ANTONIO CÓRDOBA EXPONE EN LA SALA DE EXPOSICIONES DEL CENTRO SOCIOCULTURAL FERNANDO DE LOS RIOS UNA RETROSPECTIVA SU OBRA “RECUERDOS DEL VIENTO”

El artista plástico Antonio Córdoba Fernández expone en la Sala de Exposiciones del Centro Sociocultural Fernando de los Ríos entre el 15 de julio y el 7 de agosto de 2022  una retrospectiva su obra “Recuerdos del viento”

Teniendo como hilo conductor el recuerdo y las experiencias vivenciales del artista, Recuerdos del viento es un viaje que explora el fenómeno de la percepción humana en el que artista Antonio Córdoba usa la sugerencia como el pilar central que sostiene su obra planteando perspectivas imposibles y composiciones arriesgadas que invitan al espectador a formar parte de la misma.

El titulo de esta muestra responde a una selección muy cuidada de obras con una elevada carga emocional del artista, en palabras del mismo: “…Hoy me encierro entre mis recuerdos llamémoslos, pinturas, dibujos, grabados o poesías. Mis recuerdos son como las hojas de un árbol, hay miles, todas necesarias para el sustento del mismo, pero debo hacer una selección para mostráoslos sin que pierda la esencia de mi vida, el árbol debe seguir respirando, pero cuáles quitas o cuáles pones, hacer ese balance es difícil, melancólico, pero alegre por saber que volverán a ser observadas, que mirarán al que los mira, que se reflejarán en su pupila, sintiéndose vivas y haciendo que yo vuelva a respirar por mí mismo sin esos lujos artificiales enlatados…”

En la que el dibujo adquiere un importante protagonismo respecto de otras muestras del artista de escenas familiares o cotidianas que brotan en su mente para luego plasmar en sus obras un tinte poético que lo distingue.

Recuerdos del viento es una muestra en la que la interacción entre el visitante, los recuerdos y la obra de arte es fundamental, la monumentalidad de una catedral, como marcado recuerdo del artista que ha definido su obra creativa desde sus inicios, el silencio de unas ruinas de la Lepcis Magna de Libia, o la ausencia de ruido alguno en la ciudad, por un instante, mientras cruzamos el paso de cebra, es ese silencio efímero que nos provoca lo que nos gusta, que surge ante la obra de Antonio Córdoba y que sumerge al espectador en la creación de este artista cuestionando la importancia de la existencia humana a través de ese dualismo presente en la exposición entre la naturaleza y el poder humano para transfórmala.

Recuerdos del viento no es una exposición casual, aquí y ahora, sino que surge de la vinculación de Antonio Córdoba a Albolote ya que su Ayuntamiento fue uno de los primeros en apostar su creación pictórica a través de la tradicional exposición de artes plásticas de sus fiestas, el año 1998, por ello, el artista, con una amplia y reconocida trayectoria artística de más de 20 años ha querido volver a la Sala de Exposiciones del Centro Sociocultural Fernando de los Ríos para hacer balance a través de esta muestra.

 TITULO: Recuerdos del viento ARTISTA: Antonio Córdoba Fernández
TECNICA O MODALIDAD: Pinturas y obra gráfica (grabados y dibujos)
LUGAR: Centro Sociocultural Fernando de los Ríos. C/Pintor Manuel Rodríguez, s/n 18220 Albolote (Granada)  
FECHAS: Desde el 15 de julio al 7 de agosto de 2022
HORARIO DE VISITAS:  Del 15 de julio al 3 de agosto de 17:00 H a 21:00 H. 4, 5, 6 y 7 de agosto de 20:00 H a las 00:00 H.  
INAUGURACIÓN: Viernes 15 de julio de 2022 a las 20:30 horas.

LA EXPOSICIÓN ‘CRISTÓBAL TORAL. UNA AVENTURA CREADORA’ LLEGA A LAS SALAS DEL CAC MÁLAGA –LA CORACHA

El artista incorpora piezas creadas ex profeso para esta exposición que podrá  visitarse hasta el  13 de septiembre.

El Ayuntamiento de Málaga, a través del Área de Cultura, trae por primera vez a Málaga, una exposición individual de Cristóbal Toral. Las salas expositivas del CAC-Málaga- La Corocha han sido el escenario elegido para el arte comprometido del artista después de haber pasado por los más reconocidos museos de arte moderno y contemporáneo, como el Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el Sofía Imber de Caracas, el Moderno de Bruselas, el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Un viaje de desde Estados Unidos a Japón, recorriendo buena parte de Iberoamérica que termina en la ciudad de Málaga.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, junto a la concejala de Cultura, Noelia Losada, el artista Cristóbal Toral y el comisario Sebastián Gámez Millán, ha presentado la exposición temporal ‘Cristóbal Toral. Una aventura creadora’ que  podrá visitarse de forma gratuita del 28 de junio al 13 de septiembre en las salas expositivas del CAC Málaga-La Coracha.

La exposición  ofrece una visión panorámica de la singular trayectoria artística de este versátil creador comprometido con el arte, con la condición humana y con su tiempo. Cuenta con piezas creadas por el artista ex profeso para esta muestra, por lo que será la primera vez que se expongan pasando a formar parte de su repertorio artístico.

LA MUESTRA

La muestra Cristóbal Toral. Una aventura creadora, está compuesta por más de 70 piezas  entre pinturas, ensamblajes, esculturas e instalaciones. El comisario, Sebastián Gámez Millán propone ocho núcleos temáticos:

1. Paisajes de guerra y soledad: con piezas como Éxodo de Ucrania, una instalación creada ex profeso para la exposción que muestra una bandera del país invadido compuesta de maletas, símbolo de Toral y de los exiliados. Y no es la única obra comprometida con esta causa, si bien es la más significativa por sus dimensiones y el estratégico lugar que ocupa en el centro de la primera sala. Este primer bloque se completa con pinturas como Estación en Ucrania o Familia ucraniana paseando que muestran su compromiso con lo que siempre es una desgracia y que Toral ha tenido presente en otros conflictos, como el de los Balcanes. Asimismo podemos apreciar un homenaje a los sanitarios por su labor durante la pandemia

2. El último viaje: pinturas en homenaje a Böcklin y una escultura acerca de la muerte.

3. Mujeres e intimidad: introspectivos y sugerentes desnudos de mujeres en habitaciones.

4. Espacio cósmico: encontramos bodegones a la manera de Sánchez Cotán o Zurbarán, pero trascendidos por algunos de sus símbolos (manzanas, maletas…) levitando sobre el espacio.

5. Emigraciones: Piezas relacionadas con el viaje sin fin de los emigrantes.

6. Terrorismo global: atento a los fenómenos de su época, Toral representa El secuestro del Papa Benedicto XVI y una secuencia narrativa de una ejecución.

7. Diálogo con los maestros: desde muy joven Toral se ha confrontado con los clásicos en sus D`Aprés, en los que con imaginación e ironía transfigura a maestros como Velázquez o Goya indicando problemas del presente.

8. La vida en una maleta: retazos biográficos: completada con un audiovisual, aquí se reúnen documentos fotográficos sobre su infancia y familia, sus estudios, su relación con otros artistas, escritores, científicos, reconocimientos, etc.

La exposición Cristóbal Toral. Una aventura creadora puede visitarse de forma gratuita de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas (hasta el 30 junio) y de 10:00 a 14:00 h y de 17:30 a 21:30 h (desde el 1 de julio al 31 de agosto). Además hasta su clausura el 13 de septiembre, el equipo educativo del MUPAM ofrecerá visitas guiadas para público general del 2 de julio al 31 de agosto 2022 de martes a jueves de 18:30 a 19:30 horas, sábados de 13:00 a 14:00 horas y domingos de 11:00 a 12:00 horas sin inscripción previa así como visitas para grupos del 2 de julio al 13 de septiembre de 2022 de martes a domingo con previa inscripción en actividades.mupam@evento.es o el teléfono 659617832.

CRISTÓBAL TORAL

El arte figurativo de Toral se caracteriza, por un lado, por su fiel diálogo con los maestros clásicos (Velázquez, Rembrandt, Goya, Picasso…) y, por otro, por ser un contemporáneo que no ha dejado de observar y reflejar la historia: guerras, éxodos, viajes sin fin, emigrantes, el  terrorismo, las contradicciones entre libertad y seguridad, las innumerables instrumentalizaciones a las que sometemos lo humano y lo natural.  Sin renunciar a otros temas universales: la muerte, la soledad, el amor, la esperanza, su obra ofrece a la vez un testimonio crítico de la historia y un profundo entendimiento de la condición humana.

Cristóbal Toral es un antequerano que después de continuar su formación en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla, traslada su matrícula a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde se graduará como número uno de su promoción, motivo por el que se le concede el Premio Nacional de Fin de Carrera. Entre sus numerosos reconocimientos, cabe resaltar el primer Premio de Pintura y Dibujo de la Dirección General de Bellas Artes, primer Premio Blanco y Negro o que en 1977 recibe la Medalla de Oro en la XXIII Bienal de Florencia. Es hijo Predilecto y Medalla de Oro de la Ciudad de Antequera, Medalla de Andalucía, Medalla de oro de la provincia de Málaga 2004 o Académico de Honor de la Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría.

