivienda donde viven los actores en la vida real es la misma donde se filmó esta producción. Durante los meses que se prolongó este trabajo tuvieron que mudarse a otro inmueble del mismo edificio.

El espectador acompaña a la pareja durante los nueve meses de gestación, llegando a ser partícipes de sus inquietudes, miedos, alegrías y decepciones. El guion está escrito de una forma sensible y minuciosa para transmitir la extrañeza de la nueva situación de sus protagonistas. Su director ha explicado que el público se embarcará en un viaje hacia la intimidad de la pareja cuyo destino será un final abierto, que puede ser interpretado como optimista o como pesimista.

Ni siquiera se han adaptado a la vida en pareja, cuando tienen que prepararse para ser tres. Al respecto, David Verdaguer ha explicado que su papel concentra tres personajes en un uno. Desde que concibe la nueva realidad de una forma estrepitosa hasta que va perdiendo la cordura para estabilizarse de nuevo.

La idea original del proyecto surgió mientras rodaban Tierra Firme. Fue entonces cuando Verdaguer recibió la noticia de que sería padre. A partir de ahí forjaron esta historia de ficción sustentada en la realidad.

La improvisación ha marcado la esencia del guion para aportar naturalidad y veracidad. Ponían varios temas sobre la mesa y los actores arrancaban los diálogos. El objetivo de esta técnica era dar más peso a los sentimientos que al relato de los acontecimientos. Cuando finaliza la película es cuando comienza para la pareja ‘los días que vendrán’, por lo que es una forma de contar que la verdadera historia comienza con la llegada al mundo del bebé, justo cuando el guion finaliza. Involucra al espectador en una crónica en directo y sin filtros del camino hacia la paternidad sin adornos ni artificios.

El director y actor madrileño Raúl Arévalo ha recibido hoy el Premio Málaga Talent–La Opinión de Málaga,un galardón que reconoce el talento que ha demostrado en su incipiente y aplaudida carrera como cineasta y en su ya larga trayectoria como actor.

El actor malagueño Canco Rodríguez, amigo íntimo de Arévalo, con el que incluso compartió piso en su época de estudiantes de interpretación, ha sido el encargado de conducir la gala, en la que los grandes protagonistas han sido el humor y los miembros de la ‘familia’ de Arévalo: Daniel Sánchez Arévalo, que lo ha dirigido en Azuloscurocasinegro, Gordos, Primos y La gran familia española;Beatriz Bodegas, productora de Tarde para la ira;David Pulido, coguionista de Tarde para la ira;Joaquín Mazón, director de Con el culo al aire;Luis Callejo, actor en Tarde para la ira y María Botto,hija de Cristina Rota, responsable de la escuela donde se formó como actor.

Arévalo ha cuajado su discurso de agradecimiento de anécdotas personales y profesionales relacionadas con Málaga, una ciudad “muy importante en lo personal y lo profesional”, ha asegurado.“Fue el primer festival al que vine y es al que más veces he asistido, doce ya. De Málaga es Canco Rodríguez, mi mejor amigo, que me enseñó el cine que hoy admiro y sigo viendo”, ha relatado. También ha recordado el rodaje de El camino de los ingleses de Antonio Banderas, en el que hizo de malaguita e incluso ha asegurado que gracias a una amiga común malagueña conoció a David Pulido, con el que escribió el guion de Tarde para la ira y con el que está creando su segunda película.

Por su parte, Daniel Sánchez Arévalo ha recordado cómo conoció a Arévalo “en una prueba de casting que fue terrible” y también ha reconocido que, tras ver cómo se comportaba en los rodajes, “donde se fijaba en todo”, pensó que iba a ser “uno de los directores más importantes de este país”, “un reto que tiene por delante”, ya que por el momento ha rodado solo una película. “Ahora empieza lo bueno”, ha aventurado sobre la carrera del director.

Los aplausos, la Charanga Musicómanos y las anécdotas de Canco Rodríguez del período que compartieron piso en Madrid han añadido calidez a una gala en la que el desenfado y el humor han sido protagonistas.

DIRECTOR Y ACTOR PREMIADO

Arévalo deslumbró con su debut en la dirección de largometraje con Tarde para la ira en 2016, película que ganó el premio Goya a mejor película y el Goya a mejor dirección novel.
Su carrera como actor atesora numerosas nominaciones y premios, como el Goya al Mejor actor de reparto, e incluye papeles inolvidables en las películas Gordos, Primos y La gran familia española, todas de Daniel Sánchez Arévalo, además de en La isla mínima, de Alberto Rodríguez, y en Cien años de Perdón de Daniel Calparsoro, entre muchas otras.

Después de pasar por Vancouver, Montreal, Estonia y Alemania, Rutas en Febrero, de Katherine Jerkovic, compite en el 22 Festival de Málaga con su largometraje en la sección Zonazine.