EL CAC MÁLAGA PRESENTA “PLOTTING UPON THE PASSAGE OF TIME”, LA PRIMERA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL DE PHIL FROST EN EUROPA

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta por primera vez en Europa del artista Phil Frost con la exposición Plotting Upon the Passage of Time comisariada por Fernando Francés. La muestra comprende una selección de obras, pinturas sobre lienzo, madera y puertas encontradas, que han sido realizadas a lo largo de su trayectoria artística, desde 1997 hasta la actualidad. Su trabajo se arraiga en las sensaciones, la percepción, el medio ambiente, la memoria y la imaginación, que surge de emociones tumultuosas a través de un proceso meditado y calculado. En sus obras, el artista incluye objetos pegados como coches de juguete, piedras pequeñas, botellas con botones o latas, entre otros, utilizando como soporte lienzos, madera o puertas.

Phil Frost posee un estilo personal muy marcado en el que mezcla patrones, colores y texturas estableciendo su lenguaje propio y reconocible. Sus obras se presentan con una multitud de capas en la que son característicos sus cabezas con cuellos alargados, el uso del collage, letras y dibujos realizados en blanco con bolígrafo de líquido corrector, o pintura en espray, además de la presencia de objetos adheridos que el artista ha ido recogiendo como cómics, monedas, partes de matrículas, números de casas, latas de refresco o bobinas, entre otros.
 
Para el comisario de la exposición, Fernando Francés, el artista muestra un misticismo ancestral en su obra, tanto que solo con el corazón se puede entender su laberinto barroco de textos, imágenes, retratos y objetos. La simbología de su obra lo traslada a territorios límites entre la razón y lo que es inexplicable para el ser humano.
 
Las obras de Frost son reconocidas por las diferentes capas donde se aprecian una diversidad de colores y texturas junto a patrones blancos con letras y/o símbolos en las que destacan sus pinturas de técnica mixta (tinta, acrílico, óleo, lápices de colores y collage) además de  sus elementos escultóricos a los que incorpora objetos encontrados.
 
Su carácter perfeccionista hace que se aísle de la realidad en su estudio en el que puede trabajar en una obra durante varios años hasta que la considera terminada debido a la cantidad de capas que hay en cada una de sus obras. Hay una primera capa realizada con collage de periódicos o páginas de cómic sobre la que luego pinta con acrílico y espray y remata con típex, su marca personal, diseñando una especie de mascaras tribales. El líquido corrector que utiliza parece formar un código o lenguaje, compuesto de letras, corazones, puntos y rostros, que recuerdan el arte tribal e indígena. Estos símbolos, a los que el artista se refiere como “distinciones glíficas” están pintados sobre fondos muy texturizados como se destacan en algunas de sus obras como  Untitled (2007-2014); Untitled (1999) o Accumulated Field of Perceptive Experience (2002-2014), entre otras.
 
El origen de estos potentes patrones gráficos, procede de su interés por los diferentes dialectos y lenguajes, de ahí, su personal tipografía, con la que escribe en un híbrido de numerosos lenguajes, tanto reales como imaginarios. Estos patrones tienen un código arcaico compuesto por símbolos, letras, corazones, puntos y formas similares a máscaras, cuya apariencia oscila entre lo moderno y lo primitivo, entre la abstracción y la representación.
 
En este proceso, el artista ha ido evolucionando hasta conseguir trazar estas construcciones de sonidos, creando formas lineales que se entrelazan con las tipografías, además de con los materiales recogidos y los bustos figurativos o cabezas aisladas en el espacio del plano pictórico.
 
Entre las capas de sus obras, cabe destacar la presencia de personajes con rostros alargados y cuellos estilizados, que recuerdan a tótems o máscaras tribales. Estos personajes son los elementos formales que marcan los principales ejes de sus complejas composiciones.
 
Por otro lado, sus pinturas poseen una vibrante paleta de colores destacado por los grises, marrones, rojos, amarillos, rosas, naranjas y verdes, además de otros colores como dorado, magenta y azules.
 
Phil Frost pasó su infancia en zonas rurales del oeste de Massachusetts, en sus paseos por campos de cultivo y bosques indios encontró hachas y puntas de flecha. Este hecho le servirá de inspiración cuando comience a trabajar con objetos encontrados, una metáfora de cómo el ahora provoca una experiencia en el tiempo y en el espacio que se forma física e intuitivamente desde lo que hay en torno a él.
 
El artista se sirve de los objetos más variados rescatados de la obsolescencia y del olvido y los recupera como soporte de sus complejas estructuras que parecen repetitivas, pero son a la vez totalmente nuevas, composiciones de naturaleza espiritual que transmiten una vibración interna reflejo de su profundo panteísmo.  Como en Two Busts of Liminal Experience (2007-2014) en la que el artista ha integrado una escalera, Accumulated Field of Perceptive Experience (2002-2014) en el que ha incluido botellas de cristal o Collapse of Fleeting Experience (2004-2014) en el que se observan unos guantes de boxeo y un bate de béisbol, entre otros.

En Plotting Upon the Passage of Time, destacan sus obras más recientes, acabados en 2021, que se exponen por primera vez mediante una selección pinturas sobre puertas de madera. Estas puertas encontradas y reutilizadas por el propio artista, han sido intervenidas y aprovechadas como soporte para pintar. Las puertas reúnen todos los elementos característicos y recurrentes de su iconografía, cabezas con cuellos alargados, uso del collage y letras, dibujos realizados con líquido corrector o espray, una apariencia totémica, barroquismo y toda una serie de objetos adheridos que el artista ha ido reutilizando como cómics, monedas, partes de matrículas, números, latas, bobinas, botellas, pinceles, una escalera o bates de béisbol, otros que introducirán al visitante en el particular y original cosmos de Phil Frost.
 
También puede verse una selección de obras realizadas en colaboración con otros artistas, de su época más temprana influidos por la cultura pop y el arte urbano. Entre ellas, las obras sobre papel realizadas junto a KAWS donde se aprecia la silueta de uno de sus personajes característicos conocidos como COMPANIONS o la pintura sobre madera en colaboración con Shepard Fairey (OBEY) en la que está presente su conocido personaje como André the Giant, el retrato de una estrella de la lucha libre, que posteriormente transformó en la campaña mundial OBEY GIANT.
 
Phil Frost (Jamestown, Nueva York, 1973) es un artista autodidacta, su interés por la expresión plástica se despertó en contacto con el mundo del grafiti y el underground. Entre sus exposiciones individuales cabe destacar Ellipse of Passage, Galería Javier López y Fer Francés, Madrid (2018); Magnetic Shift, Corning Tower Concourse Level – Empire State Plaza, Albany, Nueva York (2016); The Solace of The Sword, Ace Gallery, Los Ángeles (2013); mALORsUDas sOlarMB: Selected Works by Phil Frost, University Art Museum, Albany, Nueva York (2004); Soalmb Seven, Pennsylvania Academy of Fine Art, Philadelphia, Pensilvania (2002); Untitled, Spiral Museum Cultural Center, Tokio (2001) o Bolsar 7, Jack Shainman Gallery, Nueva York (1998), entre otras.
 
Phil Frost fue galardonado con el Pernod Award en 1996 y en 2004 recibió el Pollock – Krasner Foundation Award, así como becas de la New York Foundation for the Arts y la Louis Comfort Tiffany Foundation

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Málaga acoge una jornada de puertas abiertas en los museos Centre Pompidou, Ruso y Casa Natal Picasso por el Día Mundial del Turismo

El Día Mundial del Turismo se conmemora el 27 de septiembre y el Museo Casa Natal Picasso, el Centre Pompidou Málaga y la Colección del Museo Ruso abrirán sus puertas al público de forma gratuita, ofreciendo visitas guiadas especiales a los visitantes.

También habrá personal de mediación en la sala expositiva para aquellos usuarios que quieran conocer detalles de las exposiciones actuales. ‘Turismo para un crecimiento inclusivo’ es el tema escogido para la edición de 2021 y persigue centrarse en las personas.

Para ello, intenta poner el foco en los destinos turísticos, las empresas y las administraciones e instituciones públicas, con el objetivo de que sus proyectos tengan en cuenta a la sociedad en general, garantizando «que nadie se quede atrás cuando el mundo empiece a reabrirse de nuevo y encarar el futuro», según la Organización Mundial del Turismo (OMT).

El impacto social y económico de la pandemia en todo el mundo ha golpeado especialmente a aquellos sectores y colectivos desfavorecidos y a las personas más vulnerables. El turismo es un pilar económico y su reactivación es un motor para impulsar la recuperación de los países a nivel general, pero, advierten, este hecho debe ir acompañado de un reparto equitativo de los beneficios generados a través de este sector.

En 1979, la OMT estableció el 27 de septiembre como fecha para conmemorar el Día Mundial del Turismo para conmemorar el aniversario de la aprobación de sus Estatutos. El objetivo que persigue es «concienciar a la comunidad internacional acerca del valor social, cultural, político y económico del turismo, además de sobre cómo el sector puede contribuir a lograr los Objetivos de Desarrollo Sostenible», según la organización.

CENTRE POMPIDOU MÁLAGA

Así, han detallado en un comunicado, partiendo del lema de esta edición Turismo para un crecimiento inclusivo, el Centre Pompidou Málaga desarrollará unas dinámicas didácticas para reflexionar junto al visitante de lo necesaria que es actualmente una sociedad cada vez más inclusiva, y de cómo los museos fomentan esto a través de una educación interactiva.

Durante la visita, el usuario experimentará cómo los artistas han empleado la inclusión (en todas sus acepciones), para enriquecer los procesos y lenguajes plásticos en el arte de los siglos XX y XXI.

Además de visitar gratuitamente las exposiciones actuales ‘De Miró a Barceló. Un siglo de arte español’ y la temporal ‘Julio González’, el visitante disfrutará de las ‘visitas flash’, que ofrece un recorrido por piezas artísticas clave de las muestras.

Las visitas guiadas son gratuitas, para todos los públicos y en español. Asimismo, han recordado que es necesaria la inscripción previa en la recepción.

COLECCIÓN DEL MUSEO RUSO

Por otro lado, han recordado que además de la apertura extraordinaria, ya que los lunes es el día de cierre de este espacio, la Colección del Museo Ruso ofrecerá a los visitantes la posibilidad de participar en las ‘Visitas Crono’, diálogos breves en piezas seleccionadas de la exposición anual ‘Guerra y paz’ en el arte ruso, en las que se abordarán la mirada crítica que distintos autores del arte ruso han desarrollado en su representación de los conflictos armados.

Estos diálogos invitan a reflexionar sobre la mirada integradora de la sociedad que promueven hoy días los museos, en relación con el lema elegido para esta edición. Las visitas guiadas son gratuitas, para todos los públicos y en español.

Los visitantes podrán ver de forma gratuita la exposición anual ‘Guerra y Paz’ en el arte ruso y las temporales ‘Iván Aivazovsky y los pintores marinistas rusos’ y ‘Lev Tolstói. El camino de la vida’.

MUSEO CASA NATAL PICASSO

También el Museo Casa Natal de Picasso, a través de sus actividades, fomenta la participación del público en el acercamiento y comprensión de la obra de Picasso y del arte contemporáneo.

En esta jornada de puertas abiertas, que tiene como lema Turismo para un crecimiento inclusivo, los visitantes podrán entender mejor la infancia del artista a través de los objetos, fotografías y documentos que se exhiben en la casa, así como descubrir su faceta más solidaria y su compromiso con la paz en el recorrido que ofrece la exposición temporal ‘Au rendez-vous des poètes. Picasso y los libros’.

Para ello, se ha organizado las Visitas Crono, que consisten en diálogos breves en piezas seleccionadas en relación con el lema elegido para esta edición.

ENCUENTRO CON JÓVENES CINEASTAS – FESTIVAL CINE SAN SEBASTIÁN

La Escuela Universitaria de Artes TAI organiza un encuentro de la premiada artista con los jóvenes cineastas de la escuela en la que se formó dentro del marco del Festival de San Sebastián.

La Escuela Universitaria de Artes TAI ha reunido a una de las cineastas emergentes más importantes del panorama cinematográfico actual Ainhoa Rodríguez con jóvenes cineastas de la escuela en la que ella estudió la diplomatura en Dirección de Cine y Realización de Televisión.

En este encuentro, organizado dentro del marco del Festival de San Sebastián, la cineasta ha expresado que al final, una película que se ha hecho desde lo local es “la clave para hacerse internacional” en relación a su ópera prima, Destello bravío, que ha inaugurado el Festival de cine de Rotterdam y ha sido premiada en certámenes como el Festival de Burgas en Bulgaria, en el ShorTS de Italia, en Abycine Lanza, mercado del Audiovisual Independiente, en el Festival Internacional de Cine de Vilnius, en el festival de Tarragona, en el de Gijón o en el Festival de Cine de Málaga, donde ha conseguido el Premio Especial del Jurado y la Biznaga al mejor montaje.

“Hay una nueva generación de directores que estamos más en los límites de lo industrial, que vamos hacia un cine más pequeño, a un universo más personal. A veces, en España, nos quedamos en nuestro país y atendemos a lo que está teniendo importancia dentro del mismo, pero es muy importante salir y tener una ambición de que tu película recorra festivales y que seas conocida como autora en el circuito internacional” ha argumentado Rodríguez, quien ha expresado que antes, a nivel industrial “no estábamos tan pendientes de los autores que estaban fuera en el universo de los festivales”. “Creo que un ejemplo es haber estado en Rotterdam con Destello bravío y en el Festival Málaga en sección oficial, con una película que, a priori, no sería para sección oficial en Málaga, que digamos que es un cine más comercial. Esas cosas están cambiando y son muy interesantes para tener en cuenta”, ha añadido.



“Una película tiene, no solamente el poder transformador del visionado, el viaje que acometes con el espectador, sino también te das cuenta cómo el cine es curativo y puede transformar, en este caso, una pequeña gran sociedad, este pueblo y los pueblos aledaños. Las mujeres que protagonizan la película siempre me dicen que les ha cambiado la vida, una de ellas me contaba cómo su vida sigue siendo la misma, pero por dentro ha habido una revolución, algo ha cambiado en ella o cómo otra, que era muy recta, muy rígida, dice que la película le ha curado diez años de depresión de golpe”, ha explicado.

Respecto a los nueve meses de trabajo que realizó en Puebla de la Reina donde rodó la película, la directora ha afirmado que una directora o un director tiene que saber desprenderse de material, aunque les haya costado mucho rodarlo. “Ese vínculo emocional es uno de los procesos de madurez fílmica y creativa. Es básico saber lo que funciona y lo que no”, ha añadido.

“La verdad que yo tenía muchas ganas de hacer mi primera película en un pequeño pueblo y de hacerla con actrices y actores naturales porque me daba la sensación de que me iban a dar una materia prima que es la autenticidad”, ha indicado la artista, que también está nominada al premio Dunia Ayaso, que otorga la Fundación SGAE dentro del festival de San Sebastián y que reconoce la mirada de género en el séptimo arte.

Influencia de su amplia formación en su forma de hacer cine
“Empecé con el doctorado, el máster y luego con la tesis, no porque quisiera ser docente, sino porque tenía la intuición de que era la forma de seguir mejorando como directora y proveyéndome de herramientas para ser mejor directora de cine. Y, efectivamente, aprendes rodando, equivocándote, volviendo a rodar, en la sala de montaje, pero aprendes analizando a los grandes y las grandes plano a plano”, ha asegurado.

ACERCA DE TAI (ESCUELA UNIVERSITARIA DE ARTES)
Con más de 50 años de experiencia educativa, la Escuela Universitaria de Artes TAI se ha consolidado como centro pionero y de excelencia en las enseñanzas artísticas universitarias en España, avalado por una sólida estructura académica y una intensa actividad de producción artística. TAI, el campus de las artes más grande de España, ofrece todos los niveles de especialización: formación integral en Grados Oficiales, cualificación profesional en Diplomaturas y máxima especialización en Masters Propios y Universitarios.

EL CAC MÁLAGA ORGANIZA EL TALLER DE ILUSTRACIÓN LOWBROW CON AINTZANE CRUCETA

El CAC Málaga organiza el taller práctico infantil “Desde mi dulce universo” de ilustración estilo Lowbrow con la artista Aintzane Cruceta el sábado 18 de septiembre de 12.00 a 14.00h.

El CAC Málaga organiza el taller práctico infantil “Desde mi dulce universo” de ilustración estilo Lowbrow con la artista Aintzane Cruceta el sábado 18 de septiembre de 12.00 a 14.00h. El taller está destinado a niños entre 7 y 13 años y tendrá lugar en el salón de actos del centro previa inscripción e importe de 15€ a través del correo electrónico coordinacion@cacmalaga.eu.

Durante el taller, los participantes tendrán acceso a una breve explicación con imágenes de referencia para posteriormente realizar una ilustración individual de una escena con personajes muy peculiares en torno a un dulce cuyas escenas estarán relacionadas con elementos personales que les trasladen a un entorno entrañable, seguro, divertido y, de esta forma, cada participante creará una escena con su propio universo interno. Por último, tendrá lugar una pequeña exposición para que los participantes puedan ver y comentar las diferentes obras que se hayan realizado.

Aintzane Cruceta Guadix (Motril, Granada (1988) estudió en la Facultad de Bellas Artes de Málaga, posteriormente en Técnico superior de Artes Plásticas y diseño de Ilustración además de continuar investigando por su cuenta sobre la rama ilustrativa.

De esta forma descubre los estilos compositivos del tatuaje, arte urbano y cartelería, añadiendo pequeños matices de estas tendencias a sus propias ilustraciones.

Sus principales fuentes de inspiración son las formas orgánicas, los colores, la fauna y la flora. Su intención es representar ilustraciones con cierto aire de despreocupación, fortaleza, sensualidad e independencia a la vez que oscuridad. En la mayor parte de sus obras plasma mensajes que dan lugar a momentos de introspección, haciendo de sus obras un uso casi autobiográfico.

Expone sus obras en espacios expositivos de Málaga, Granada, Sevilla y Barcelona; de manera que su obra al final llega a ciudades como Santiago de Compostela, Madrid, Donostia, París o Polonia.