La película se presentó en el Cine Albéniz. Aunque la directora no pudo acudir, Martin Pommerenck, coordinador de Asuntos Internacionales del Instituto del Cine y el Audiovisual de Uruguay (OCAU), asistió en representación de la película reivindicando el cine uruguayo.

Se trata de una producción canadiense y uruguaya protagonizada por Gloria Demassi, Cecilia Baranda, Rafael Soliwoda, Mathías Perdigón y Arlen Aguayo Stewart, premiada como mejor actriz protagonista por el Vancouver Film Critics Circle. Asimismo, la creación de Jerkovic ha sido galardonada como la mejor ópera prima canadiense por la misma organización y, además, en el Toronto International Film Festival.

El consejo de las Artes y las Letras de Québec financió este proyecto dirigido y guionizado por Jerkovic, producido por Nicolás Comau y Micaela Solé, con Nicolas Canniccioni a cargo de la dirección de fotografía, Olivier Laberge y Mariana Pereira como directores artísticos, Sophie Farkas como montadora, sonido por Bruno Pucella y Pablo Villegas, y música por Inés Canepa y David Drury.

La directora, de origen canadiense ha dirigido y producido cortometrajes y largometrajes de ficción y experimentales. Su última obra, Rutas en febrero, se presentó por primera vez en el Festival Internacional de Cine en Toronto en 2018 y, tras recorrer diversos países, se ha presentado en España en el 22 Festival de Málaga

El largometraje cuenta la historia de una chica que, tras la muerte de su padre, viaja desde Montreal a Uruguay para visitar a su abuela, que no ve desde hace más de 10 años. Sarah, la protagonista, quiere retomar la relación con sus orígenes. Sin embargo, acaba sufriendo una batalla interior para reconciliar su pasado y su presente: debe enfrentarse al fallecimiento de su padre y a la distancia entre ella, su familia y su país natal.

Con motivo del 50 aniversario de la Semana Internacional del Cine de Autor de Benalmádena (SICAB), el Festival de Málaga y el Ayuntamiento de Benalmádena han querido rendir un homenaje a su director, Julio Diamante, entregándole como reconocimiento a su trayectoria la Biznaga del Festival y La Niña de Benalmádena.

Al acto han acudido además del director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre y la concejala de Cultura de Benalmádena, Elena Galán, y el director del documental, Eduardo Trias, quiénes han entregado estos galardones como muestra de gratitud a su aportación a la cultura de la provincia.

Este festival surgió a finales de los sesenta y fue considerado como un evento pionero. Con tan solo dos años consiguió darse a conocer en todo el mundo, lo que ayudó a la internacionalización de Málaga y España en los últimos años de la dictadura franquista.

Julio Diamante ha destacado su amor por el cine, la cultura y la libertad. “Fue este amor al cine y a Andalucía por lo que decidí asumir la dirección del Festival”, asegura el premiado. La concejala de Cultura de Benalmádena, Elena Galán, ha mostrado su agradecimiento al ex director del SICAB por su aportación a la juventud de la época que luchaba por un mundo más justo, más libre y más solidario: “esperamos que sirva para que las nuevas generaciones de benalmadenses tengan en su memoria la Semana de Cine de Autor y el nombre de Julio Diamante”.

Por su parte, el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha dicho que con la entrega de esta Biznaga se hace justicia histórica. “El documental narra una historia de libertad en un momento muy difícil al que consiguieron darle estabilidad al Festival”, comenta el alcalde. Esta cinta es una producción del ayuntamiento de Benalmádena y el Festival de Málaga, que acredita a Diamante como “un gran luchador, promotor, especialista y director que hizo todo lo que estuvo en su mano para que fuera lo más grande posible”.
El acto ha finalizado con un coloquio en el que el crítico de cine Carlos F. Heredero se ha referido a Diamante como “un intelectual de la historia de España experto en otras artes como el cante y el jazz”.

EL DOCUMENTAL

El evento ha comenzado con la proyección del documental ‘Una historia de cine y libertad. Semana Internacional de Cine de Autor de Benalmádena’ que narra la evolución dela SICAB que comenzó con un encuentro mítico de cineastas que se organizó entre 1969 y 1989.

Nació en la dictadura franquista y se desarrolló, con dos paréntesis, durante la transición con un total de 17 ediciones. Su fundador y director en sus dos primeras ediciones fue Luis Mamerto López Tapia que supo crear un acontecimiento atractivo y supuso un gran éxito, después de un año de transición dirigido por José Luis Guarner, el director durante los catorce años restantes fue el cineasta Julio Diamante que le dio la impronta y la personalidad que lo hizo mundialmente famoso y consolidó un festival de prestigio que llega hasta nuestros días. Es una historia de cine y libertad que supuso una ventana al conocimiento y cultura internacional, cuya importancia y relevancia ahora, cincuenta años después, se celebra.