MR DRIPPING DE PROMOCIÓN EN ESPAÑA

Mark Ríos, artista español conocido como Mr. Dripping es un renombrado artista que desarrolló la técnica pictórica del dripping. Esta técnica fue utilizada originalmente por Jackson Pollock y consistía en dejar caer líneas de pintura sobre un lienzo colocado en el suelo, creando formas flotantes, danzantes y armoniosas. Mr. Dripping se inspiró en la idea de poder pintar sin tocar físicamente el lienzo, pero decidió llevar el método de Pollock un paso más allá.


«Actualmente y hasta finales de agosto se puede visitar una pequeña exposición en el hotel Puente Romano de Marbella.”
Redacción

Lo que antes eran simples líneas de pintura, dejadas caer incontroladamente sobre un lienzo para crear algo que cambiaba con la percepción, se convertía ahora en una figura humana, personal y realista.

Mr. Dripping ha pintado para numerosas celebridades del mundo del cine, la música, la moda y el deporte tales como Tom Cruise, Will Smith, Sara Sampaio, Nieves Álvarez, Nyjah Huston, Xavi Hernández, Sebastián Yatra, Carlos Rivera, Antonio Banderas, Neymar Jr, Ter Stegen, Major Lazer…. y ha realizado varias exposiciones, entre ellas en la reconocida Art Basel en Miami.

Mark Ríos con el dripping crea una experiencia memorable que permite conectar con la obra de arte a nivel personal. El proceso de creación es expuesto por los artistas. Es una experiencia de entretenimiento con un toque personal, actual, urbano y pionero e impactante en el mundo del arte.

BIOGRAFÍA MR DRIPPING

Mark Ríos nació en Barcelona en 1987. Artista y diseñador de moda con una técnica de dripping única y autodidacta que ha llegado y se ha expuesto en grandes ciudades como: Barcelona, Madrid, Florencia, Nueva York y Miami. Mark ha trabajado para varios proyectos con agencias de publicidad y eventos, marcas de moda así como hoteles. Su trabajo ha sido reconocido por celebridades, músicos, influencers y atletas profesionales. Actualmente afincado en Dubai, Mark trabaja para clientes y marcas de todo el mundo tales como Monster, F1 o Ecco entre otras.

El Centenario y la Asociación Zegrí ofrecen visitas guiadas gratuitas a la exposición “Un siglo de esplendor”

Las visitas, dos días a la semana en horario de mañana y tarde, ofrecen una visión más detallada de la muestra para conocer en profundidad el discurso expositivo de “Un siglo de esplendor”

La Comisión del Centenario de la Agrupación de Cofradías de Semana Santa de Málaga y la Fundación Cultura Zegrí han unido sus fuerzas a través de un acuerdo de colaboración para contribuir a la difusión de las exposiciones organizadas por el Centenario.

Este acuerdo se traduce en la participación de Zegrí mediante sus guías para realizar las visitas guiadas oficiales del Centenario en la exposición que actualmente se puede visitar en el Centro Cultural Unicaja en el Palacio Episcopal de Málaga bajo el título de “Un siglo de esplendor”.

Estas visitas guiadas tendrán lugar todos los martes y jueves durante la exposición, en horario de 11:00 y 18:00 horas.

En cada una de esas horas en punto, los guías comenzarán las visitas para aquellos asistentes que así lo deseen, con un aforo máximo de 20 personas por grupo.

Estas visitas guiadas no tienen ningún sobrecoste adicional a la entrada, cuyo único coste es el donativo de tres euros destinado a la obra social del Centenario.

El presidente de la Comisión del Centenario, Luis Merino; el presidente de la Agrupación de Cofradías de Semana Santa de Málaga, Pablo Atencia; y el presidente de la Asociación Cultural Zegrí, Salvador Jiménez; han cerrado hoy el acuerdo en la propia exposición, siendo por parte de la Agrupación y el Centenario un honor para la institución contar con la colaboración de una entidad tan enriquecedora para Málaga y su cultura como es Zegrí, según palabras de Merino.

Es deseo de ambas partes que este acuerdo se traslade a las siguientes citas expositivas que con motivo del Centenario tiene programadas la Agrupación, siendo la más inmediata en el mes de septiembre, en la Catedral de Málaga, que mostrará en veneración a grandes imágenes devocionales de la ciudad bajo el título de “El verbo encarnado”.

EL MUPAM MÁLAGA ABRE SU SALA DE EXPOSICIONES A UNA COLECTIVA SOBRE EL MOVIMIENTO FOTOGRÁFICO DEL PICTORALISMO

La sala de exposición del Museo del Patrimonio Municipal acoge desde hoy De lo pictórico. Discursos fotográficos en torno a la Historia del Arte. Es una exposición fotográfica colectiva sobre el movimiento fotográfico del pictorialismo. Las obras que se muestran han sido realizadas por el alumnado de 2º de Fotografía de la Escuela de Arte San Telmo de Málaga. En ella se puede ver una serie de representaciones de obras pictóricas y escultóricas que van desde finales del siglo XV hasta el XX, imprimiendo su propia dialéctica hasta plasmar la obra de arte seleccionada en un medio tan diferente como el propio de origen. Esta exposición ha sido presentada e inaugurada hoy por la concejala de Cultura, Noelia Losada; el director de la Escuela de San Telmo, Juan Francisco Macías; y la comisaria y profesora del centro, Noelia García Bandera.

De lo pictórico. Discursos fotográficos en torno a la Historia del Arte está organizado por el Área de Cultura y puede visitarse de martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas hasta el 9 de octubre.

“Esta exposición, que recoge la obra de 17 estudiantes de fotografía, es una muestra más de la apuesta por los creadoras locales que se hace desde el Área de Cultura. Este espacio lleno de la historia artística municipal, tiene durante un mes su sala más accesible dedicada al futuro artístico de la ciudad, convirtiendo ese futuro en presente”, ha señalado la concejala de Cultura, Noelia Losada.

Con la atenta dirección y supervisión de la profesora y comisaria, Noelia García Bandera, cada uno de los estudiantes: Mabela Corpas, Claudia García, Cristina Gil, Paula Guardián, Ángela Guerrero, Aída Herrera, Raquel Jiménez, Carlos Jurado, Marichu López, Manuel M. Criado, Mayela Marín, Nicolás Martín, Camila Monsalve, Patricia Moreno, Sara Onieva, Belinda Rodríguez y Alejandro Wirthwein ha elegido y desarrollado  una obra artística de diferentes épocas para hacer su particular versión fotográfica.

EL PICTORALISMO

Noelia García Bandera señala que “el pictorialismo es un movimiento fotográfico de intensas pretensiones artísticas con enorme éxito a finales del siglo XIX en Europa, Japón y Estados Unidos. Estos artistas/fotógrafos querían separase de la idea de la toma fotográfica como un mero acto de mecánico y convertirlo en un distanciamiento de la realidad, trabajando un lenguaje romántico y artístico.

Hace ya más de una década que las pinceladas pictóricas se tradujeron en píxeles fotográficos en la Escuela de Arte San Telmo. La capacitación y artisticidad, tanto a nivel teórico como práctico, adquirida durante los cursos académicos, otorgan al alumnado un saber hacer interpretativo, que reflejan a través de la mirada fotográfica un pasado cultural en gran medida pictórico. Y siempre trabajando con un referente, una base o idea preconcebida que rescatamos de nuestro ideario cultural expuesto en clase. Y aunque el pictorialismo como corriente cultural tuvo fecha de caducidad -en las primeras décadas del siglo XX-, siempre estuvo presente como movimiento artístico hasta llegar a la actualidad”.

Por su parte, el director de la Escuela de San Telmo, Juan Francisco Macías, apunta: “la fotografía se ha desarrollado en paralelo al resto de movimientos artísticos, creándose préstamos mutuos con otras disciplinas, pero sobre todo con la pintura”. “La elección por parte de nuestro alumnado de una obra maestra de la pintura los lleva a realizar una recreación viva de la escena, y utilizando en la producción medios fotográficos y lumínicos ponen en práctica los mismos conceptos narrativos que utilizó el pintor, creándose de nuevo un work in progress, una vuelta al origen en el que la fotografía nos remite de nuevo a la obra original. El resultado de todo esto es De lo pictórico. Discursos fotográficos en torno a la Historia del Arte, una colección de obras fotográficas que refieren a la propia pintura como elemento creativo, y que presentamos aquí como una consolidación en la preparación del artista.“

LAS OBRAS Y LOS ARTISTAS

Texto de Noelia García Bandera en el catálogo

Mabela Corpas se ha decantado por una obra de Alphonse Mucha (1860- 1939), uno de los máximos exponentes del Art Nouveau, cuya iconografía trabajaba en gran medida en torno a mujeres jóvenes y hermosas envueltas en atuendos con carácter clásico y rodeadas de estéticas flores. Pero lo que a Corpas le ha interesado es la faceta más personal del artista en la que dirige su mirada al ámbito familiar. Por ello retrata a su hija Jaroslava (1930), pero de una manera intensa gracias a esa mirada que se enfrenta con el espectador. De esta forma, otorga a su hija juicio y madurez en unos ojos penetrantes y seguros. Mabela Corpas ha conseguido la intención de Mucha gracias a la reproducción fidedigna del cuadro con la finalidad de actualizar su modelo sobre lo pictórico.

Por su parte, Claudia García se sintió atraída por una obra escultórica en vez de pictórica. En su caso, abraza el aspecto marmóreo de su Virgen velada (1847) de Raffaelle Monti (1818–1881) inspirándose en la técnica clásica de los paños mojados. La calidad del mármol permite a los artistas tallar los velos y esculpir bustos femeninos que además, resalta su maestría y técnica a la hora de trabajar el material. La tridimensionalidad de la escultura se ve traducida por la puesta en escena de la fotografía, en la que García ha sabido interpretar cada uno de los pliegues que caen sobre el rostro, de manera que otorgan el volumen de la pieza fotográfica.

Cristina Gil ha investigado sobre los autores del siglo XIX y ha adaptado sus intereses al trabajo de Dante Gabriel Rossetti (1828-1882). Especialmente Gil ha reproducido la obra Venus Verticordia (1868), en la que se puede contemplar el imaginario femenino de Rossetti, que coincide con otros autores prerrafaelitas: jóvenes esbeltas, de tez pálida, cabellos sueltos, labios sensuales y expresiones melancólicas. Cristina Gil ha trabajado no solo la dirección de modelo, sino también la puesta en escena para simular la sensualidad femenina que tan bien expresaba el artista a través de sus cuadros.

En cambio, Paula Guardián subvierte la interpretación que el propio Caravaggio (1571-1610) hace de su pintura Narciso (1597-1599), en la que se ve una joven modelo que se autocontempla en la más estricta intimidad. El lienzo original representa un tema mitológico extraído de las Metamorfosis de Ovidio: Narciso era un joven tan bello que quedó profundamente enamorado de su propio reflejo; cuando éste se acercó a besarlo cayó en una laguna y se ahogó. En cambio Guardián realiza una lectura diferente en la que incluye el título Musas. Mujeres que sucumben a su propia voz, para que la mujer adquiera un papel protagonista en su obra.

La obra de Frida Kahlo (1907-1954) es una de las más admiradas año tras año por el alumnado, y Ángela Guerrero ha querido seguir la tradición al plasmar la fuerza inspiradora de su obra gracias a El marco- autorretrato (1938). Kahlo afirmó que sus pinturas no se acercaban al diálogo onírico y surrealista sino que, al fin y al cabo, en sus representaciones hablaba de su vida y emociones. Guerrero actualiza la iconografía de la pintora con una modelo adaptada a nuestra modernidad, aunque con la propia atemporalidad de esta estética tan definida por Frida Kahlo. Por ello, podemos encontrar hasta certeros indicios de una definida fotografía editorial en los detalles que envuelve la imagen fotográfica.

De nuevo podemos apreciar una representación escultórica a través de la Pietà (1498-1499) de Miguel Ángel (1475-1564), esta vez recreada por Aída Herrera. Es interesante comprobar cómo la desubicación de una escultura tan célebre como la representación de una Piedad, pueda ser encontrada en un entorno natural por Herrera. Aquí se afianzan los lazos madre-hijo tras la muerte del propio Jesucristo en los que parece como si la Naturaleza estuviera esperando el cuerpo perecedero frente a un alma inmortal. Todo ello, sin olvidar el dolor de una joven madre que representa la piedra angular de la composición triangular tan definida en esta notoria obra. Así, los haces de luz provenientes del atardecer, atraviesan los árboles envuelven tan glorioso instante congelado por la cámara.

Raquel Jiménez también quiere jugar con los espectadores de su fotografía a través de la subversión de la obra elegida. Jiménez investiga la afamada obra La muerte de Marat (1793) del pintor neoclásico francés Jacques-Louis David (1748-1825) para adaptar su propia versión de los hechos, ya que en vez de Marat, podemos contemplar a una contemporánea Charlotte Corday como víctima en vez de verdugo. Con ello, realiza una crítica social hacia la violencia de género que las mujeres padecen día a día, pues la activa figura femenina luchadora por la libertad francesa, se posiciona como una mártir de la causa a manos del poder masculino imperante.

Seguimos jugamos con la modernización de tipos gracias a la obra de Carlos Jurado, en la que nos muestra su versión estética y artística de Judith con la cabeza de Holofernes (1613) de Cristofano Allori (1577-1621). Dicha pintura ha sido reproducida por diversos artistas a lo largo de la Historia del Arte, al ser un episodio bíblico dentro de un tema frecuente en la representación de la iconografía cristiana. En esta ocasión, Jurado nos muestra una heroica y actual Judith, vistiendo prendas coetáneas a nuestro tiempo y portando la cabeza de un devastado Holofernes en la que se potencia la fuerza de la mujer actual. La presencia de una segunda fémina asegura la unión entre ambas mujeres frente a situaciones adversas.

Por su parte, Marichu López contempla la figura de la mujer andaluza a través de la mirada de Julio Romero de Torres (1874-1930). Con su Chiquita Piconera (1930) nos traslada a una versión renovada en la que se pierde la fuerza de una penetrante mirada de la obra original frente a un ensimismamiento tan actual como es una joven con su dispositivo móvil. Sin perder un ápice de sensualidad y erotismo, la modelo de López posa con el atuendo representativo y típico de los cuadros de Romero de Torres aunque regalando al observador un guiño tan cercano como son las nuevas tecnologías.

Tradición y contemporaneidad conviven junto al retrato de la belleza española. Será La joven de la Perla (1665-1667) de Johannes Vermeer (1632-1675) una de las obras pictóricas con más interpretaciones por parte del alumnado, pero es que cada versión aporta una visión diferente y compleja. Así, Manuel M. Criado nos regala su propia interpretación gracias a su conocimiento sobre el pigmento y la luz, ya que M. Criado ha sido profesor de la Escuela de Arte y debido a su experiencia, el dominio que adquiere su mirada fotográfica es solemne. Aunque una de las hipótesis es que la obra de Vermeer fue un tronie, es decir, una muestra, Manuel M. Criado ha elaborado una suerte de retrato atemporal rodeado de belleza y fotogenia.

La iconografía de la Magdalena penitente (h.1660) que Murillo (1617-1682) nos presenta en este cuadro el personaje de María Magdalena haciendo penitencia por sus pecados. Así mismo, Mayela Marín estudia la iconografía y simbología de los atributos de dicha figura cristiana para que sea, per se, una representación fiel del mismo. Desde los largos cabellos, la sencilla vestimenta o la calavera como vanitas, se ajusta de manera verosímil al episodio en cuestión. Igualmente debemos tener en cuenta cómo la sensualidad que desprende de manera popular es plasmada por Marín en su propia modelo, cual mujer pecadora.

Las obras de Caravaggio son de las más estudiadas y trabajadas por el alumnado año tras año y volvemos a contar con uno de sus lienzos en Muchacho mordido por una lagartija (1593-1594). En esta ocasión, Nicolás Marín transforma al joven subvirtiendo su género y la escena elegida, a modo de instante decisivo, cuando el personaje en vez de ser mordido actúa como ejecutor. El pintor no deja de asombrar por su poder para tomar lo más espontáneo y natural de sus modelos; lo mismo que Marín, que intenta simular a través de la cámara la escena que, realizando una re-lectura, está llena de sensualidad. Su muchacha atrapa a la lagartija y la estruja en un ademán de poder. La mujer quiere dejar constancia de que no se va a volver dejar morder por nadie.

Camila Monsalve mira de nuevo al Barroco italiano y repite artista con Caravaggio aunque con una obra diferente a la anterior descrita. En este caso se trata de Muchacho con cesto de fruta (h. 1593), en el que se refleja el retrato de un joven con características andróginas que rozan el erotismo gracias a la pose. Por su parte, Monsalve añade misterio a su fotografía debido al juego de género que forja su modelo. Caravaggio quiso plasmar una serie de particulares entre las que destacamos la juventud, la sensualidad y el tenebrismo propio de la iluminación de la época que la  otógrafa interpreta de manera magistral.

Dando un salto temporal en la Historia del Arte, pasamos del Barroco al Surrealismo rabiante de René Magritte (1898-1967) con la pintura Les amants (1928). Patricia Moreno tenía claro el artista y la obra sobre la que quería trabajar y su plasmación fotográfica queda patente en unos amantes del mismo sexo que se aman bajo unas telas. El anonimato de esos jóvenes realza la pasión con la que se besan sin ser besados, pues como en los tiempos que nos ha tocado vivir, esa mascarada a modo de velo impide el contacto físico. A pesar de ello, la corporeidad de los no-retratos mantiene en vilo al espectador.

Edgar Degas (1834-1917) se adivina reinterpretado con Los bebedores de absenta (1876) gracias a la mirada subversiva de Sara Onieva, la cual actualiza tipos siguiendo el guión actual. Mientras que los rostros del siglo XIX que aparecen en el cuadro son personajes populares de su época, los retratados del siglo XXI asientan su carácter recóndito en una sociedad descontextualizada. Así, Degas hace alusión al estado de los modelos, alejado de los clásicos motivos impresionistas de alegría y bienestar, en la que alude a la marginación y aislamiento de ciertos ambientes parisinos.

Pero para Onieva, estos dos jóvenes decadentes son paradigmas de una colectividad que convive en inapetencia día a día y así lo vemos reflejado en su imagen fotográfica.

El caso de Belinda Rodríguez es especial debido a que es la única fotógrafa que no es compañera de curso, sino que es antigua alumna del Ciclo de Fotografía que, al igual que el alumnado actual, realizó este proyecto repleta de entusiasmo por los atrayentes resultados. Rodríguez ha pasado de ser alumna a profesora de nuestro centro y, de ahí, el interés de exponer sus dos piezas, ya que su trabajo y esfuerzo le ha llevado de aprender a enseñar en apenas un par de años. Las obras elegidas son Primavera y Otoño (1573) de Giuseppe Arcimboldo (1527-1593), obras que se compenetran a la perfección. Cada una de las pinturas contribuye al significado de la representación, así como cada uno de los objetos y elementos naturales, cuidadosamente elegidos, se entrelaza o se sobrepone, rivalizando con los otros y enfrentándose a sus contornos. Y Rodríguez lo ha llevado al plano fotográfico con una puesta en escena digna de las más bellas pinceladas.

Por último, los medios de masas se ven representados gracias al trabajo de Alejandro Wirthwein a través de la estampa popular religiosa, siendo un tipo de imágenes que favorecieron la densificación iconográfica. Con un origen normalmente anónimo, los “poderes” milagrosos que el pueblo atribuye a las imágenes plasmadas en las estampas, se transfieren a su representación gráfica, así, la ilustración también sirve para incorporar poder extraordinario a esa imagen representada dándole predominio autónomo por sí misma. Todo ello nos lleva a pensar que se le da más importancia al poder devocional de la estampa que a su valor artístico, que pasa a un segundo plano. De este modo,

se crean una serie de variopintos iconos religiosos traducidos a imágenes gráficas –y en nuestro caso, fotográfica- puestos al servicio de la religión y a su vez, alimento visual y devocional para el pueblo. Así Wirthwein se centra e interpreta en La Milagrosa (s. XIX), imagen de la Virgen con unos atributos iconográficos fáciles de descubrir como el manto azul o los haces de luz que desprenden sus manos.

LA COLECCIÓN DEL MUSEO RUSO DE MÁLAGA REABRE AL PÚBLICO CON DOS EXPOSICIONES INÉDITAS DEDICADAS AL CINE MUDO EN RUSIA Y AL DIRECTOR ANDRÈI TARKOVSKY

La Colección del Museo Ruso vuelve a abrir sus puertas hoy, 26 de mayo, en su horario habitual de martes a domingo y de 9:30 a 20:00 horas, con un tercio del aforo y cumpliendo todos los requisitos de seguridad para visitantes y trabajadores que se especifican en el capítulo IX del BOE de 9 de mayo.

La reapertura trae a las salas temporales de este espacio dos exposiciones inéditas: Rompiendo el silencio. El cine mudo en Rusia y Andrèi Tarkovsky. Maestro del Espacio.  Los visitantes podrán disfrutar de entrada gratuita esta semana y durante un año será gratis para sanitarios y miembros de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad.

Recorrido por el cine mudo

La exposición dedicada al cine mudo en Rusia es una selección de obras artísticas que transcienden a la propia imagen y a la estética. Como vehículo de transmisión cultural, el cine ha sido durante décadas un potente medio para atraer al público, bien sea para adoctrinarlo o con un fin lúdico. Lejos de su raíz ideológica, las imágenes promocionales del cine mudo ruso se han convertido con el paso del tiempo en iconos universales. La muestra se completa con producciones estadounidenses e italianas, que darán una visión general sobre el poder de unos símbolos para captar la atención del pueblo. La exposición está compuesta por 111 carteles y una decena de proyecciones de cine mudo.

En la primera década del siglo XX tuvieron lugar las primeras experiencias con los carteles del cine mudo. Desde sus inicios, estos trabajos gráficos se convirtieron en una parte inherente del paisaje urbano, en la plasmación no solo del mundo del cine, sino también de toda una época, siguiendo las corrientes artísticas. Los primeros carteles de cine buscaban complacer a la gran mayoría y se realizaban con distinto rigor y estilo artístico, pero todos se caracterizaban por su alto contenido emocional, apelando a las pasiones exóticas y emociones profundas.

Sus creadores a menudo se inspiraban en la estética de las viñetas «lubok», que empleaban formas vívidas y chillonas. Otro enfoque al que recurrían, muy propio del estilo moderno, consistía en apartarse del título, lo que abría una gran variedad de interpretaciones. Los carteles representaban composiciones impactantes y autónomas, muy acordes con en el espíritu simbolista.

A mediados de la década de 1920 nació una nueva vertiente en la cinematografía soviética: la época de los grandes innovadores, con tres nombres a tener en cuenta, como son Serguéi Eisenstein, Vsevolod Pudovkin y Dziga Vertov. En esos mismos años los carteles de cine se convirtieron en un espacio de experimentación para los jóvenes artistas de la vanguardia soviética, quienes estaban rompiendo con la estética más simplista y tosca de la época anterior.

Artistas de alto nivel artístico y brillante personalidad formaron parte de ese movimiento. Los hermanos Vladimir y Gueorgui Stenberg se convirtieron en los grandes maestros del cartel de cine soviético. Estos artistas tomaron prestados inusuales y rompedores recursos cinematográficos, como es la contraposición de elementos, que se convirtió en la clave de los carteles de cine. La perspectiva inversa y la combinación de planos y volúmenes también se pusieron de moda, o el uso del fotomontaje, algo en lo que destacó especialmente Antón Lavinski. También conoció un gran desarrollo el uso de las tipografías en carteles desprovistos de objetos. En esa última tendencia destacan especialmente las obras de Mijaíl Veksler, alumno de Kazimir Malévich.

No obstante, los carteles que ponían el foco en la imagen de los actores preferidos por el público continuaban siendo los más demandados. Los rostros de las estrellas de cine sonreían desde estos carteles donde se los representaba en clave realista o deformados, como se puede ver en los trabajos del artista Nikolái Prusakov. Todos ellos elevaron el género de los carteles de cine a su máximo nivel, convirtiéndolo en parte del legado del arte universal.

Andrèi Tarkovsky

En el Espacio 3 se puede ver una muestra sobre el director de cine Andrèi Tarkosvky, una de las figuras más importante de la filmografía universal y uno de los artistas rusos más influyentes del siglo XX. Fue el precursor de técnicas innovadoras en el cine de la época, añadiendo procesos en el montaje para hacer más dinámica la película. La exposición está compuesta por más de un centenar de piezas entre los fotogramas de sus películas e imágenes reveladoras de sus trabajos, fotografías del proceso de rodaje y lienzos realizados por él mismo.

Tarkovsky el precursor de técnicas innovadoras en el cine de la época, añadiendo procesos en el montaje para hacer más dinámica la película. Consideraba el cine como una obra de arte total y este principio le acompañaba en cada proceso del trabajo. Fue un director exigente y riguroso, que dejó un sello muy personal en la filmografía del siglo XX a través de las siete películas que dirigió a lo largo de su vida.

En la exposición Andréi Tarkovsky. Maestro del espacio el director de cine se presenta más bien como un artista plástico. Esta visión se muestra a través de las imágenes de sus películas y en las fotografías tomadas durante los rodajes. En esas escenas, Tarkovsky ejerce un control absoluto del trabajo, creando una atmósfera única que envolvía a todos los que participaban en ese proceso creativo.

La trayectoria de Tarkovsky como creador incluye también cortometrajes y documentales, obras radiofónicas y teatrales. En esta exposición se pueden ver fotografías que documentan sus largometrajes más importantes: La infancia de Iván, Andrei Rublev; Solaris y El espejo; Stalker, Nostalgia y Sacrificio. Una parte especial de esta exposición la ocupan las obras pictóricas elaboradas por el propio Tarkovsky. En ellas se percibe la capacidad que tenía para organizar el espacio más allá del plató de rodaje.  Su vida estuvo marcada por claroscuros: del reconocimiento internacional en importantes festivales de cine al sufrimiento por la enfermedad y el exilio durante sus últimos años de vida.

EL CAC MÁLAGA PRESENTA LA EXPOSICIÓN OPUS NIGRUM DE GIRBENT

Opus nigrum designa en los tratados de alquimia la fase de separación y disolución de la sustancia que era la más difícil de la Gran Obra y también simboliza las pruebas del espíritu en su proceso de liberación.

Opus nigrum es el resultado de la fascinación del artista por dos grandes fábricas de imágenes: la tradición pictórica occidental y el cine. La muestra reúne 10 obras, la mayoría de gran formato y algunas inéditas, óleo sobre tela y carbón sobre papel, todas en blanco y negro.


 
El guión principal sobre el que profundiza el trabajo de Girbent es una continua reflexión sobre el sentido y las posibilidades de la imagen pintada y el acto de pintar en el siglo XXI, en  la época de internet.
 
Se define como un coleccionista de imágenes que selecciona y extrae de fuentes inagotables como el cine o la tradición pictórica occidental, para posteriormente realizar con ellas, una vez separadas violentamente de su flujo narrativo original­, una operación de transfiguración. De este modo, fantasmas procedentes de un mundo bidimensional puramente óptico adquieren un cuerpo, se convierten en singularidades fronterizas, en presencias sensuales en medio de la marea digital.


 
Girbent es un apropiacionista de patrones y modelos que propone una reconfiguración de imágenes ópticas a través de la pintura dentro de otro contexto donde ilustran otro discurso, concediéndole una vida nueva.
 
Para el artista una obra no tiene porque ser original en el sentido romántico del término, sino significativa. El tema del original y la copia constituye uno de los asuntos recurrentes en la trayectoria de Girbent. En Opus nigrum propone una revisión del estatus de la copia, apostando por un nuevo paradigma claramente alternativo respecto al imperante durante toda la modernidad. Para el pintor las copias no existen, todo son originales.
 
En esta muestra apuesta por los materiales más arcaicos y esenciales para la representación como el carbón, que aplicará con los dedos, y la pintura (óleo blanco y negro), con los que pretende transmitir la sensual analogía del imponente blanco y negro de algunos de sus films preferidos.
 
El cine es el hilo conductor de la exposición y podemos reconocer fotogramas de películas míticas de grandes cineastas como The Grandmaster (2013) de Wong Kar-wai, en las pinturas La conversación I (2017), La conversación II (2017), El rito III (2017) y el monumental El rito (2017), todas ellas realizadas en carbón sobre papel, trasladándonos al alma de la civilización china.  The race VII (2020) evoca  la película Jules et Jim (1961) del cineasta François Truffaut, donde una chica ataviada de pillo y con el bigote pintado, corre junto a dos hombres por un puente.
 
El espacio es otro de los temas recurrentes en la obra del artista, en este caso el espacio de un museo. Unos visitantes corriendo por las salas del Museo del Louvre, se aprecian en Fantasmagoría / La irrupción (2015) que nos traslada a un conocido fotograma de la película Bande à part (1964) de Jean-Luc Godard. Esta obra se podría relacionar con el mundo de la comicidad y la acción del slapstick sino fuera por el contrapunto que ofrece el lugar donde ocurre, un museo. El Louvre, con sus obras auténticas colgadas en las paredes, es también el espacio representado en La visitante (2020).
 
Otro de los grandes temas de Girbent es el tiempo y su subtrama predilecta, la sensualidad del aquí y ahora.  El acto de fumar es un recurso que utiliza para describir el paso del tiempo. El cigarrillo encendido que podemos ver en algunas de sus pinturas marcan el inevitable paso del tiempo y nos recuerda nuestra condición mortal, nuestra existencia.. Como en El espacio / El tiempo V (2019), inspirada en À bout de soufflé (1960) de Jean-Luc Godard, en la pintura Interior figura / Los susurros (2014) que evoca Coffee and Cigarettes (2003) de Jim Jarmusch o el políptico Smoke (2016) inspirado la película Fallen Angels (1995) de Wong Kar-wai.
 
Ficción y realidad, lo verdadero y lo falso, se entremezclan en su discurso artístico de tal manera que a veces no se pueden distinguir. Girbent se desdobla a veces en su propio comentarista, asumiendo el carácter lúdico e impostor de su condición de artista, y acompaña sus obras con cartelas, reseñas y notas informativas que configuran una leyenda en la que se inscribe la pieza pictórica, que pasa a formar parte de una mitología que la desborda, no es infrecuente que algunas de sus obras incluyan su propia crítica.
 
Girbent (Sóller, Mallorca, 1969). En 1986 se matricula en la Facultad de Bellas Artes en Barcelona. Pronto abandona la universidad y durante un tiempo se deja ver por los ambientes bohemios de la ciudad mediterránea. Durante este periodo se dedica a ver cine, a leer (ensayo, filosofía…) y se apasiona por el mundo del cómic. Empieza a dibujar sus propias historietas. En 1987 se hace con el primer premio del concurso internacional que convoca la editorial Toutain. A partir de entonces comienza a publicar en las mejores revistas: Totem, Comix internacional, Zona 84… La otra gran editorial del momento, Norma Comics le publica varias historietas de corte satírico. Con su segunda portada publicada (Totem nº 50) gana el premio a la mejor portada del año, ex aequo con los míticos Richard Corben y Chichoni. En 1989 viaja a la extinta RDA y consigue matricularse en la célebre Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leizpig, donde conoce a Neo Rauch y coincide con M. Weischer y T. Baumgartel. La caída del muro de Berlín le sorprende en Leizpig. En 1990 exhibe sus primeras pinturas en la exposición colectiva The Wall, en un espacio alternativo de Berlín.

Realiza por esta época una breve incursión en el mundo del grafiti. Simultáneamente, continua ilustrando portadas que publica en las mejores revistas del mundo, como El Eternauta en Italia o Metal Hurlant en EE. UU. Un año después abandona Alemania y viaja a México DF, donde explora las posibilidades del vídeo, grabando en los lugares que frecuentaron los Infrarrealistas, como el café «Quito» de la calle Bucarelli (donde le parece percibir todavía el pulular de los espíritus de Roberto Bolaño y Mario Santiago). En México sigue leyendo compulsivamente, pero su interés se ha desplazado del ensayo a la literatura. Paralelamente, crece su interés por el videoarte y el cine experimental. Pasa los años 1992 y 1993 en la península del Yucatán, instalado primero en Mérida y luego en Valladolid. Tras lo que considera su etapa de reflexión mexicana, decide regresar a su Mallorca natal para volcarse en su pintura.
 
Entre sus exposiciones destacan: Zona Girbent, en la Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2020), acabada de inaugurar y planteada como una extensión del taller del artista con vocación de crear proximidad entre obra y público; Hibridacions. Casal Solleric, Palma, Mallorca (2019); Los fantasmas encarnados, Can Prunera Museo Modernista, Sóller, Mallorca (2019); Hybridizations: the ghost of painting, White Box, Pekín, China (2018); Usurpation II, City Art Museum, Nagoya, Japón (2017); Presencias fronterizas, MUAC Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Querétaro, México (2014); Hotel + Los espejos, Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2013); Última pintura en las colecciones del DA2 y Fundación Coca-Cola, DA2 Domus Artium 2002, Salamanca, itinerante por las Islas Canarias (2011); Paintings, IHN Gallery, Seúl, Corea del Sur (2007); Original/copia, Galería Horrach Moyà, Palma, Mallorca (2005) o Rambuteau- Hôtel de Ville, Sa Quartera, Inca, Mallorca (2002).

Los espacios museísticos municipales de Málaga celebran el Día Internacional de los Museos con actividades digitales

La Confederación Española de Ayuda al Refugiado (CEAR), la Asociación de Autismo y las familias y personas afectadas de la Unidad de Salud Mental del Hospital Regional de Málaga Hogar Abierto de la Obra Social «la Caixa», la Unidad de Salud Mental del Hospital Civil, el Centro de Salud de El Limonar, Cruz Roja y el artista Paco Pérez van a ser los protagonistas del Día Internacional de los Museos en los espacios municipales de Málaga.

Museo Carmen Thyseen Málaga, la Colección del Museo Ruso, La Fundación Picasso Casa Natal, el Centre Pompidou Málaga y el CAC Málaga se suman así a una iniciativa que este año tiene como tema ‘Museos por igualdad: diversidad e inclusión’.

Como cada año desde 1977, el lunes 18 de mayo, tiene lugar el Día Internacional de los Museos (DIM) coordinado con el Consejo Internacional de Museos (ICOM). Este año, el tema escogido es Museos por igualdad: diversidad e inclusión.

Los espacios y centros expositivos proponen durante esta jornada iniciativas que profundizan en este asunto. En esta ocasión persigue convertirse en un punto de encuentro para analizar, desde distintas perspectivas, los retos de las comunidades que constituyen y conforman los museos y centros expositivos.

Además, poniendo el acento en las herramientas que permitan identificar y superar prejuicios, no sólo de las obras que exponen, sino también de las narrativas que hay detrás de cada discurso expositivo o acción artística, han recordado desde el Ayuntamiento a través de un comunicado.

Desde su creación, cada año se suman al DIM nuevos espacios expositivos y actualmente participan cerca de un centenar de países. Debido a las circunstancias actuales, la edición de este año está marcada por una orientación a las actividades en formato digital.

MUSEO CARMEN THYSSEN MÁLAGA

Así, entre otros, el Museo Carmen Thyssen Málaga pone en marcha tres acciones online que involucran a los tres colectivos sociales con los que trabaja con mayor asiduidad.

En este sentido, ha invitado a la Confederación Española de Ayuda al Refugiado (CEAR) a que compartan en redes sociales sus recuerdos de las visitas al Museo así como las diferentes experiencias vividas desde que se inició la colaboración entre ambas entidades en el año 2012 a través del programa ‘Idas y vueltas’, con el que se refuerza el aprendizaje del idioma español por parte de las personas refugiadas (aspecto fundamental para su inclusión).

Por otra parte, la pinacoteca también tiene previsto celebrar esta jornada con los niños y jóvenes de la Asociación de Autismo Málaga que ya forman parte de la familia educativa, y con los que se han compartido distintas experiencias desde el año 2016, que se revivirán a través de una serie de trabajos plásticos realizados por ellos y ellas en estos cuatro años.

Por último, las familias y personas afectadas de la Unidad de Salud Mental del Hospital Regional de Málaga que, desde hace cinco años, vienen siendo eje fundamental del Programa Educativo del Thyssen Málaga a través del proyecto Correspondencias, realizarán un vídeo documento donde varios participantes contarán lo que el proyecto supone para ellos

CENTRE POMPIDOU MÁLAGA, CASA NATAL DE PICASSO Y MUSEO RUSO

Por su parte, la Fundación Picasso Museo Casa Natal, la Colección del Museo Ruso y el Centre Pompidou Málaga se suman al DIM 2020 con una serie de actividades y acciones que tienen como eje central la implicación de diferentes colectivos.

Tomando como punto de partida el tema de esta edición, y con la necesidad de tender puentes entre estos espacios y la sociedad, favoreciendo la diversidad y dando protagonismo a diversos sectores, durante la jornada del 18 de mayo se expondrán los trabajos realizados por diversas entidades con las que se colabora de forma asidua.

A partir de una obra artística escogida por los equipos de Mediación de cada uno de estos espacios, que ahonda en la idea de superación personal, la resiliencia, la empatía con los demás, la igualdad, la inclusión y la diversidad, los participantes han llevado a cabo una versión libre de estas piezas.

Así, La Colección del Museo Ruso ha propuesto la obra Autorretrato (1905) de Boris Kustodiev para que la reinterpreten los usuarios de Hogar Abierto de la Obra Social «la Caixa».

La Fundación Picasso Museo Casa Natal ha recibido los trabajos de la Unidad de Salud Mental del Hospital Civil y del Centro de Salud de El Limonar, que han realizado una versión de Mujer sin rostro (1949) de Picasso. Por su parte, el Centre Pompidou Málaga ha recopilado los trabajos de los usuarios de Cruz Roja, que han llevado a cabo una reinterpretación de la pieza artística El niño jugando con aro (1917) de María Blanchard.

CAC MÁLAGA

Por su parte, el CAC Málaga invita a reflexionar de la mano del artista Paco Pérez Valencia sobre el papel fundamental que tiene el arte en nuestras vidas y en colaboración con La Universidad Emocional a participar en el proyecto El Museo Invisible, una actividad para reflexionar sobre la museografía.

El contenido compuesto de material audiovisual será compartido en las redes sociales y página web del museo, la jornada se podrá seguir a través de los hashtags #DIM2020, #MuseosxIgualdad y #MuseoInvisibleCAC.

El artista Paco Pérez Valencia reflexionará sobre cómo el arte que siempre ha sido un gran sismógrafo del mundo y de la sociedad ha influido en cómo somos y sobre la existencia de otras personas con capacidades excepcionales que habían pasado desapercibidas para el resto, capaces de expresarse a través del arte de una forma única.

De igual modo, en colaboración con La Universidad Emocional y coordinada por Iván Parrón, el CAC Málaga con el objetivo de crear experiencias significativas, invita a la participación en El Museo Invisible hasta el 31 de mayo, a encontrar aquellos objetos o cosas que se tienen guardados y dotarlas de contenido aunque no sean piezas concebidas como obras de arte y ubicarlas en un lugar de la casa donde crear tu propio museo.

Además, proponen compartirla mediante una foto y un breve texto de 140 caracteres describiéndonos la historia de tu objeto, nombre y ciudad de origen del participante con la etiqueta #MuseoInvisibleCAC.

La Fundación Unicaja suspende o limita temporalmente sus actividades por el coronavirus

La Fundación Unicaja ha decidido suspender desde este jueves y hasta nueva fecha las actividades programadas para sus centros debido a la expansión del virus Covid-19, declarado como pandemia por la Organización Mundial de la Salud, y a las recomendaciones de las autoridades sanitarias.

Periódicamente, se evaluará la situación atendiendo a la evolución del problema y a las disposiciones y recomendaciones de las autoridades competentes, según ha explicado la Fundación Unicaja en un comunicado.

Asimismo, la actividad expositiva de los distintos centros culturales de la Fundación Unicaja y de los museos Joaquín Peinado de Ronda y de Artes y Costumbres Populares de Málaga se mantiene, por ahora, adecuando la asistencia permitida a un tercio del aforo, siguiendo así las recomendaciones de las autoridades sanitarias. Con base en el desarrollo de los acontecimientos, se tomarán en todo caso las decisiones más adecuadas a este respecto.

Del mismo modo, la decisión sobre la apertura de los Campus Fundación Unicaja, cuya celebración estaba prevista del 27 de junio al 25 de agosto, se adoptará posteriormente al 30 de abril en función de las circunstancias vigentes en ese momento.

«Desde la Fundación Unicaja lamentamos los inconvenientes causados por la toma de estas medidas ejercidas desde la responsabilidad de la institución con sus usuarios», ha indicado la institución.

Toda aquella persona que haya adquirido entradas para alguna de las actividades suspendidas puede solicitar la devolución del importe de las mismas a través de los mismos cauces por los que las adquirieron.

Abierto el plazo de presentación de candidaturas para los Premios Andalucía Joven 2020

El Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ), entidad dependiente de la Consejería de Igualdad, Políticas Sociales y Conciliación, ha abierto el plazo de presentación de candidaturas para los Premios Andalucía Joven 2020 (BOJA número 48, de 11 de marzo). Con estas distinciones, se pretende reconocer la trayectoria de jóvenes, colectivos, entidades o instituciones que hayan destacado por su trabajo en el último año y cuya actividad haya repercutido de forma positiva en el colectivo juvenil de Andalucía.

Los Premios Andalucía Joven contemplan un total de once modalidades: Emprendimiento; Arte y cultura; Deporte; Ciencia, innovación y universidad; Promoción de Andalucía en el exterior; Compromiso social; Orgullos@s jóvenes LGTBI; Promoción de la igualdad entre mujeres y hombres en la juventud; Medio ambiente y desarrollo sostenible; Promoción de la inclusión social a la juventud con discapacidad; y Premio Conmemorativo a una trayectoria de trabajo en defensa de la juventud, este último con motivo de la conmemoración del 40 Aniversario de la Autonomía de Andalucía.

A estas distinciones pueden concurrir todas aquellas personas menores de 35 años, salvo en el caso del Premio Conmemorativo, que no tendrá límite de edad; así como colectivos, entidades o instituciones, tanto públicas como privadas, que con su labor hayan destacado o contribuido de forma positiva en el resto de la juventud andaluza.  

Las candidaturas se pueden presentar hasta el día 24 de abril, pudiendo ser propuestas por cualquier persona o entidad pública o privada. Asimismo, el jurado de los premios también podrá proponer las candidaturas que, sin haber concurrido al certamen, considere merecedoras de los mismos.

En la pasada edición de estos premios fueron galardonados: el director de orquesta Cristóbal Quirós (Arte y cultura); el medallista paralímpico Jairo Ruiz López (Deporte); la investigadora en Química Sostenible María Ángeles Fuentes Domínguez (Ciencia, innovación y universidad); la Escuela Superior de  Hostelería de Sevilla (Promoción de Andalucía en el exterior); la Asociación   EOEO de Alhaurín de la Torre (Compromiso social); el presidente de la Peña de Fútbol Nenas Cadistas Francisco Rivas (Lucha de los derechos LGTBI); el Instituto de Educación Secundaria Aguadulce (Proyecto por la igualdad entre mujeres y hombres); la sociedad socioambiental Ecourbe (Medio ambiente y desarrollo sostenible); y la Fundación don Bosco (Premio conmemorativo a una vida por la lucha en favor de la juventud).

Se puede consultar las bases al completo de los Premios Andalucía Joven 2020 del Instituto Andaluz de la Juventud en https://juntadeandalucia.es/boja/2020/48/BOJA20-048-00003-3696-01_00171113.pdf

EXPOSICIÓN ‘NUBES DE UN CIELO QUE NO CAMBIA’ por Ricky Dávila

NUBES DE UN CIELO QUE NO CAMBIA es el proyecto que gesta en 2009 como reportaje documental. Se traslada a las calles de una Bogotá ajetreada y misteriosa y captura un diario de los paseantes, espontáneos, desprevenidos pero firmes ante la cámara. Una serie de imágenes que son la vida misma con un matiz de incógnita. Ricky fotografía desde un carácter muy personal que muestra el realismo cotidiano, acercándose al encuadre como una sombra, convirtiéndose en un paseante más.

La exposición se compone de una serie de 26 fotografías de gran formato que invitan a la exploración y a desmembrar sus capas de realidad. Supone la unión entre poesía y fotoperiodismo, en la que Ricky se ha especializado durante la última década. Este proyecto se presentará ocupando por primera vez ambas salas expositivas del centro, el Espacio

Apertura y la Sala Desenfocada.

Ricky Dávila (Bilbao, 1964) es graduado en Fotografía por el ICP de Nueva York y el actual director del Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao. Ha proyectado su obra internacionalmente a lo largo de una veintena de exposiciones individuales, así como recogido su trabajo en media docena de libros. Nubes de un cielo que no cambia visitó con anterioridad las provincias de Cádiz, Almería y Casa América en Madrid.

APERTURA

Centro de Fotografía y Artes Visuales C/ Victoria, 16

INAUGURACIÓN 13 marzo 20.00h.

Hasta el 12 de mayo

VISITAS: De lunes a sábados de 9.30 a 13.30h y de 16.30 a 20.30h.

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